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Tema: Críticas de películas

  1. #1
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    Predeterminado Críticas de películas

    Martes 9 de junio de 2015

    Crecer es pelearse con los vecinos
    Uno tenía derecho a desconfiar de otra película sobre la crisis existencial de Los estadounidenses que entran en la vida adulta. Es todo un subgénero de la comedia de Hollywood que tiene buenos ejemplos (Old School, Young Adult) y otros bastante feos (Soltero en casa).
    FERNÁN CISNERO

    BUENOS VECINOS [***]
    Título original: Neighbours. Origen: Estados Unidos, 2015. Dirige: Nicholas Stoller. Escrita por: Andrew J. Cohen y Brendan O’Brien. Con: Seth Rogen, Zac Efron, Rose Byrne.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Quizás por eso se escapó Buenos vecinos, una comedia de aspecto tonto y que, sin embargo, es una comedia tirando a ingeniosa que esté circulando en HBO, permite enmendar la omisión.

    La historia es supersencilla: una pareja treintañera (Rogen y Byrne) que se muda a los suburbios para criar a su bebé. Intentan acomodarse a la nueva situación (no les sale del todo bien) pero las cosas se ponen feas: al lado se muda una fraternidad universitaria de esas que viven en una fiesta continua. Al principio parecen congeniar pero las cosas escalan rápidamente a una guerra entre vecinos.

    Lo más interesante de la película es ese choque generacional: los jóvenes adultos que intentan madurar sin perder lo "cool" y los jóvenes desarrapados que viven en una constante fiesta a los Porkys y que representan la juventud perdida, la envidiable locura del que no tiene nada para perder. La batalla generacional está centrada en Rogen, como ese treintañero que se escapa para fumar porro en el trabajo mientras intenta, como puede, ser padre, y Zac Efron cuyos abdominales son como una fantasía de juventud eterna. Un par de personajes secundarios aportan mucha gracia.

    El final parecería feliz, pero quizás sea irónico. Es que muestra en qué nos convertimos y cómo tropezamos, en eso de ser adultos, por culpa de la sonrisa de un bebé.



    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...tica-cine.html

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  3. #2
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    Martes 9 de junio de 2015

    Un chiste que solo funciona de a ratos

    La primera referencia para esta nueva comedia de Melissa McCarthy dirigida por Paul Feig debe ser La Pantera Rosa —la de Peter Sellers/Steve Martin, no los dibujos animados—, con una agente cómicamente torpe recorriendo paisajes europeos. No está ni cerca de aquel antecedente.

    FERNÁN CISNERO

    Spy: Una espía despistada.
    Título original: Spy. Origen: Estados Unidos, 2015. Escrita y dirigida por Paul Feig. Con: Melissa McCarthy, Jude Law, Miranda Hart, Jason Statham, Rose Byrne.

    Spoiler:
    SPOILER:
    No es que McCarthy no sea graciosa (en sus mejores momentos lo es, y mucho), ni que algunos chistes sean más o menos eficaces. El problema de esta comedia es que todo se ve como demasiado visto. Era un riesgo: la parodia a las películas de espías es un género tirando a agotado. Para peor algunos chistes sobre la obesidad de la protagonista ya eran viejos cuando estaban dirigidos a Jorge Porcel en la década de 1970.

    Acá McCarthy interpreta a una agente de escritorio de la CIA que debe salir al campo cuando es de las pocas espías que no conocen los malvados. Es mujer y obesa, así que se supone que además es torpe, imprudente y escasamente cosmopolita. A los 45 minutos de película, todo resulta demasiado previsible.

    Alguien ha definido al guionista y escritor Paul Feig como "nuestro George Cukor", porque comparte con el director clásico su amor por la comedia protagonizada por mujeres. Si alguna vez estuvo cerca del modelo (Damas en guerra), acá parece solo jugado a la gracia que le imprima McCarthy a su personaje principal. Eso también le pasaba a Cukor.


    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...ona-ratos.html

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  5. #3
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    Martes 9 de junio de 2015

    "Spy: Una espía despistada": Cuestión de (sobre)peso

    Comedia. EE.UU., 2015. 119’, SAM 13. De Paul Feig. Con Melissa McCarthy, Rose Byrne.

    Gaspar Zimerman



    Spoiler:
    SPOILER:
    Crítica: Regular.La mayoría de los chistes son repetitivos y poco efectivos. Y el guión no se anima al delirio total.
    Basada en su (sobre)peso, Melissa McCarthy viene construyendo una sólida carrera como comediante que incluye, como certificado de calidad, tres temporadas como anfitriona invitada de Saturday Night Live. En cine, aquí la conocemos básicamente por su sociedad con el director Paul Feig, que la dirigió en Damas en guerra (2011), en Chicas armadas y peligrosas (2013) y, ahora, en Spy: Una espía despistada. Esta es la primera en la que McCarthy es la protagonista absoluta, pero en las tres sus personajes son guarros, groseros, violentos. En una palabra: masculinos. Los kilos de más y ciertas actitudes impropias para lo que se espera de una mujer son los ejes principales de su comicidad.

    Maxwell Smart dejó altísima la vara en materia de parodias de películas de espías: sagas como Austin Powers o La pistola desnuda, y no muchas más, se acercaron a ese nivel. En este nuevo intento, a McCarthy -una administrativa de la CIA que salta del escritorio al campo de batalla- la acompañan un Jason Statham que se burla todo el tiempo de sí mismo, Rose Byrne como la villana y Jude Law como el perfecto James Bond. Todos se reiteran en sus chistes (y muchos no son graciosos ni siquiera la primera vez). El guión, además de repetitivo, no se anima a ser completamente delirante: hay una trama de espionaje más o menos elaborada pero, a la vez, carente de interés.

    Hay que reconocer que McCarthy es buena actriz y se anota algunos gags efectivos. Pero verla haciéndose la dura, dando patadas, vomitando o diciendo líneas como "voy a cortarte la pija y te la voy a pegar en la frente para que quedes como un unicornio" resulta agotador más temprano que tarde. Algunos ven un subtexto progre y sostienen que, con sus personajes, McCarthy reivindica la obesidad y se burla de los cánones de belleza convencionales; en realidad, parece todo lo contrario. Pero si nos reímos con la gorda o nos reímos de la gorda es un debate secundario; la cuestión es si nos reímos.

    Y la respuesta es no.


    http://www.clarin.com/extrashow/cine...369063494.html

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  7. #4
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    Jueves 4 de junio de 2015

    La espía que mata de risa
    Por Natalia Trzenko

    Ficha técnica: Spy: una espía despistada (estados unidos/2015) / Dirección y guión : Paul Feig / Fotografía: Robert Yeoman / Música: Theodore Shapiro / Edición: Brent White y Melissa Bretherton / Elenco: Melissa McCarthy, Jason Statham, Rose Byrne, Jude Law, Miranda Hart, Bobby Cannavale, Allison Janney, Peter Serafinowicz, Morena Baccarin / Distribuidora: Fox / Duración: 120 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: muy buena

    En los últimos años, la comedia norteamericana se llenó de grandes dúos creativos. Sociedades compuestas por quién está detrás de cámara y un intérprete dispuesto a todo para llevar adelante el proyecto compartido. Ahí están, entre otros, los films de Will Ferrell y Adam McKay y Ferrell (El reportero: la leyenda de Ron Burgundy); los de Judd Apatow y Seth Rogen (Ligeramente embarazada) y los del propio Rogen con su coguionista desde la adolescencia, Evan Goldberg (Este es el fin). Y en medio de tanta fructífera colaboración masculina, la dupla que conforman el director y guionista Paul Feig y la actriz Melissa McCarthy parece ser la más popular por estos días. Luego de conocerse en la brillante Damas en guerra, en la que McCarthy conseguía destacarse en un papel secundario que le valió todo su éxito actual, Feig y su musa volvieron a trabajar juntos en Armadas y peligrosas, una comedia de acción que abrió el camino para que ambos llegaran a Spy: una espía despistada, su mejor película hasta el momento.

    Escrito por el propio Feig, el film cuenta las aventuras de Susan Cooper, una inteligente y capaz agente de la CIA, confinada a un trabajo de escritorio por el espía Bradley Fine (Jude Law), al que asiste en sus misiones y del que está no tan secretamente enamorada.

    La combinación de comedia e intriga internacional a lo James Bond no llega a la parodia -aunque muchas veces la roza- gracias a la versatilidad de todos sus intérpretes, entre los que se destacan en papeles secundarios la comediante británica Miranda Hart, la gran Allison Janney y, especialmente Rose Byrne y Jason Statham. Mientras que Byrne consigue transformar a la villana del cuento -la traficante de armas Rayna Boyanov- en un personaje hilarante y ridículo sin volverla una caricatura, el gran actor de acción que es Statham también demuestra su tempo para la comedia como el espía más intenso, torpe y exagerado del que se tenga memoria. Y entre todos ellos, cada uno con su justo momento para brillar gracias a un guión impecable e implacable, está la protagonista, que es digna heredera de comediantes como Lucille Ball o Carol Burnett. Todos ellos intérpretes, como McCarthy, con una especial habilidad para el humor físico y para transmitir emoción aun en las circunstancias más disparatadas. Claro que, a diferencia de aquellos próceres de la comedia norteamericana, McCarthy consigue colar entre espectaculares escenas de acción y las cataratas de inventivos improperios, una reflexión sobre el lugar de las mujeres en el mundo.

    Que una comedia de Hollywood se proponga cuestionar la importancia que se la da al aspecto físico, los cánones de belleza impuestos y el desprecio con el que deben convivir quienes no los cumplen podría parecer una tarea tan desubicada como potencialmente solemne.

    Sin embargo, en manos de la dupla McCarthy-Feig, el mensaje no acalla las risas y, de hecho, consigue potenciarse entre tanto humor a veces físico, a veces escatológico y siempre imperdible.


    http://www.lanacion.com.ar/1798484-l...e-mata-de-risa

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  9. #5
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    Me gustó este hilo, me parece que está bueno para que se transforme en una sección aparte. Incluso se podría poner un enlace desde la ficha de la película o serie a sus respectivas críticas. Lo dejo como una idea por si sigue creciendo y para que quede más ordenado. A veces las críticas terminan de convencer a los que estamos en duda con alguna película

    PD: Una vez más, gracias Amadel por tus notas!

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  11. #6
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    christianh:

    ¡De nada!Pienso seguir el hilo y ya en muchas fichas de películas,o está la crítica o un link, que conduce al lugar donde está la misma.

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  13. #7
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    Jueves 11 de junio de 2015

    Búsqueda en un pasado lleno de ambigüedades


    La presión de un grupo de aficionados al misterio y las estrecheces económicas, obligan a la protagonista (Charlize Theron) en una búsqueda que preferiría no emprender


    No es lo mismo ser estrella que ser actríz: Charlize Theron logra ser ambas cosas

    LUGARES OSCUROS [**]

    Francia 2014. Título original: Dark Places. Director: Gilles Paquet-Brenner. Libreto: Gilles Pacquet-Brenner (novela de Gillian Flynn). Fotografía: Barry Ackroyd. Música: BT, Gregory Tripi. Intérpretes: Charlize Theron, Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz.

    GUILLERMO ZAPIOLA

    Spoiler:
    SPOILER:
    Cuando tenía ocho años, su madre y dos hermanas fueron asesinadas de manera brutal, y el único hermano sobreviviente (además de ella) fue condenado por los crímenes. El fallo se basó, entre otras cosas, en el borroso testimonio de la protagonista, quien a cierta altura comienza a cuestionarse acerca de si las cosas ocurrieron realmente como ella cree recordarlas.

    El asunto proviene de una novela de la escritora Gillian Flynn, autora también de Perdida, que fue llevada al cine con dirección de David Fincher, con Ben Affleck y Rosamunde Pike en los papeles centrales. En el caso de Perdida, la adaptación al cine fue escrita por la propia autora; en el de Lugares oscuros el adaptador fue el director, el francés Gilles Pacquet-Brenner, pero en ambos casos se advierten rasgos atribuibles a Flynn: el gusto por los misterios enredados, una persistente ambigüedad en el comportamiento de los personajes, la posible doble o triple lectura de algunas situaciones. A esa mujer le encanta complicar las cosas, y de ahí derivan algunas de las virtudes y los defectos de sus trabajos.

    Ello se advierte en particular en la zona central de esta película, compuesta por varios "flashbacks" que ilustran los antecedentes del múltiple crimen, mientras Theron investiga en busca de nuevas pistas. Un mayor pulido de libreto pudo evitar algunas dispersiones y clarificar la forma en que ciertas informaciones llegan al espectador (hay allí cierta vacilación en el punto de vista narrativo). En el haber de Flynn y del director Pacquet -Brenner hay que reconocer empero que el material no se les va en definitiva de las manos: complican mucho y hay bastante artificio en la resolución, pero esta no transgrede las reglas de la lógica interna. Cuando las fichas caen en su sitio, la solución no deja los cabos sueltos que podían temerse, y hasta dos o tres datos deslizados de manera casi casual durante el desarrollo adquieren un sentido inesperado. Esas son las virtudes de una decente historia policial.

    No es (no pretende ser) gran cine, y podría ser un exceso de rigor pretender que lo sea. Es un entretenimiento armado con un razonable nivel de eficiencia que podría esperar a que aparezca en cable, aunque allí se perdería su buen aprovechamiento de la pantalla ancha. La mejor carta de la que hace gala es de todos modos su elenco: los admiradores del libro de Flynn han protestado porque el personaje de la novela (vulnerable y de baja estatura) no se parece a Charlize Theron, pero habría que preguntarse qué estrella de primera línea que además sea una buena actriz encaja con esa descripción. Los secundarios la respaldan, en particular Chloë Moretz.


    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...men%20Matutino

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  15. #8
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    Jueves 11 de junio de 2015

    Atrayente juego de espejos
    Por Fernando López

    Ficha técnica: El otro lado del éxito (Clouds of Sils Maria, Francia-Alemania-Suiza/2014) / Dirección y guión: Olivier Assayas / Fotografía: Yorick Le Saux / Edición: Marion Monnier / Diseño de producción: François Renaud Labarthe / Elenco: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloe Grace Moretz, Lars Eidinger, Johnny Flynn, Angela Winkler / Distribuidora: Alfa Films / Duración: 123 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años, con reservas.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra Opinión: Muy Buena

    El paso del tiempo, el arte del actor, sus máscaras y sus inseguridades, los complejos lazos entre su ser real y los personajes de ficción que representa o con la imagen que ha ido construyendo de sí mismo en su relación con el mundo, más una observación crítica del ambiente (el del cine) en que se desarrolla este fascinante juego de espejos son algunos de los elementos con los que Olivier Assayas ha construido en Clouds of Sils Maria, aquí rebautizada El otro lado del éxito, un film en el que el autor de Los destinos sentimentales, Irma Vep y Las horas del verano se muestra particularmente inspirado.

    Pocas historias exhiben tantas capas y subtextos como ésta, y pocas pueden articularlos (y entretejer tantos niveles de ficción o de realidad con tanta precisión y equilibrio). El complejo relato gira básicamente sobre una actriz famosa y ya madura que se ve desafiada a interpretar la misma historia de su debut, veinte años atrás, pero ya no en el papel que la convirtió en estrella, el de la jovencita ambiciosa, Sigrid, cuyo encanto seduce a una mujer madura hasta el punto de conducirla al suicidio, sino en el de la que termina siendo su víctima, Helena.

    El film comienza en un tren, donde la actriz Maria Enders, en la plenitud de su gloria (Juliette Binoche, admirable), y su asistente- secretaria-confidente, dama de compañía y compañera de tragos Valentine (Kristen Stewart, justa ganadora de un César), viajan a Zurich para asistir a un homenaje a Wilhelm Melchior, el director de aquel film, y por lo tanto también el Pigmalión de la protagonista. Allí a Maria le propondrán la nueva versión y, dada su edad, el obligado cambio de rol. Para el ensayo de las escenas, que domina el medular segundo tercio del film, contará con la servicial Valentine, que le dará las réplicas como Sigrid en una rara mezcla de amabilidad y celos. Puestas en el compromiso de representar a Helena y Sigrid, la puesta en abismo gana aquí otro espesor; ya no son solamente los personajes, sino las propias actrices (la prestigiosa y consagrada Binoche y Kristen Stewart, la juvenil estrella de la serie de Crepúsculo) a las que se sumará poco más tarde quien encarnará a la nueva Sigrid, la conflictuada Jo-Ann Ellis (que ha ganado notoriedad en el Hollywood de la ficción como intérprete de superproducciones y grandes éxitos de acción o historias de vampiros) y es representada por Chloe Grace Moretz, vista entre nosotros en 500 días sin ella.

    A través de ellas, Assayas no sólo enriquece su retrato de la protagonista, sino que se interna en la descripcion de las relaciones entre mujeres, expone sus puntos de vista sobre el cine de hoy, multiplica los ecos y las referencias cinematográficas entre las que no faltan Bergman (Persona), Antonioni (La aventura), Mankiewicz (La malvada) ni una -paródica- a los X-Men. También extiende las dimensiones de su historia (el juego entre un nivel y otro es incesante) y lleva la puesta en abismo hasta hacerla infinita, algo que evoca el efecto de poner un espejo frente a otro espejo.

    Es cierto que el espesor de sus contenidos (las citas, incluida la de un cortometraje de 1924, Phénomène nuageux de Maloja, de Arnold Fanck) o la repetida apelación a toda clase de tecnologías actuales: iPod, iPhone, Skype, YouTube y la tendencia al palimpsesto que muestran muchas de sus escenas se arriesga al sobrepeso, pero no puede sino destacarse la inteligente construcción del relato, la fluidez de la puesta en escena y la imponente belleza de las imágenes que la sensible cámara de Yorick Le Saux sabe captar en el imponente enclave suizo de Sils Maria, donde Nietzsche pasó varias temporadas en busca de alivio para sus neuralgias.


    http://www.lanacion.com.ar/1800560-a...ego-de-espejos
    Última edición por Amadel; 02-10-2016 a las 19:53:15

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     juss54

  17. #9
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    Jueves 11 de junio de 2015

    Entretenimiento de manual
    Por Diego Batlle

    Ficha técnica: Jurassic World: Mundo Jurásico (Jurassic World, Estados Unidos/2015) / Dirección: Colin Trevorrow / Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Colin Trevorrow y Derek Connolly / Fotografía: John Schwartzman / Música: Michael Giacchino / Edición: Kevin Stitt / Diseño de producción: Ed Verreaux / Elenco: Bryce Dallas Howard, Chris Pratt, Irrfan Khan, Judy Greer, Omar Sy, Ty Simpkins, Vincent D'Onofrio y BD Wong / Distribuidora: UIP / Duración: 124 minutos / Calificación: Apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: buena.

    A 22 años del exitoso film original dirigido por Steven Spielberg, llega esta secuela -y cuarta entrega de la saga- que está ambientada también en la isla costarricense de Nubar. Allí se ha montado un descomunal parque temático en el que las decenas de miles de visitantes interactúan directamente con los dinosaurios como si se tratara de una simple granja o de un safari en Sudáfrica.

    A instancias del dueño (un excéntrico multimillonario, interpretado por el indio Irrfan Khan) y de Claire (Bryce Dallas Howard), la gerenta del complejo, un equipo de genetistas ha desarrollado un nuevo espécimen, el Indominus Rex, más grande, más fuerte y más letal incluso que el Velocirraptor y el Tiranosaurio Rex, con la idea de presentarlo como la próxima atracción e incrementar la facturación (la tentación, siempre presente). El espectador podrá imaginar, claro, que la bestia se escapará más temprano que tarde de su jaula para sembrar el pánico y generar un baño de sangre en el atestado parque.

    Es cierto que el guión de Jurassic World escrito a ocho manos es "de manual" (hay una subtrama "militar" con la caza del Indominus Rex en cuestión y la idea de utilizar a estas criaturas genéticas para la guerra, otra protagonizada por dos sobrinos de Claire y una tercera con toques románticos entre la protagonista y un ex militar devenido entrenador de Velocirraptors a cargo del galán Chris Pratt), y también que el director Colin Trevorrow (cuyo único antecedente era Safety Not Guaranteed) no es Spielberg ni Joe Johnston (responsable de la tercera entrega, en 2001), pero así y todo la película sostiene la tensión y el suspenso durante buena parte de sus dos horas apoyada, por supuesto, en el notable despliegue de efectos visuales e imágenes en 3D que permite "sentir" a los dinosaurios en la pantalla.

    Podrá argumentarse que la película recicla demasiados elementos de los films anteriores, que los personajes son estereotipados y superficiales, que no hay demasiados matices (ni mucho menos sutilezas), pero Jurassic World, con su presupuesto de casi 200 millones de dólares y su obsesión por el entretenimiento y el impacto, cumple sobradamente con sus objetivos y probablemente con las expectativas del público. Todo está servido, entonces, para un éxito comercial a escala mundial.


    http://www.lanacion.com.ar/1800564-e...ento-de-manual

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  19. #10
    Adicto Sin Retorno Avatar de McRheiss
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    Puedo, modestamente, sugerir que el título original se coloque de manera más destacada?

    En lo personal las traducciones de los títulos no me dicen nada pues acostumbro (por Subadictos seguro) a ver siempre los títulos originales. Esto, sumado a que éstos generalmente no son una traducción literal del original, crea confusión o despiste.

    --
    Por cierto, me parece muy buena idea este thread.
    Si quiero un resumen de lo que se viene (o se está dando) puedo venir por acá a ver qué dicen las críticas.

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  21. #11
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    Cita Iniciado por McRheiss Ver mensaje

    ...Por cierto, me parece muy buena idea este thread.
    Si quiero un resumen de lo que se viene (o se está dando) puedo venir por acá a ver qué dicen las críticas.
    Si, está buena la idea.
    Habría que ampliar un poco el panorama solamente.
    Saludos.

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  23. #12
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    McRheiss:

    No sé como hacer para destacar más el título ..mis recursos informáticos son muy reducidos

  24. #13
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    mcozeti:

    Yo coloco lo que está a mi alcance, que proviene de los diarios..., si vos tenés más críticas, también las podés colocar.

  25. #14
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    Viernes 12 de junio de 2015

    Aventura con un código genético ya probado con éxito

    La cara de sorpresa de Sam Neill en la primera Parque Jurásico cuando ve su primer braquiosaurio, era la misma expresión que tenían los espectadores ante ese alarde de tecnología cinematográfica.


    Chris Pratt descubre que los dinosaurios andan sueltos y están como enojados.

    FERNÁN CISNERO

    Jurassic World [***]
    Estados Unidos, 2015 Título original: Jurassic World. Dirección: Colin Trevorrow. Producción: Steven Spielberg, Frank Marshall, Patrick Crowley, Thomas Tull. Guión: Colin Trevorrow, Derek Connolly, Rick Jaffa, Amanda Silver basados en personajes de Michael Crichton. Música: Michael Giacchino. Fotografía: John Schwartzman. Con: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Vincent D’Onofrio, Ty Simpkins, Nick Robinson, Irrfan Khan y B. D. Wong.


    Spoiler:
    SPOILER:
    Era un Steven Spielberg en un estado puro que conseguía transmitir la inocente magia del cine. Veinte años después, el público ya no es tan inocente y en un cine cada vez es más difícil ver una cara de sorpresa. Quizás ese sea uno de los problemas de la en general entretenida Jurassic World.

    Vista hoy, aquella Jurassic Park (y también la segunda y un poco menos la tercera) aún es una gran película en donde la acción transcurría, irónicamente, más allá de los dinosaurios. Parece increíble que el T-Rex demoraba una hora en aparecer y las escenas con dinosaurios no eran tantas.

    Jurassic World, el renacer de la franquicia 20 años después de aquel ilustre antecedente, es otro asunto. Es principalmente entretenimiento de matiné (aunque un poco largo: son dos horas de película) que va directo al grano. Los dinosaurios están desde la primera a la última toma en distintos grados de diversión y peligrosidad.

    Como en la peor de las pesadillas, finalmente la isla de Nublar sí se convirtió en un parque temático que recibe 20.000 turistas por día. En lo que puede ser un comentario sobre la industria del cine, ese público cada vez exige más sangre por lo que una gerente abnegada (Bryce Dallas Howard) le da para adelante al proyecto de crear el Indominus Rex, un dinosaurio asesino creado exclusivamente en un laboratorio. Cualquiera que haya visto las otras sabe que meterse con esas cosas es un tremendo error y más cuando están por ir a visitar los sobrinitos de la gerenta. De eso quiere advertirle un entrenador de velociraptors (Chris Pratt) quien va a ser quien se encargue de ordenar el revuelo.

    La película está dirigida por Colin Trevorrow, un principiante al que le dan una tarea difícil. Aunque estuvo supervisado directamente por Spielberg (quien figura como productor) está claro que lejos de las pretensiones de las otras películas, se concentra en el entretenimiento de clase B. Que el villano sueñe con un ejército de velociraptors combatiendo contra el ISIS en Medio Oriente, es solo parte de la ingenuidad aventurera que tiene la película. Y aunque alguna escena recuerde a Los pájaros de Hitchcock, no hay tanto suspenso como las otras Jurassic Park.

    No es que esté mal: la película pretende ser pura diversión y en general lo logra. Para eso en el camino deja cualquier espesor en los personajes, no lima tonos sexistas del guión, ni retrasa ni un segundo la aparición de los verdaderos protagonistas, esos monstruos asesinos y prehistóricos con los que el hombre moderno sigue queriendo interactuar.

    Jurassic World, tiene código genético de las otras pero el resultado es un tanto degradado. Lo mejor que hay que hacer en este caso es dejarse llevar: después de todo no es más que una aventura con dinosaurios asesinos. Y de esos que meten miedo.


    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...men%20Matutino

  26. #15
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    Viernes 12 de junio de 2015

    Ajustado retrato de la explotación
    Por Alejandro Lingenti

    Bolishopping (Argentina, 2013) / Guión y dirección: Pablo Stigliani / Elenco: Arturo Goetz, Juan Carlos Aduviri, Olivia Sandy Tórrez y Rafael Ferro / Edición: Sebastián Polze / Fotografía: Sebastián Aramayo / Música: Patricio Alvarado Plaza / Duración: 90 minutos / Calificación: Apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: buena

    En la Argentina -informa la película en su inicio-, hay unos 3000 talleres cladestinos de confección de ropa que emplean, en negro y en condiciones cercanas a la esclavitud, a unas 40.000 personas, la mayoría de ellas provenientes de Bolivia. El estreno de Bolishopping llega un par de semanas después del incendio de un taller textil en el barrio de Flores, que provocó la muerte de dos niños y tuvo gran despliegue en los medios. Y lo cierto es que la historia funciona como síntesis precisa y ajustada de las penurias de esos trabajadores explotados impunemente, de su monótona vida cotidiana y de sus módicos sueños por lo general truncados. Stigliani define con rigor y convicción el territorio de esta cruda ficción realista y consigue que el siempre eficiente Arturo Goetz -actor fallecido en julio del año pasado- se luzca otra vez, encarnando al dueño de un taller transformado en cómplice necesario de una situación que ya lleva demasiado tiempo sin resolverse en el país, mientras los políticos y la sociedad miran para otro lado


    http://www.lanacion.com.ar/1800909-a...la-explotacion

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  28. #16
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    mcozeti:

    Yo coloco lo que está a mi alcance, que proviene de los diarios..., si vos tenés más críticas, también las podés colocar.
    Si, el problema es ese, las pelis que yo veo no salen en los diarios, por eso las traducimos...
    Muy buena la propuesta, saludos.

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  30. #17
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    Bastaría con colocar el nombre original en negritas al lado del traducido al español y listo.
    Es por si no se te hace conocida las traducción, veamos al tiro el título original. Sólo eso.

  31. #18
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    Cita Iniciado por McRheiss Ver mensaje
    Bastaría con colocar el nombre original en negritas al lado del traducido al español y listo.
    Es por si no se te hace conocida las traducción, veamos al tiro el título original. Sólo eso.
    McRheiss:

    Complacida, pensé que te referías a algo más complicado.

  32. #19
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    Si, el problema es ese, las pelis que yo veo no salen en los diarios, por eso las traducimos...
    Muy buena la propuesta, saludos.
    mcozeti

    Me alegra que te guste la propuesta, tal vez en la web encuentres críticas de las películas que te agradan..
    Saludos

  33. #20
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    Sabado 13 de junio de 2015

    Una pesimista alegoría sobre el abuso de poder

    Una visible fotografía de Vladimir Putin preside las escenas ambientadas en la oficina del corrupto alcalde (Roman Madyanov) que el mecánico protagonista (Alexei Serebriakov) se ve obligado a enfrentar.


    Los personajes del film se debaten en medio de un paisaje hostil.

    GUILLERMO ZAPIOLA

    Leviathan [****]
    Rusia 2014. Título original: Leviatán. Dirección: Andrey Zvyagintsev. Guión: Oleg Negin, Andrey Zvyagintsev. Fotografía: Mikhail Krichman. Música: Philip Glass. Sonido: Andrey Dergachev. Productores: Sergey Melkumov, Aleksandr Rodnyanskiy. Intérpretes: Vladimir Vdovichenkov, Elena Lyadova, Aleksey Serebryakov, Anna Ukolova, Roman Madyanov, Lesya Kudryashova, Aleksey Rosin, Alla Emintseva.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Ese malintencionado jerarca intenta apropiarse de la casa, el taller y el terreno adjunto del personaje de Serebriakov, por razones sobre las que se vocea el interés público (la construcción de una iglesia), pero en las que no resulta difícil advertir objetivos privados menos loables. El conflicto resultante opone a esos dos individuos, que tienen de su lado, uno a un puñado de jerarcas abusivos y poco respetuosos de la ley, y el otro a un hermano abogado (Vladimir Vdovichenkov) con presuntos contactos en Moscú, pero también con un indebido interés amoroso por su cuñada (Elena Lyadova).

    No corresponde incurrir en demasiados "spoilers" sobre el argumento del film en una nota dirigida a lectores que seguramente aún no lo han visto, pero puede señalarse que la anécdota de esta nueva película del valioso director Zvyagintsev (de quien el espectador uruguayo conoce las notables El regreso y Elena) no sustenta solamente una alegoría sobre el abuso de poder, aunque toda una zona del relato esté dedicada a ello. Los integrantes del gobierno de Putin que se enojaron con la película, y más aún con el hecho de que haya sido nominada al Oscar (aunque perdió ante la polaca Ida) y obtenido otros premios (Globo de Oro, mejor guión en Cannes), la entendieron correctamente.

    De más está decir que el autoritarismo no es un monopolio ruso aunque los sucesivos gobiernos del país hayan hecho abundante uso de él, y el propio Zvyagintsev ha podido sostener que el argumento le fue sugerido por un episodio real ocurrido en Estados Unidos acerca de una ciudadana que tuvo problemas con su alcalde. Sin embargo, la película apunta más lejos que eso.

    Desde la cita del monstruo Leviatán en el título, y un versículo del bíblico libro de Job recitado por un religioso ortodoxo en el film, la historia lidia también con el tema del sufrimiento de los inocentes, y la interrogante metafísica de qué hace Dios al respecto (según los personajes y el propio director, parece ser que hace más bien poco o nada). La colección de calamidades que el libreto descarga sobre el protagonista remiten también, sin mucho disimulo, al mencionado patriarca del Antiguo Testamento, aunque sigue siendo tentadora la idea de que Zvyagintsev y su colibretista Oleg Negin pensaron también en otro Leviatán cuando concibieron su película: el del título de la clásica obra del pensador político británico del siglo XVII Thomas Hobbes, en la que el mencionado monstruo es una alegoría del Estado todopoderoso.

    La denuncia política va en el film de la mano con el pesimismo existencial más bien agnóstico: suele describirse a Zvyagintsev como "el nuevo Tarkovski", pero su escepticismo está más cerca del de su colega (también "tarkovskiano" en algunos aspectos) Aleksandr Sokurov, y su crítica acerca de las complicidades entre la Iglesia y el Estado refleja una larga tradición de "cesaropapismo" oriental que viene desde los tiempos del Imperio Bizantino, por lo menos.

    Pero la anécdota deja abierta la puerta para una tercera línea temática, tampoco específicamente rusa pero que vale para ese país y para otros: el dolorido retrato de una sociedad donde las relaciones humanas aparecen profundamente fracturadas y disfuncionales, lo que conecta a la película con Elena, la realización anterior del director e incluso con la más antigua El regreso.

    En el último de los films mencionados asistíamos a un viaje que era también el intento de un padre por recomponer su relación con unos hijos a los que había dejado de ver desde hacía casi una década. En Elena había a su vez una abuela al parecer bondadosa pero que, como se descubría a cierta altura, podía llegar hasta el crimen para preservar una relación familiar. Y ya eran detectables igualmente en Elena los rasgos de juventud desorientada que reaparecen aquí, especialmente en la difícil relación entre el protagonista y su hijo, producto de una relación anterior del hombre, que ve en su madrastra Lyadova (cuya suerte se convierte en uno de los ejes del drama) a una enemiga.

    Sigue habiendo un director considerable en Andrey Zvyagintsev: su film es ligeramente menos perfecto que Elena (le sobra anécdota y alguna obviedad) pero se beneficia de un sólido elenco, un esmero en la composición visual, un adecuado aprovechamiento de su desolado paisaje, un inteligente contrapunto entre la imagen y el sonido (que incluye desde ruidos naturales hasta la música de Philip Glass). Una película a atender, realmente.


    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...ria-abuso.html

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  35. #21
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    McRheiss:

    Complacida, pensé que te referías a algo más complicado.
    No, no, algo sencillo no más, una letra más grande, en negritas, un color diferente y sería. Como decía, la idea es que sea fácilmente identificable para ver si te interesa o no...

    --
    Muchas gracias!

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  37. #22
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    ¡De nada!Como verás los puse en negrita, asi se ve bien.

  38. #23
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    McRheiss:

    ¡De nada!Como verás los puse en negrita, asi se ve bien.
    Sip. Por eso te agradecí.
    Ahora me voy directo a ver lo que está en negritas para saber de qué se trata.

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  40. #24
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    "El otro lado del éxito"

    Binoche interpreta una actriz que ya no cuenta con los privilegios de la juventud. El deber ser, en magnífica alegoría.


    El desdoblamiento. Binoche y Stewart: madurez, inocencia, sabiduría. FOTO: ALFA FILMS

    Drama. Francia, 2014. 123’,Clouds of Sils Maria. De Olivier Assayas. Con Juliette Binoche, Kristen Stewart.


    Pablo O. Scholz
    Spoiler:
    SPOILER:

    ¿Se puede recuperar la inocencia? ¿La juventud es mejor que la madurez?

    Es gratificante ver cómo la vida y el arte se entrecruzan y enlazan en El otro lado del éxito. Como un drama dentro de otro, con una actriz adulta parada en el medio de la vida, es de esas películas que crecen a medida que la trama se desarrolla, hasta arribar a una conclusión que cierra a la perfección.


    Olivier Assayas escribió el papel de María pensando en Juliette Binoche, a quien conoce desde hace veinte años y mantiene una amistad con ella. Cuánto hay de la actriz de Bleu es una incógnita, pero mucho más atractivo es sumergirse en la psiquis de María, sus contratiempos, las dudas de un personaje femenino que se debate entre el deber ser y el hacer, como mujer, y como actriz, que no es precisamente lo mismo.

    Allí está María, en estos tiempos modernos en los que los preadolescentes, los escándalos e Internet gobiernan lo que debe ser, o al menos debe ser visto. Pero “los gustos se gastan como los deseos”...

    Básicamente María está haciendo papeles para los que su edad no sería la correcta. Ya no cuenta con los privilegios que da la juventud.

    La punta del ovillo es la oferta para interpretar en teatro, en Londres, una adaptación del filme que, cuando joven, la volvió famosa. Pero ya no como Sigrid, la joven asistente de una empresaria a la que seduce y manipula, sino ser Helena. El reflejo de María es Val (Kristen Stewart), su asistente personal, la que la atiza para aceptar el rol de Helena, pero dándole a entender las diferencias entre su pasado y el presente. ¿La crueldad es genial, y el sufrimiento “no da”?

    Los momentos que comparten ambas actrices, son, lejos, lo mejor de esta gran película de Assayas, que como Francois Ozon sabe dilucidar qué es el alma femenina y se dedica a escudriñar a María sin temores.

    El director de Los destinos sentimentales invita de manera constante a la reflexión. “El texto es un objeto, varía según el punto de vista”, dice sabiamente Valentine, la joven... madura. Cuando ambas discuten sobre la actuación, el cine y las maneras de comprender, primero, e interpretar un personaje y un texto no tienen desperdicio, además de una cuota de humor. Cómo los jóvenes pueden encontrar en el cine de masas una vertiente filosófica, es una sabia manera de hacer converger y contraponer nuevas y antiguas maneras de ver el fenómeno que es el cine, y también el teatro.

    Porque ¿no es irónico que Val sea Stewart, y salgan de su boca diatribas contra el Hollywood que ella misma interpreta? Sí, lo es, y está muy bien que haya sido la elegida. El desdoblamiento, la metáfora con las nubes que recorren un valle en los Alpes suizos en forma de serpiente, todo, alegóricamente o no, está allí para disfrutar.



    "El otro lado del éxito"

    Muy buena


    http://www.clarin.com/extrashow/cine...373263123.html

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  42. #25
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    Una explosión de lenguaje

    Crítica a La historia de Marie Heurtin (Marie Heurtin, Francia, 2014), dirigida por Jean-Pierre Améris
    Ficha técnica
    Francia, 2014, La historia de Marie Heurtin (Marie Heurtin). Director: Jean-Pierre Améris. Guión: Jean-Pierre Améris, Philippe Blasband. Productora: Escazal Films. Fotografía: Virginie Saint-Martin. Reparto: Isabelle Carré, Ariana Rivoire, Brigitte Catillon, Laure Duthilleul. Presentación oficial: 2014: Seminci de Valladolid: Sección oficial largometrajes a concurso.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Pocas películas han sido capaces de transmitirúltimamente una carga emotiva y una sensación de plenitud tan intensa como La historia de Marie Heurtin. Y todo, a pesar de que, a priori, su argumento huela a cuento moralista católico y se acerque peligrosamente al reciclaje del mensaje de clásicos cinematográficos en torno a la discapacidad y el aprendizaje. Por el contrario, el resultado de su visionado fue completamente diferente a las expectativas generadas, y una buena muestra de que es necesario liberarse de todos los prejuicios posibles antes de ocupar la butaca para no perderse joyas tan interesantes como ésta que nos ocupa. El director Jean-Pierre Améris cuenta una fábula sobre el poder arrollador de la educación envuelta con esmero en un cuidado tratamiento estético de drama de época. Situada a finales del siglo XIX y rescatando del olvido esta historia tan asombrosamente real, el filme francés comienza por presentarnos a su dúo de valientes protagonistas, entregadas con esfuerzo espartano al cumplimiento de un desafío que al resto se le antoja imposible:

    Marie es una niña invidente y sordomuda de catorce años (interpretada por la también sordomuda Ariana Rivoire, magnífica en este papel), cuyo proyecto de vida es complicado dada la incapacidad de sus progenitores para comunicarse con ella o transmitirle las mínima pautas sociales y educativas. De conducta salvaje como un animal asustado e incomunicado, y solamente capaz de calmarse cuando olfatea y toca su objeto preferido, un pequeño cuchillo metálico, Marie es todavía una niña capaz de encontrar una vía para expresar sus sentimientos, pero estigmatizada como discapacitada mental a ojos de la sociedad y la medicina de por aquel entonces. Sus padres, desesperados, deciden internarla en el convento de Larnay, donde es rechazada por la madre superiora al considerarla un caso demasiado complicado. Por otro lado, en dicha congregación religiosa reside la hermana Marguerite, (la otra piedra angular de la cinta, y excelente interpretación bajo el hábito por parte de Isabelle Carré) que apostará por intentar salvar a la niña y desentrañar sus gustos a través de la sensibilidad perceptiva y el lenguaje gestual. Toda una revolución de prioridades para la época decimonónica, pues Marguerite parece sentirse más “llena de gracia” mediante este labor empírica e innovadora, que entonando salmos o cultivando en el huerto. El empeño de esta mujer anticipada a su tiempo y motivada por una intensa vocación didáctica, será fundamental para que la pequeña Marie consiga salir de su aislamiento.Así pues, Jean-Pierre Améris va dosificando la trama con gratas recompensas para sus espectadores a pesar de la aridez inicial, o de la suposición previa de una lentitud excesiva o farragosa en el transcurso de su argumento. A través de un lenguaje cinematográfico plástico, rotundo y expresivo y de las actuaciones deslumbrantes de su tándem protagonista, llega a nuestras retinas una historia capaz de llegar a nuestra médula y tocarnos el corazón, por su potencial estético y el valor añadido de la veracidad de los hechos. No siempre, pero aquí más que nunca, una imagen vale más que mil palabras, y lograremos traspasar la barrera de la compasión por Marie para pisar terrenos más desconocidos en esta clase de historias. Energía, miedo, sorpresa y admiración surcarán nuestra mente mientras la pantalla va desplegando los progresos logrados entre ambas, al comienzo ínfimos o nulos, pero alentadores y mayúsculos después. El mayor asombro para el público será el descubrimiento del potencial infinito del tacto, uno de los sentidos más infravalorados en cuanto a lenguaje y expresión, pues la mayoría tenemos interiorizada la idea de que sin vista u oído, es prácticamente imposible comunicarnos. Esta falsa creencia preconcebida ya se derrumba cuando vemos a una Marie más limpia y aseada realizando con las manos el signo correspondiente a un cuchillo. Y es que, cada nuevo acierto de la niña gracias al esfuerzo hercúleo de Marguerite, será vivido por nosotros como una recompensa, un clímax minúsculo.

    Hay que destacar el esfuerzo técnico y la calidad del montaje fotográfico en La historia de Marie Heurtin, responsabilidad de Virginie Saint-Martin a la hora de describir cada espacio con luminosidad y colorido; el convento, los prados colindantes, el cementerio o el comedor. Lugares donde acontecen los pequeños pasos que conducen a una meta, que aunque no está exenta de soledad y aislamiento para las dos protagonistas, las transforma en personas completamente distintas y traza una especie de viaje simbólico o progreso espiritual. Por otra parte, un aspecto interesante de ambas protagonistas reside en sus condiciones polarizadas: Marie tiene toda la vida por delante, como un diamante en bruto, un animal herido y aislado al que nadie se ha esforzado por cuidar y enseñar ciertos parámetros emocionales. Goza de buena salud, se hace constantes preguntas y muestra una curiosidad imperiosa. Mientras, el cuerpo de la hermana Marguerite es más frágil y debe tener cuidado con realizar excesivos esfuerzos físicos. Representa la extraña cualidad humana de la generosidad absoluta, ese altruismo genuino plasmado en las horas que invierte intentando que Marie tenga a su alcance recursos para expresar sus sentimientos e ideas en el idioma gestual, al fin y al cabo, el más universal del mundo. Marguerite representa la fuerza de enseñar, y Marie el potencial de aprender, como un ying-yang que encaja a la perfección tras invertir largos ratos haciendo hincapié en minúsculos detalles.


    La mayor carga dramática de la cinta se concentra en la amistad que se forma entre ambas protagonistas, un amor incondicional tan estrecho que trasciende el mero rol de profesora-alumna y que es incluso comparable al de dos hermanas. También el metraje está repleto de dudas y cuestiones espirituales sobre la identidad humana, como cuando Marguerite intenta explicar a la joven en el cementerio lo que supone la muerte, un concepto abstracto que sin embargo Marie comprende a la perfección, preguntándose por ese dios tan absurdo e invisible que no se puede tocar. Tiene un gran mérito el hecho de que, conforme avanza la película, el espectador simpatice con los deseos y temores de Marie y sea capaz de ponerse en una piel con tantas limitaciones corporales, pero tan extrema sensibilidad perceptiva, convirtiendo a la historia en uno de los mejores ejemplos sobre ese lenguaje táctil que funciona como una explosión entre las manos. Estamos ante una rara avis de los dramas convencionales, una historia bella, potente y bien construida que suscita la contemplación inteligente, la reflexión y que, a pesar de rescatar de las tinieblas unos sucesos y personajes reales pertenecientes al siglo XIX, hoy sigue teniendo una vigencia más universal que nunca.

    Andrea Núñez-Torrón Stock


    http://www.elantepenultimomohicano.c...e-heurtin.html

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  44. #26
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    Lunes 15 de junio de 2015

    Sensible crónica de la infancia

    Tiene su encanto y algunas dosis de controlada emoción esta historia acerca de un niño (Rick Lens) que padece la lejanía y el frecuente malhumor de un padre (Loek Peters) que no tiene tiempo de ocuparse de él, y la total ausencia de la madre, presunta cantante "country" de permanente gira en los Estados Unidos, aunque pueda sospecharse que esa no es la verdadera explicación de por qué no está.


    Protagonista Rick Lens con problemas.

    GUILLERMO ZAPIOLA

    Aprendiendo a volar
    Holanda 2012. Título original: Kauwboy. Dirección: Boudewijn Koole. Guión: Jolein Laarman, Boudewijn Koole. Fotografía: Daniël Bouquet. Música: Helge Slikke. Montaje: Gys Zevenbergen. Diseño de producción: Jorien Sont. Vestuario: Heleen Heintjes. Producción: Wilant Boekelman y Jan Van Der Zanden., para Waterland Film & TV/NTR. Intérpretes: Rick Lens, Loek Peters, Susan Radder, Cahit Ölmez, Ricky Koole

    Spoiler:
    SPOILER:
    La soledad del niño se ve paliada de pronto por su encuentro con un pequeño cuervo que se ha caído de su nido, y del que se convierte en protector. Hay problemas, claro, porque el padre no quiere saber nada con tener animales en casa o sus alrededores, y hay que ocultar al ave. Como eventual confesora y paño del lágrimas del protagonista hay una chica algo mayor y más despierta, que lo acompaña en algunos paseos vespertinos y en el empeño en lidiar con emociones que a su edad (o a cualquier otra) no resulta fácil manejar.

    Habría que matar a quien le puso a la película su título castellano, que no solamente es una cursilería sino que además no va a haber quién lo recuerde. Es más preciso aunque más enigmático el Kauwboy original, que no alude a un vaquero sino al pájaro que cumple un papel clave en la trama.

    El director y colibretista holandés Koole está aquí a la altura de su segundo largo para la gran pantalla. No es un debutante, como se ha dicho en varios lados, y la crítica internacional ha elogiado su inicial Trage liefde (2007), en la que había otra historia de familia fracturada: un niño buscaba secretamente a su padre, a quien nunca había conocido y que ni siquiera sabía de su existencia. El hombre ha hecho también algún telefilm, algún documental y algún corto, cumpliendo en casi todos los casos también labores de libretista o colibretista.

    Aquí se las arregla para proporcionar un film "chico" y compacto, sin alardes formales ni pretensiones de gran trascendencia, pero con un elogiable control sobre su material, una confianza en la expresión a través de la imagen, una seguridad para manejar a sus actores, en particular el pequeño y excelente Lens. Se han querido ver en su trabajo influencias del cine de los hermanos Dardenne (aunque su perspectiva es acaso menos "dramática" y más cotidiana, como de "medio tono") e incluso de Ken Loach, con cuya Kes (1969) comparte incluso una similitud de tema, aunque el británico resulte siempre más "social".

    Comparaciones e influencias a un lado, hay una bienvenida dosis de calidez humana en Aprendiendo a volar, que sabe evitar la sensiblería y el golpe bajo incluso cuando la historia los habilitaba. Es casi una rareza ver una película donde los personajes parecen gente y tienen sentimientos y problemas que pueden ser también los de otra gente. El relato es ágil y fluido, hecho de planos cortos y edición veloz, aunque de pronto se frene en una foto fija o en una "cámara lenta" si lo necesita.


    http://www.elpais.com.uy/divertite/c...men%20Matutino

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  46. #27
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    Miércoles 17 de junio de 2015

    Imaginación e inteligencia
    Por Diego Batlle


    Alegría y Tristeza, juntas en una aventura. Foto: Disney

    Intensa-mente (Inside Out, Estados Unidos/2015) / Dirección: Pete Docter y Ronaldo Del Carmen / Guión: Pete Docter, Meg LeFauve y Josh Cooley / Música: Michael Giacchino / Diseño de producción: Ralph Eggleston / Distribuidora: Walt Disney / Duración: 94 minutos / Calificación: apta para todo público / Producción animada en versión doblada o subtitulada / Incluye el corto Lava
    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: muy buena

    Comencemos por lo esencial (que en el universo de Pixar todos damos por hecho, pero conseguirlo es de una complejidad suprema): Intensa-mente es de una belleza y creatividad visual apabullantes.

    Lo segundo que hay que remarcar en esta nueva película del director de Monsters Inc. y Up, una aventura de altura es que tiene un punto de partida muy auspicioso (la dinámica dentro del cerebro de una niña de 11 años, a partir de las contradictorias emociones que va atravesando en momentos en que se muda con su familia de la gélida Minnesota a la soleada San Francisco) y unos personajes (Alegría, Furia, Temor, Desagrado y Tristeza) absolutamente queribles e hilarantes.

    El tercer elemento destacable -otra constante en el universo Pixar y que la diferencia claramente de sus competidores- es la enorme cantidad de inteligentes referencias, códigos y reflexiones que sus realizadores comparten con el público adulto sin por eso resignar el entretenimiento para los más pequeños. En ese sentido, los padres disfrutarán no sólo de unas cuantas bromas sobre el por momentos sufrido arte de criar a sus hijos, sino incluso de varios pasajes que van de lo conceptual hasta lo abstracto, pasando por lo onírico y lo surrealista (ahí está, por ejemplo, el amigo imaginario de Riley con trompa de elefante, cola de gato y ademanes de delfín).

    Lo que impide que Intensa-mente pueda ser considerada una obra maestra como WALL-E o la saga de Toy Story es cierta sensación de piloto automático, de narración derivativa que se percibe cuando promedian sus algo más de 90 minutos. Sí surgen todo el tiempo situaciones y ambientes sorprendentes, pero esta vez Pete Docter y su colaborador Ronaldo Del Carmen ceden a la tentación un tanto facilista de acelerar el ritmo y apelar a una deriva a-la-Chuck Jones que resiente un poco el disfrute durante la segunda mitad.

    Tampoco está a la altura de sus predecesoras el cortometraje romántico-musical Lava, que precede a la exhibición de Intensa-mente. Más allá de este reparo y de ciertas zonas no del todo convincentes del largometraje de Docter, de más está decir que la propuesta sigue siendo muy recomendable. Pixar lo hizo de nuevo.


    PARA FANÁTICOS, TRIPLE FUNCIÓN

    Intensa-mente se preestrenará hoy en las funciones nocturnas de la mayoría de las salas. Además del corto Lava y del film subtitulado (que permitirá disfrutar de las voces de Amy Poehler, Bill Hader, Mindy Kaling, Phyllis Smith, Diane Lane y Kyle MacLachlan), se proyectará por única vez Viajando intensa-mente por Pixar, documental de 20 minutos sobre el estudio.

    http://www.lanacion.com.ar/1802319-i...e-inteligencia
    Última edición por Amadel; 02-10-2016 a las 20:01:35

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  48. #28
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    A Intensa-Mente, al igual que la de los Minions les tengo MUCHAS ganas y las espero hace meses.
    Ojalá sean todo lo que espero.

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  50. #29
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    McRheiss:

    Yo también y sobre todo a Los minions

  51. #30
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    Siiiii, con una compañera conversábamos hoy que, con todos los adelantos y trailers que hemos visto, debemos llevar más de la mitad de la película vista.

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