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Tema: Críticas de películas

  1. #2251
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    Jueves 6 de junio de 2019

    Blindado: tensión y emoción.
    Adolfo C. Martínez.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Tras la muerte de su mujer y de su hija en un accidente, el conductor de un camión de caudales (interpretado por Luciano Cáceres) cae en una profunda depresión hasta que un día tiene un sueño revelador: se ve a sí mismo manejando un auto y llevando a su lado a Selva, una compañera de trabajo, y al hijo de esta. El hombre decide ayudar a ambos, necesitados de dinero, y comienza a elucubrar un arriesgado plan en medio de sus continuas pesadillas. Así el blindado que maneja, repleto de dinero, se convertirá en el codiciado botín con el que procurará salir de su neurótica existencia. El director Eduardo Meneghelli logró con estos elementos una historia tensa y emotiva que refleja la lucha de alguien dispuesto a encarar su propio caos.


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  2. #2252
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    Jueves 6 de junio de 2019

    Cuando dejes de quererme: vueltas de tuerca al por mayor.
    Alejandro Lingenti

    Cuando dejes de quererme (España/2018) / Dirección: Igor Legarreta / Guion: Javier Echániz, Jon Iriarte / Fotografía: Imanol Nabea / Edición: Alejandro Lázar / Elenco: Flor Torrente, Miki Esparbé, Eduardo Blanco, Joaquín Climent / Distribución: Primer Plano. Duración: 105 minutos / Calificación: solo apta para mayores de 13 años con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Mucha información, demasiados giros en la trama para desorientar al espectador y unos cuantos cambios de registro. Con todo ese lastre carga esta ópera prima del bilbaíno Igor Legarreta, protagonizada por una joven (Flor Torrente) que viaja con su padrastro (Eduardo Blanco) desde la Argentina hasta el País Vasco para reconstruir la confusa muerte de su padre biológico, producida en el asfixiante entorno de la dictadura de Franco. Tanto peso no permite que la película, planteada mayormente como un thriller con varios enigmas que se van resolviendo gradualmente -algunos de manera forzada y poco verosímil-, avance con la fluidez necesaria.

    El añadido de una prototípica historia amorosa y algunos pasajes de humor más bien ramplón destinados a escaparle a la solemnidad tampoco encajan del todo en el contexto de un relato que sobrevuela una multiplicidad de temas (intrigas familiares, relaciones con las actividades políticas de la ETA, trampas de la Guardia Civil española, la trabajosa investigación de un crimen) sin profundizar en ninguno y termina recurriendo a una larga sucesión de flashbacks para vincularlos.

    El compromiso de un elenco solvente y muy compenetrado con su trabajo es la fortaleza más visible de un film cuyo guion, empeñado en mantener los misterios hasta el epílogo, acaba por conspirar contra el ritmo narrativo y restar eficacia.


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  3. #2253
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    Jueves 6 de junio de 2019

    Nadando por un sueño: dosis justa de humor melancólico.

    Paula Vázquez Prieto.

    Nadando por un sueño (Le grand bain, Francia-Bélgica/2018) / Dirección: Gilles Lellouche / Guion: Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini, Gilles Lellouche / Fotografía: Laurent Tangy / Edición: Simon Jacquet / Elenco: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Virginie Efira, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Marina Foïs, Leïla Bekhti, Philippe Katerine / Distribuidora: Impacto / Duración: 121 minutos / Calificación: apta mayores de 13 años con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Como suele suceder con los directores actores -Gilles Lellouche ha dirigido solo dos películas, pero ha actuado en más de cincuenta-, suelen contar con un don para elegir el elenco perfecto, no tanto por la homogeneidad de las interpretaciones, sino por la sensación de cofradía que despierta la experiencia del conjunto. Todos -sobre todo Amalric, Canet, Efira- parecen combinar esa tristeza que llega con las crisis con el imperceptible deseo de vislumbrar la esperanza. Y en ese gesto la película de Lellouche es libre porque usa las convenciones a su favor, las de las comedias de perdedores y las del sentimentalismo de los triunfos inesperados.

    Nadando por un sueño es mucho más de lo que parece. Es una película que no le debe nada a The Full Monty porque su humor es el que saben hacer los franceses cuando dan en la tecla: melancólico y con un secreto dejo de amargura. Sus personajes transitan fracasos y desesperaciones con el equilibrio que les brinda el montaje: cada corte es una salvación para evitar el regodeo en el padecimiento o la saturación del gag, demostrando una conciencia del ritmo casi imperceptible.

    Bien por Lellouche, que supo resumir la verdadera inspiración de los musicales de Esther Williams y sus fascinantes coreografías acuáticas: más allá del talento individual de los nadadores, el recuerdo que persiste en la memoria del espectador es el del trabajo en equipo.


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  4. #2254
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    Jueves 6 de junio de 2019

    Mi mascota es un león: el placer de los vínculos reales.
    Javier Porta Fouz

    Mi mascota es un león (Mia et le lion blanc, Francia- Alemania- Sudáfrica/2018) / Dirección: Gilles de Maistre / Guion: Prune de Maistre y William Davies / Fotografía: Brendan Barnes / Edición: Julien Rey / Música: Armand Amar / Elenco: Daniah de Villiers, Mélanie Laurent, Langley Kirkwood / Distribuidora: Energía entusiasta / Duración: 98 minutos / Calificación: apta para todo público con leyenda

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Es extraño afirmar que una película tan lineal, directa y plana como esta sea una rareza, pero así son los tiempos. En Mi mascota es un león vemos a una familia de europeos en Sudáfrica, que crían leones en una granja. Y nace un león blanco, y se hace amigo de la protagonista adolescente, que más bien quiere espantar a todo lo que se le acerque, porque así son sus tiempos y su malhumor. El león se encontrará en algún momento en peligro y habrá una aventura, claro, y habrá algún malo y algunas revelaciones dolorosas que habrá que sanar. Están el auspicio de la fundación del príncipe Alberto II de Mónaco y la crítica a las cacerías para la foto permitidas para fomentar el turismo o una clase de turismo con la que cuesta empatizar.

    Más allá de consignas poco sutiles, de una música omnipresente y de una narración con escasa sofisticación, Mi mascota es un león (de gran éxito en Francia y otros países europeos) puede valorarse por su apuesta narrativa sin trampas, por su confianza en la conexión entre el espectador y los personajes (y entre ellos) y, sobre todo, por su extraordinaria puesta en escena del protagonista felino. No hay aquí trucos digitales ni disfraces poco creíbles. La relación entre Mia y el león se percibe como es: real, filmada con respeto y dedicación y con un montaje noble y eficaz. Y ahí es donde esta película nos recuerda, por momentos, alguna de las más asombrosas dimensiones del arte del cine.


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  5. #2255
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    Jueves 6 de junio de 2019

    La visita: la vida en el penal de Sierra Chica.
    Diego Batlle.

    La visita (Argentina/2019) / Guion y dirección: Jorge Leandro Colás / Fotografía: Martín Larrea / Edición: Karina Expósito / Distribuidora: 19-23 DIS / Duración: 71 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Tras describir la vida interna de un refugio nocturno para gente sin hogar (Parador Retiro) y el universo de las divisiones inferiores del club Boca Juniors (Los pibes), Jorge Leandro Colás nos traslada a un mundo muy distinto, pero también fascinante a partir de su dinámica y reglas propias. Cada fin de semana, unas quinientas mujeres (abuelas, madres, esposas, hijas) y unos pocos hombres viajan hasta Sierra Chica, una localidad muy cercana a Olavarría que se mueve al ritmo de la Unidad Penal Nº 2 de máxima seguridad, para visitar a los internos.

    La cámara atenta y jamás intrusiva de Colás encuentra en un bar almacén el corazón del lugar y en el pintoresco dueño del lugar al personaje ideal para convertirse en uno de los ejes del relato. La otra línea central tiene que ver con las redes de solidaridad que se van tejiendo entre distintas mujeres: las que se instalaron allí para estar cerca de sus seres queridos, las veteranas que se las saben todas y las novatas que llegan llenas de angustia y desinformación. Las diferencias generacionales y sociales quedan expuestas así de manera cristalina en un documental de observación que apela a muchas imágenes nocturnas e invernales (desgarradoras las tomas de las largas filas de madrugada bajo la tormenta). Colás apuesta siempre por un registro riguroso y respetuoso del dolor, la discriminación, el desencanto, los abusos, la culpa y el esfuerzo, pero también de la lealtad y el amor que estas mujeres despliegan cada semana, mes tras mes, año tras año.


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  6. #2256
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    Jueves 6 de junio de 2019

    X-Men, Dark Phoenix: entretenido regreso de los mutantes.

    Diego Batlle

    X-Men: Dark Phoenix (Dark Phoenix, Estados Unidos/2019) / Guion y dirección: Simon Kinberg / Fotografía: Mauro Fiore / Música: Hans Zimmer / Edición: Lee Smith / Elenco: Sophie Turner, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Michael Fassbender, Jessica Chastain, Nicholas Hoult / Distribuidora: Fox. Duración: 113 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Reconocido guionista y productor con múltiples antecedentes en la saga de X-Men, Simon Kinberg debuta en la dirección con esta película que, si bien cuenta con la presencia de estrellas como James McAvoy (el profesor Charles Xavier), Jennifer Lawrence (Mystique), Michael Fassbender (Magneto) y Jessica Chastain (una alienígena que constituye la malvada de turno), tiene como protagonista incluso desde el título a Phoenix (Sophie Turner, la Sansa Stark de Game of Thrones).

    Nacida como Jean Grey, sobrevive a un accidente automovilístico en el que muere su madre y, a los ocho años, termina en la escuela para niños prodigio que dirige Charles Xavier. Tras ese prólogo, la acción salta a una misión en el espacio en la que ella (ya adulta) termina absorbiendo una cantidad de energía cósmica inusitada. Es precisamente esa fuerza descomunal (como una suerte de versión femenina de Bruce Banner-Hulk) la que la hace dudar respecto de su lugar en el mundo y la convierte en el objetivo predilecto de unos extraterrestres invasores. En el cierre de esta saga de superhéroes que ya lleva casi dos décadas se abordan cuestiones como las contradicciones íntimas, las diferencias generacionales, las dificultades de integración para los "distintos" (los mutantes pasan de ser celebridades adoradas por el poder a un riesgo para la seguridad pública) y hay un festival de sofisticados efectos visuales. El resultado, sin ser brillante, es bastante entretenido y convincente.


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  7. #2257
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    Jueves 6 de junio de 2019

    Dolor y gloria: Almodóvar examina su legado artístico.
    Javier Porta Fouz

    Dolor y gloria
    ( España/2019) / Dirección y guion: Pedro Almodóvar / Fotografía: José Luis Alcaine / Edición: Teresa Font / Música: Alberto Iglesias / Elenco: Antonio Banderas, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Asier Etxeandia, Cecilia Roth, Raúl Arévalo, Nora Navas / Distribuidora: UIP / Duración: 114 minutos / Calificación: Apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    Como otros autores cinematográficos -es decir, artistas que no solo filman sus películas, sino que además las firman-, Pedro Almodóvar ha trabajado en su carrera con muchos elementos autobiográficos. Y en Dolor y gloria, además, como lo hicieron antes François Truffaut en La noche americana, Federico Fellini en Fellini 8½, Woody Allen en Recuerdos y el propio Almodóvar en La ley del deseo y La mala educación, pone como protagonista del relato a un director de cine de nombre Salvador Mallo, interpretado por Antonio Banderas, que recibió el premio al mejor actor en la reciente edición del Festival de Cannes. Se hizo justicia con Banderas, porque aquí logra algo tremendamente difícil: trabajar como un equilibrista en un acto de extrema dificultad y, gracias a su prestancia (algo así como una respiración exacta y un temple carismático), logra que esa necesidad de balancearse no se note jamás.

    El equilibrio de Banderas es crucial para "hacer de Almodóvar" -con todas las aclaraciones de ficcionalización, etcétera, que también hacía Truffaut-, un Almodóvar, claro, mucho más lindo, como también hacía Fellini con sus alter ego. Dolor y gloria tiene algo así como una construcción genial, equilibrada (también Almodóvar sabe caminar por la soga) y abreva de formas diversas en la ya enorme filmografía anterior del director.

    Esta es una película autoral desde tantos ángulos -no faltan los colores alejados de las sutilezas, los decorados, las mujeres fuertes- que podría haberse convertido en un film paquidérmico. Pero la astucia de Almodóvar está en las dosis (y eso quizá se espeje en la forma de presentar, otra vez, la heroína, "la droga de la movida") de cada elemento: el dolor ante los achaques, el ego, las dificultades creativas, el pasado (o, mejor, los pasados), el lugar del arte, el deseo y el amor.

    Almodóvar exhibe pleno control de sus facultades como creador, y demuestra que puede aprovechar el potencial de su obra pasada con una madurez notable, con una visión de notable eficacia. Dolor y gloria es una película admirable, una futura referencia ineludible para estudiar el cine de Almodóvar. Pero madurez, control, astucia y eficacia no eran las características destacables de películas como Átame y Matador: pasionales, sanguíneas, inolvidables y contundentes aún con su falta de equilibrio (o justamente debido a ella), esas que supimos amar con menor admiración por la genialidad y con mayor deseo.


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  8. #2258
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    Jueves 6 de junio de 2019

    "Dolor y gloria": Almodóvar entrega una parábola sobre la vida y el arte.
    Diego Brodersen.

    "Dolor y gloria"

    Dirigida por Pedro Almodóvar. Elenco con Antonio Banderas, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia y Asier Etxeandia. 4 estrellas

    Spoiler:
    SPOILER:
    La mejor película de Pedro Almodóvar en mucho tiempo es también la demostración cabal del talento de Antonio Banderas a la hora de componer personajes con aristas y múltiples detalles. El actor malagueño encarna a Salvador Mallo, un cineasta retirado desde hace bastante tiempo, primer indicio de que los posibles componentes autobiográficos de Dolor y gloria tienen sus límites: el director de La ley del deseo y ¡Átame! nunca cejó en su movimiento creativo.

    La vida cotidiana de Salvador está aquejada por las mil y una dolencias físicas y psicológicas: a unos terribles dolores de cabeza y de espalda se les suman unos extraños atragantamientos y la posibilidad siempre latente de la depresión. La historia lo encuentra discutiendo los detalles de una presentación especial de su largometraje "Sabor", producido tres décadas atrás y recientemente restaurado por la Filmoteca Española, punto de arranque de un acercamiento con el actor protagónico de esa película –con quien no ha tenido contacto desde aquellos tiempos, consecuencia de un desaire– y la primera y tardía relación con el "caballo", la heroína, esa sustancia ubicua en tiempos de juventud, durante la movida madrileña de la cual formó parte. No será el único reencuentro, físico o emocional: los recuerdos de infancia junto a sus padres en un pueblo blanco de Valencia, la compleja relación con su madre, el retorno de un amante signado por las casualidades, la posibilidad de retomar la carrera, son algunos de los elementos que movilizan la historia y sus reverberaciones.

    Resulta difícil no reconocer en Dolor y gloria una suerte de 8 ½ almodovariano, un repaso y puesta a punto de ese universo artístico que, a fuerza de presencia y personalidad, ha transformado un nombre propio en adjetivo. En esta ocasión, el realizador ha optado sabiamente por un tono reposado, melancólico, con escasos tintes humorísticos.

    De estructura imbricada pero siempre diáfana, el relato circula hacia atrás y hacia adelante, va y viene en el tiempo, dibujando con cada nueva escena otra capa del protagonista. No faltan momentos genuinamente emotivos: si bien la idea de melodrama –tantas veces acariciado por el manchego– está disponible entre los pliegues para quien quiera encontrarla, las instancias más emotivas de la película no son tanto consecuencia de los excesos sentimentales como de la comprensión de las complejidades del alma humana. ¿Alma humana? "Los días que tengo dos o más dolores creo en Dios; aquellos en los que solamente me afecta uno solo soy ateo", afirma Salvador, palabras más, palabras menos, respecto de sus afinidades religiosas.

    De una gran elegancia y clasicismo formales, Dolor y gloria termina de cerrar el círculo durante las escenas finales. Es entonces cuando la vida real y la ficción, el universo artístico y el cotidiano, los recuerdos vívidos y la fantasía creativa terminan de darle forma a una estupenda parábola sobre la vida, la muerte, el arte, la pasión, las pérdidas, el duelo y varias cosas más. Temas grandes, gigantes, transitados con simpleza y humildad, sin solemnidades ni impostaciones. Los últimos dos planos de la película, de una contagiosa luminosidad, perfectos en su simpleza y más potentes aún por esa razón, reelaboran la idea de obra-testamento e indican el camino de un palpable resurgimiento.


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  9. #2259
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    Viernes 7 de junio de 2019

    Pachamama es una bellísima fábula sobre milenarias tradiciones.
    Diego Batlle

    Pachamama (Francia-Luxemburgo-Canadá/2018) Dirección: Juan Antín. Guion: Juan Antín, Patricia Valeix, Nathalie Hertzberg y Olivier de Bannes Música: Pierre Hamon Edición: Benjamin Massoubre. Duración: 72 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Estrenada hace seis meses solo en los cines franceses, la nueva película de animación del director y guionista argentino Juan Antín (el mismo de Mercano, el marciano) tiene un lanzamiento mundial en Netflix . El film tiene como protagonista a Tepulpaï, un inquieto y rebelde niño de diez años que quiere ser chamán de su aldea en el altiplano peruano. Cuando un huaca de oro sagrado es confiscado por un cruel y poderoso señor en medio de las ceremonias de la Pachamama (justo cuando la comunidad inca quería agradecer la abundancia en la cosecha de quinoa, maíz y papa), él y su amiga Naïra intentarán recuperarlo.


    Se inicia entonces una larga travesía por los escarpados senderos en medio de la cordillera de los Andes que derivarán en todo tipo de aventuras en tiempos (transcurre en 1532) en que los españoles liderados por Francisco Pizarro invadían la región en busca del oro incaico. En la línea de los trabajos de ese mito de la animación francesa como Michel Ocelot (hay varios puntos en común con, por ejemplo, la saga de Kirikou), Pachamama es una bellísima fábula llena de tradiciones milenarias, pasajes musicales (notable aporte de Pierre Hamon en este rubro), escenas dominadas por colores intensos que reflejan la fauna (cóndores, pumas, llamas), la flora y las costumbres de la región, travesías por encima de las nubes, batallas con los colonizadores y rituales de iniciación para estos pequeños collas con destino de héroes.

    Antín –que investigó mucho en el terreno antropológico y etnográfico– trabajó durante catorce años en el desarrollo de este proyecto inevitablemente didáctico, pero también de gran sensibilidad y lirismo, que le valió nada menos que una nominación al premio César (el Oscar francés) a mejor largometraje de animación.


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    Jueves 13 de junio de 2019

    Dylan por Scorsese: un documental excelente sobre una de las giras más extraordinarias de la historia.

    Diego Batlle.

    Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese (Estados Unidos/2019). Dirección: Martin Scorsese. Fotografía: Ellen Kuras, David Myers, Howard Alk, Paul Goldsmith y Michael Levine. Edición: David Tedeschi. Testimonios: Bob Dylan, Joan Baez, Allen Ginsberg, Patti Smith, Scarlet Rivera, Roger McGuinn, Ramblin’ Jack Elliott, Larry "Ratso" Sloman, Sam Shepard, Sharon Stone, Joni Mitchell, Ronnie Hawkins, Ronee Blakley y Rubin "Hurricane" Carter. Duración: 142 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente.

    "Rolling Thunder Revue" fue, como todos admiten en el film, un rotundo fracaso económico. Sin embargo, a nivel artístico quedó como una de las giras más extraordinarias de la historia de la música. Fueron en total 57 conciertos entre 1975 y 1976 que reunieron a varios de los más brillantes músicos, cantantes y poetas de su generación. De aquella experiencia colectiva, comunitaria, quedaron múltiples registros en imágenes y sonidos, e incluso una (anti)película como Renaldo and Clara, que tuvo muchos más detractores que defensores.

    Sin embargo, a pesar de que toda la gira fue registrada por hasta cuatro camarógrafos, nunca se había concretado una película que diera cuenta de la trastienda y de los alcances de aquel mítico proyecto. Hasta ahora. Y ha sido nada menos que el gran Martin Scorsese –en su segunda colaboración con Bob Dylan después de No Direction Home (2005)– el responsable de construir un retrato fascinante, lleno de pasión y nobleza sobre ese tour único. Aunque limitar a Rolling Thunder Revue a un documental sobre una gira es totalmente injusto: se trata, en verdad, de una mirada a los Estados Unidos de la década de 1970; es decir, la del bicentenario, la vergonzosa derrota en Vietnam y la renuncia de Richard Nixon por el escándalo de Watergate.

    Tras casi una década sin tocar en vivo (con la excepción de sus presentaciones junto a The Band) y en momentos en que el movimiento folk languidecía, Dylan decidió volver a los escenarios con una apuesta por demás arriesgada: recorrer los Estados Unidos a bordo de una casa rodante e ir tocando de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo, en lugares pequeños o medianos (nunca más de 3000 butacas). Lo acompañaron desde el poeta Allen Ginsberg hasta quien fuera su musa, Joan Baez, pasando por el dramaturgo y actor Sam Shepard y músicos como Ramblin’ Jack Elliott, T-Bone Burnett y Larry "Ratso" Sloman. También aparecen desde Patti Smith hasta Joni Mitchell, quien una noche subió a tocar un par de canciones y luego se sumó por el resto del tour. Así de cambiante, impredecible, era la idea.

    La película -de casi dos horas y media- combina testimonios de la época con otros actuales (incluído el de un Dylan por demás reflexivo y sincero que intenta minimizar o directamente destruir el mito), imágenes de la trastienda (ensayos, celebraciones) y, por suerte, largos fragmentos de canciones con las letras felizmente subtituladas. El material de archivo en fílmico (debidamente digitalizado, restaurado y remasterizado) es de una belleza subyugante y muestra a todos estos artistas en la cima de su arte (Dylan tenía 34 años y un carisma irresistible).

    Durante el film se escuchan (en varios casos completos) clásicos de Dylan (con su rostro pintado cual artista glam) como "Mr. Tambourine Man", "Blowin' in the Wind", "Like a Rolling Stone", "Just Like a Woman", "A Hard Rain's A-Gonna Fall" o "Knockin' on Heaven's Door", pero también muchas rarezas y temas ajenos. La faceta estrictamente musical, en ese sentido, tiene el lugar esencial que merecía.

    La película también está plagada de revelaciones, de momentos intensos y/o divertidos: desde un homenaje que Dylan y Ginsberg le hacen a Jack Kerouac (otra figura clave de la Beat Generation) hasta las hilarantes anécdotas con una por entonces jovencísima modelo como Sharon Stone que incluyen al grupo Kiss y al teatro Kabuki, pasando por Joan Baez disfrazada de e imitando a Dylan, la conexión del protagonista con los representantes de los pueblos originarios o su campaña pública para liberar al boxeador negro Rubin Carter (injustamente encarcelado por un crimen que no había cometido), que derivó en un tema icónico como "Hurricane".

    Por supuesto, no todo era idílico: el caos, las drogas y las permanentes tensiones entre el arte y el negocio surgen de manera tangencial. En ese sentido, aparecen las discusiones por acortar las más tres horas de show (Ginsberg pasa de ser el oráculo, el gurú de la gira, a cargar las valijas de los demás) y tocar en lugares cada vez más grandes (como el Madison Square Garden) para recortar el creciente rojo financiero.

    Íntima (aborda las múltiples facetas de un personaje contradictorio y genial como Dylan), grupal (se muestra en toda su dimensión el aspecto colaborativo y experimental del proyecto) y social (expone los fuertes contrastes de la sociedad estadounidense de la época) a la vez, Rolling Thunder Revue, con su edición hipnótica e inmersiva, resulta una carta de amor y otro notable aporte de ese maestro que es Martin Scorsese (El último vals, Shine a Light) al cine, la música y la historia de su país.


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    Última edición por Amadel; 13-06-2019 a las 03:25:00

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    Jueves 13 de junio de 2019

    Suelo lejano: los secretos de Nueva Germania.
    Alejandro Lingenti.

    Suelo lejano

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestras opinión: Buena

    Fundado en 1887 como colonia alemana por Bernhard Förster (casado con Elisabeth, hermana de Nietzsche), Nueva Germania es hoy un distrito del departamento de San Pedro (Paraguay). Su particular historia es repasada en este documental cuyo hilo narrativo es sostenido por un profesor interesado en investigar los orígenes, el desarrollo y la actualidad de un lugar que sus creadores imaginaron como una comunidad vegana destinada a probar la superioridad de la raza aria, una idea que unos años más tarde tendría trágicas consecuencias, con la llegada de Adolf Hitler al poder. En sus charlas con estudiantes y campesinos, el docente descubre los cruces con la cultura guaraní y otros detalles curiosos de la evolución de aquel proyecto de fines del siglo XIX.


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    Última edición por Amadel; 13-06-2019 a las 02:44:51

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    Jueves 13 de junio de 2019

    Kollontai: equilibrado documental uruguayo.
    Diego Batlle.

    Kollontai

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Este documental de Nicolás Méndez Casariego reconstruye durante dos horas el trabajo de la resistencia (primero dentro del país y luego desde el exterior) a la dictadura uruguaya. La película ofrece, mediante un patchwork que incluye filmaciones, fotos, grabaciones de audio, volantes, afiches, documentos políticos, publicidades y canciones de la época, algunas recreaciones que no agregan demasiado y múltiples testimonios (algunos bastante autocríticos), lo que confirma un panorama amplio y bien contextualizado sobre las actividades de los movimientos sindicales y estudiantiles, la lucha armada, la clandestinidad, el exilio con base en Buenos Aires y los efectos del Plan Cóndor. Una investigación valiosa y rigurosa destinada a los interesados en la historia de la izquierda en América Latina.


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  13. #2263
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    Jueves 13 de junio de 2019

    Rapto: enérgico thriller peruano.
    Adolfo C. Martínez.

    Rapto

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Sebastián es un destacado estudiante de Derecho, pertenece a una adinerada familia limeña y vive en la casa de sus abuelos. Su vida se verá trastocada por una infausta noticia: su abuelo fue secuestrado, y a partir de aquí el joven comenzará a indagar en el pasado de ese hombre. Con Espinoza, su amigo y profesor, emprenderá una lucha para hallarlo antes de los cuatro días en que los raptores le han dado plazo, y en este camino saldrán a la luz secretos familiares desconocidos para Sebastián. El director Frank Pérez Garland retrató con vigor y suspenso este thriller que, coproducido entre la Argentina y Perú, pinta las andanzas de sus protagonistas (buenos trabajos de Stefano Salvini y de Osmar Núñez) hasta llegar a un tenso e inesperado final.


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  14. #2264
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    Jueves 13 de junio de 2019

    Pesadilla al amanecer: impericia e imágenes arteras.
    Javier Porta Fouz.

    Pesadilla al amanecer

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Mala

    Analfabetismo audiovisual como experiencia extrema, y ni siquiera risible. Cine tomado con una desidia alarmante: incapacidad para narrar, encuadrar, montar, actuar, dirigir. Musicalización e imágenes arteras para intentar aterrorizar por unos instantes fugaces, pero ni eso... la impericia se impone.

    Arbitrariedades cobijadas bajo pesadillas y sueños colectivos -porque la "protagonista" tiene unas tragedias familiares que se relacionan con los sueños, digamos-, todo tratado con un nivel de los que no suelen verse por más que uno se exponga con frecuencia al mal cine de terror. Pesadilla de Wes Craven podría haber sido citada, pero este bodrio ruso es impermeable al conocimiento.


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  15. #2265
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    Jueves 13 de junio de 2019

    Hombres de negro, internacional: a la medida de sus fanáticos.

    Paula Vázquez Prieto.

    Hombres de negro: internacional (Men in Black: International, Estados Unidos/2019) / Dirección: F. Gary Gray / Guion: Matt Holloway, Art Marcum, Lowell Cunningham / Fotografía: Stuart Dryburh / Edición: Zene Baker, Christian Wagner, Matt Willard / Elenco: Tessa Thompson, Chris Hemsworth, Emma Thompson / Distribuidora: UIP / Duración: 115 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    El reboot de Hombres de negro es el mejor ejemplo de la "película de fan". No solo de fan de la saga que iniciaron Tommy Lee Jones y Will Smith en los 90, y que parecía perdida para siempre, sino de este nuevo mundo de películas que se cruzan y retroalimentan, con personajes que se hacen guiños y se nutren de todo el saber que el espectador construye alrededor de su propio fanatismo.

    "¿Eres fan de la verdad?", le pregunta la Agente O (inmejorable Emma Thompson) a la entusiasta Molly (Tessa Thompson) antes de asignarle su primera misión en Londres. Es que Molly entró en la elite de la seguridad universal no solo por su astucia y curiosidad -y su nula vida social-, sino también por la intensa obsesión que la define desde su niñez, cuando los extraterrestres visitaron su casa de Brooklyn y le insinuaron esa verdad tras la apariencia del mundo conocido.

    F. Gary Gray exprime lo mejor del guion en la primera parte, cuando parece interesado en el humor y las pasiones de sus personajes, más allá de los gadgets, los aliens y las peleas. Después se deja llevar por algunos torpes recursos de montaje, por las previsibles vueltas de tuerca, y desaprovecha a la villana soñada que podría haber sido Rebecca Ferguson. Pero Tessa Thompson y Chris Hemsworth (tan parecido a Thor que hasta tiene martillo) tienen probada química y ese cruce entre buddy movie y comedia romántica sostiene un derrotero de aventuras que, a fin de cuentas, es lo menos importante.


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  16. #2266
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    Jueves 13 de junio de 2019

    El ártico: emotiva experiencia sensorial.
    Diego Batlle.

    El ártico (Arctic, Islandia/2018) / Director: Joe Penna / Guion: Joe Penna y Ryan Morrison / Fotografía: Tómas Örn Tómasson / Música: Joseph Trapanese / Edición: Ryan Morrison. Elenco: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir y Tintrinai Thikhasuk / Distribuidora: Buena Vista International / Duración: 98 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Joe Penna nació en Brasil y se convirtió en uno de los youtubers más populares del planeta con el seudónimo de MysteryGuitarMan. Nada hacía pensar que debutaría con una película tan sólida, minimalista, extrema y audaz como El Ártico, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes 2018. Prácticamente sin diálogos, con un único personaje en pantalla (hay otro hombre que muere al caer su helicóptero y una joven rusa gravemente herida) y con la inmensidad nevada del invierno de Islandia como "coprotagonista", El Ártico es una sobrecogedora, angustiante y al mismo tiempo fascinante historia de supervivencia en la línea de 127 horas, de Danny Boyle, o Todo está perdido, de J.C. Chandor.

    El film narra la odisea de Overgård (el extraordinario Mads Mikkelsen), piloto de un avión que ha quedado varado en algún recóndito lugar del Ártico. Agua, claro, no le falta, y la pesca le permite subsistir, aunque en condiciones cada vez más infrahumanas, y con amenazas concretas como, por ejemplo, la de gigantescos osos polares. Entre la espectacularidad aterradora de las tomas panorámicas que muestran las tormentas de nieve y los planos detalle en los que cada gesto y cada decisión de Overgård adquieren una dimensión insospechada, El Ártico se convierte en un tour de force para el protagonista -que inicia una larga e incierta travesía cargando sobre un trineo a la mujer herida- y también para el espectador. La recompensa de semejante experiencia emocional es más que satisfactoria.


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  17. #2267
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    Jueves 13 de junio de 2019

    Notti magiche: agridulce nostalgia fílmica.

    Alejandro Lingenti.

    Notti magiche (Italia/2018) / Dirección: Paolo Virzi / Guion: Francesco Piccolo, Francesca Archibugi, Paolo Virzi / Fotografía: Vladan Radovic / Edición: Jacopo Quadri, Sara Petracca / Elenco: Mauro Lamantia, Giovanni Toscano, Irene Vetere, Giancarlo Giannini / Distribuidora: Zeta Films / Duración: 125 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Luego de una buena escena de apertura que reúne dos hechos disímiles (la eliminación de la selección local de fútbol a manos de la Argentina en el Mundial de Italia 1990 y el rescate de un Maserati hundido en el río Tíber romano), Paolo Virzi apela al despliegue de un generoso flashback que, con la excusa de reconstruir las motivaciones de un crimen (el del renombrado productor que viajaba en ese automóvil), va contorneando un alborotado, satírico y también melancólico homenaje a algunos de los más grandes héroes de la historia del cine de su país: Ettore Scola (Virzi ha declarado que tuvo la primera idea para esta película en el funeral del director de Feos, sucios y malos), Federico Fellini (hay un escena que lo recuerda con gracia y calidez), Bernardo Bertolucci, Marcello Mastroianni, Vittorio Storaro.

    Los protagonistas son tres jóvenes guionistas que desean acomodarse en el mundo del cine y lucen como una versión liviana y caricaturesca del trío que creó Francois Truffaut para su formidable Jules et Jim. Ellos se sumergen de lleno en el clima de comedia all'italiana -exaltada, kitsch, sensual, parlanchina- que claramente domina una película que observa una mitología perimida en ciertos momentos con ironía, en otros con espíritu lúdico (ahí está como prueba el cameo de una Ornella Muti transformada en provocativa maggiorata) y finalmente con una agridulce nostalgia.


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  18. #2268
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    Un amor imposible: cuando la memoria es política.
    Paula Vázquez Prieto.

    Un amor imposible (Un amour impossible, Francia-Bélgica/ 2018) / Dirección: Catherine Corsini / Guión: Catherine Corsini, Laurette Polmanss, Christine Angot / Fotografía: Jeanne Lapoirie / Edición: Frédéric Baillehaiche / Elenco: Virginie Efira, Niels Schneider, Jehnny Beth, Estelle Lescure, Coralie Russier, Iliana Zabeth / Distribuidora: Mirada / Duración: 135 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    La historia de amor a la que Catherine Corsini le dedica el alma de su película no es la que uno imagina de entrada. O, por lo menos, no es solo a esa pasión entre un parisino arrogante, cruel y narcisista, y una joven judía de provincia, presa de inseguridades y mandatos sociales. Corsini teje, en un relato que recorre toda la historia adulta de sus personajes, los amores imposibles que atraviesan las vidas de una madre y una hija, surcadas por el dolor y el abuso, por la desigualdad social y el ancestral deber femenino del sacrificio.

    Corsini se apropia de la novela de Christine Angot con una sutileza envidiable, siguiendo de cerca a sus personajes en las travesías más espinosas. Su interés por explorar la sexualidad femenina y las diversas aristas de su identidad, presente desde La repetición (2001) hasta Tiempo de revelaciones (2015), encuentra en Un amor imposible una madurez notable, un estilo firme en el tratamiento de las elipsis y en la construcción del frágil pero resistente interior de sus mujeres. La belga Virginie Efira le brinda a Rachel una materialidad desgarradora, demostrando que es una de las mejores actrices del cine francés del momento.

    Corsini no solo filma su mejor película, sino la más arriesgada, la que se despega de la anécdota, del doloroso recuerdo, para ofrecer una mirada política sobre el pasado y el presente, y los complejos lazos que definen a esa unión.


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  19. #2269
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    Jueves 13 de junio de 2019

    Ni en tus sueños: comedia romántica de disfrute absoluto.
    María Fernanda Mugica.

    Ni en tus sueños (Long Shot, EE.UU. / 2019) / Dirección: Jonathan Levine / Guión: Dan Sterling, Liz Hannah / Fotografía: Yves Bélanger / Elenco: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael, O'Shea Jackson Jr. / Distribuidora: BF París / Duración: 126 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    La comedia romántica está de vuelta. Ya no es la misma que fue furor en los 90, pero en los últimos años recuperó el interés de realizadores y público, como lo demuestra la miríada de películas del género que Netflix está produciendo, a un ritmo casi frenético y con resultados muy desparejos. Mucho mejores aún son los ejemplos del cine independiente que propusieron nuevas formas para la fórmula. Pero Ni en tus sueños es otra cosa; es la película que demuestra que la comedia romántica tiene el potencial para recuperar su lugar en el cine de estudios, con grandes estrellas y apuntando a un público masivo.

    Con la autoconciencia sobre el género necesaria para revisitarlo en esta época, los guionistas Dan Sterling y Liz Hannah y el director, Jonathan Levine, recorren cada uno de sus pasos obligados, pero dándole ingeniosas vueltas de tuerca. Resulta muy exitoso este matrimonio de la comedia "zarpada", con toques a lo Apatow y el romanticismo de ciertos referentes del género de los 90 (desde Mujer bonita y Mi querido presidente hasta Notting Hill).

    La película acierta en lo que muchas otras del género han fallado en estos tiempos de cinismo: provocar emoción genuina, disfrute absoluto y carcajadas en voz alta. El logro es la suma de una puesta en escena lujosa, pensada para la pantalla grande, un guion inteligente y un elenco en perfecta sintonía.

    Charlize Theron reafirma su talento haciendo de su personaje, la secretaria de Estado con ambiciones presidenciales, un ser humano y no un prototipo con un par de características simpáticas. Su interpretación es impecable, incluso salvando algunas escenas de trazo más grueso. A su lado, Rogen resulta un personaje menos complejo, pero explota su carisma como galán inesperado, encarnando a un periodista al que la candidata contrata para trabajar en sus discursos.

    Los personajes secundarios son perfectos en construcción y actuación, desde la brillante June Diane Raphael y O'Shea Jackson, en una variación de los roles de aliados de los protagonistas, hasta Bob Odenkirk, haciendo de un presidente actor, y Alexander Skårsgard, como un sustituto de Justin Trudeau.

    Las referencias explícitas a la cultura pop de los 90 emocionarán a quienes crecieron en esa década (¡Beverly Hills 90210! ¡Boyz II Men!). Pero no es necesario tener una conexión nostálgica con esos años para que una escena de baile lento al ritmo de Roxette le recuerde que la magia de la comedia romántica aún es posible.


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  20. #2270
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