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Tema: Críticas de películas

  1. #2341
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    Pasco; más alla de la muerte: claro recuerdo de una historia trágica.
    Alejandro Lingenti.

    Pasco: más allá de la muerte

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    La idea de que un grupo de alumnos esté a cargo de recoger los testimonios necesarios para la reconstrucción de la trágica historia que está en el centro de este documental lo dota de una frescura loable. Con esos relatos pormenorizados y material de archivo, se arma el rompecabezas de la masacre de Pasco, que dejó una profunda cicatriz en el sur del conurbano. En 1975, jóvenes militantes peronistas fueron secuestrados y asesinados en Lomas de Zamora por un comando de la Triple A que luego dinamitó los cuerpos para no dejar rastros. Este caso de persecución política es presentado por Mariano Sabio como un claro prolegómeno de aquella metodología represiva.


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  2. #2342
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    El llanto: sencillo relato sobre aquellos que esperan.
    Adolfo C. Martínez.

    El llanto

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En un pequeño pueblo de Corrientes vive, solitaria y esperando un hijo, Sonia, cuyo esposo es un trabajador de campo quien debió ausentarse a Buenos Aires para emplearse en una obra en construcción. Ella lo esperará en su humilde casa de madera mientras visita a una mujer que le leerá su destino y ahorrará el dinero que su marido le gira desde su lugar de tareas. Con estos aparentemente escasos elementos, el director Hernán Fernández elaboró, con una casi carencia de diálogos, una historia cuyo eje se centra en el dolor que experimentan quienes deben distanciarse por necesidad. Con sencillez, el film va recorriendo lentamente la cotidianidad de esa Sonia (buen trabajo de Sonia Ortiz) cuyo grado de verdad se adhiere con su solitario entorno.


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  3. #2343
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    Santiago, Italia: notable documental histórico.
    Javier Porta Fouz.

    Santiago, Italia(2018, Italia/Francia/Chile, hablada en español e italiano) / Dirección: Nanni Moretti. Producción: Nanni Moretti, Jean Labadie, Gabriela Sandoval, Carlos Núñez /Guion: Nanni Moretti /Fotografía: Maura Morales Bergmann / Edición: Clelio Benevento / Distribuidora: Zeta Films / Duración: 80 minutos/Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Luego del golpe de Estado de Augusto Pinochet del 11 de septiembre de 1973, la embajada italiana en Santiago de Chile cumplió un rol notable, histórico. Y hacia ese hecho, hacia esa multiplicidad de relatos individuales, se dirige con decisión Nanni Moretti para hacer -una vez más- cine político, de ese que puede observar y pensar más allá de los relatos personales, pero -como siempre en el cine del director de Palombella rossa- sin descartarlos, volviéndolos imprescindibles, insoslayables para intentar comprender. Con los protagonistas -los refugiados pero también otros, como algunos héroes y algún villano- contando sus historias y sus perspectivas, Moretti regresa al largometraje documental, a casi 30 años de La cosa (sobre el PCI, el Partido Comunista Italiano).

    Santiago, Italia arranca con el recuerdo del gobierno de Salvador Allende y de su figura. Y a partir de ese punto de partida conmovedor y ya conocido nos adentramos en caminos menos explorados, y se suceden los relatos de diversos testigos: historias de exilios, tensiones, cambios, canalladas, crímenes y también altruismos. Santiago, Italia, a partir de una fluidez expositiva notable, se revela progresivamente como un relato múltiple nada laxo, incluso hasta tenso. Y Moretti entrevista con empatía y por momentos con temblores provenientes de sus ideas. Y narra y escucha, y narra y piensa, y narra y conmueve con algunas de las armas más nobles y perdurables del cine.


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    Última edición por Amadel; 15-08-2019 a las 02:55:58

  4. #2344
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    Anna, el peligro tiene nombre: Luc Besson vuelve a los noventa.
    Paula Vázquez Prieto.

    Anna: el peligro tiene nombre (Anna, Francia/Estados Unidos, 2019) /Guion y dirección: Luc Besson / Fotografía Thierry Arbogast, Montaje: Julien Rey / Elenco: Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans, Cillian Murphy, Lera Abova, Alexander Petrov / Distribuidora: BF Distribution / Duración: 120 minutos / Calificación: SAM 16

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Con Anna, Luc Besson vuelve a los años de sus primeros éxitos (Nikita, El perfecto asesino), a un mundo de violencia en el que las mujeres son sus piezas preciadas, a las secuencias extáticas que combinan la moda extravagante de los 90 y el espíritu lúdico del videojuego. Pero ahora su alicaída carrera se nutre también del reverdecer del cine de espías en clave femenina, al que despoja de cualquier trazo de humor autoconsciente para exponerlo en su operatoria más visible de agentes dobles y peleas volcánicas.

    Todo comienza con una operación fallida y una terrible matanza en la Moscú de 1985. Cinco años después vemos a Anna (la modelo rusa Sasha Luss) pasar de vendedora de feria a modelo de alta costura, para reconocerla luego como la mejor agente de la KGB en la París de 1990. Ese juego temporal entre pasado y presente se despliega una y otra vez, como las identidades de Anna que alternan disfraces en el ajedrez político del final de la Guerra Fría. La astucia del guion, que pese a lo previsible del género logra hacer efectivas algunas vueltas de tuerca, y la destreza coreográfica de Anna en cada enfrentamiento compensan su falta de complejidad y las repetidas frases sobre la libertad sin emoción alguna.

    Pero Besson no aspira a mucho más que a lucirse él y su cámara, a convertir a Sasha Luss en una nueva musa, y a alinear con ironía la geopolítica y el negocio de la moda que parecen ser los más arduos campos de batalla.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2277557
    Última edición por Amadel; 10-09-2019 a las 01:35:18

  5. #2345
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    Angry birds 2: regreso de los pájaros salvajes.
    Paula Vázquez Prieto.

    Angry birds 2 (The Angry Birds Movie 2, Estados Unidos/Finlandia, 2019) Dirección: Thurop Van Orman / Guion: Peter Akerman, Eyal Podell, Jonathon E. Stewart / Fotografía: Simon Dunston. Kent Beyda, Ally Garrett / Distribuidora: UIP / Duración: 96 minutos. Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Nada parece tranquilo en la isla de los Pájaros. La primera Angry Birds, inspirada en un juego para smartphones, había terminado con el insólito enfrentamiento entre los pájaros que no vuelan y los cerdos verdes con alma de ingenieros, habitantes animados de un mundo de colores y vértigo irrefrenable. Aún más desenfadado, el universo de esta segunda entrega retorna a la primacía de lo visual, consigue varias escenas divertidas (genial la del baño), y explota el catálogo musical de Sony con un calculado equilibrio entre el humor y la nostalgia.

    Red es el héroe que custodia la frágil convivencia -mar de por medio- entre cerdos y aves, signada por bromas pesadas y ataques sorpresa. Pero esta vez hay un enemigo en común que permite que los personajes conocidos se unan en virtud de un trabajo en equipo. Así, una improvisada "misión imposible" los lleva a una incursión de incógnito en una lejana isla que combina los volcanes con las tierras heladas.

    La película tiene el mérito de ir de menor a mayor: convierte a los viejos enemigos en aliados, integra nuevos personajes con fluidez, despliega líneas narrativas simultáneas sin perder el eje (los tres pichones en viaje a otra galaxia logran un gran momento), y toma en serio sus modestas aspiraciones. Pese a algún que otro desliz en los guiños de autoconciencia, funciona como un antídoto al individualismo y un esperpéntico retrato de una comunidad de celebradas diferencias.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2277556
    Última edición por Amadel; 15-08-2019 a las 14:24:12

  6. #2346
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    La odisea de los giles: gran producción local que cruza a ladrones vengadores con el corralito.
    María Fernanda Mugica

    La odisea de los giles(Argentina / 2019) Dirección: Sebastián Borensztein /Guion: Sebastián Borensztein, Eduardo Sacheri / Fotografía: Rodrigo Pulpeiro / Elenco: Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica Llinás / Distribuidora: Warner Bros / Duración: 117 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Desde su título, La odisea de los giles expone su argentinidad. El concepto de gil, según la RAE "dicho de una persona incauta", es difícil de traducir a otro idioma y mucho de lo que sucede en la Argentina resulta igual de complicado de entender para alguien que proviene de otra cultura. Por ejemplo, la crisis de 2001 y el corralito, escenario sobre el que se desarrolla la nueva película de Sebastián Borensztein.

    Lo curioso del caso es que el género en el que se enmarca La odisea de los giles es puro Hollywood: el film de atraco (heist movie). La combinación de personajes y un ambiente locales, cuidado hasta el más mínimo detalle, con las reglas y el nivel de producción de este tipo de cine resulta exitosa. También funciona el casting de caras conocidas, como si se tratara de una versión argentina de La gran estafa, con Ricardo Darín y Luis Brandoni como líderes de la banda. Pero acá no hay glamour ni un placer por el arte de robar. Solo se trata de un grupo de personas comunes que reaccionan vengándose de quienes les hicieron perder todo, no solo la plata, sino también sus sueños de un futuro mejor.

    Los mecanismos del guion escrito por Borensztein junto con Eduardo Sacheri, autor de la novela en la que está basada la película, La noche de la usina, funcionan muy bien, logran una trama entretenida, salpicada por una reflexión de ciertos comportamientos humanos y cuentan con algunos personajes con los que es imposible no empatizar. Esto sucede en especial con el núcleo afectivo de la historia, formado por la pareja Darín-Verónica Llinás y su hijo, interpretado por Chino Darín.

    El retrato del matrimonio encarnado por Darín y Llinás, ambos perfectos en sus interpretaciones, es uno de los aspectos más encantadores de la película, por su tinte romántico-realista. Parece extraño subrayar algo así a esta altura, pero es un acierto que una estrella masculina tenga como pareja en la ficción a una actriz de una edad cercana a la suya, además de un talento y carisma a la par. Eso permite construir en la pantalla una relación que se parece a muchas en la vida real: una pareja establecida en un amor profundo y cotidiano, que sostiene a ambos y sirve de inspiración, aun en el más intenso dolor.

    No todos los personajes tienen el mismo desarrollo, aunque una actriz como Rita Cortese logra con su interpretación hacer de su parte todo un universo. Algunos solo funcionan como piezas de la trama o catalizadores de chistes. Es en el humor en donde la película no fluye como en otros aspectos. Hay escenas que son realmente graciosas, pero son aquellas en las que el humor se desprende de lo que pasa y no de lo que se dice. Los diálogos que son explícitamente armados para hacer reír son un tanto subrayados y con una pátina anticuada. Una escena posterior a los créditos que solo tiene la función de rematar un chiste termina haciendo una fuerte interferencia con un final satisfactorio.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2277555
    Última edición por Amadel; 27-08-2019 a las 12:32:06

  7. #2347
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    Jueves 15 de agosto de 2019

    "María Callas en su propia voz", una diva con la voz y el porte que marcaron su era
    Llegó a la cartelera local, un documental sobre la gran artista de la ópera del siglo XX
    FERNÁN CISNERO

    María Callas, una de las grandes voces y figuras del siglo XX ahora en un documental

    María by Callas * * *
    Origen Francia, 2018
    Director Tom Volf
    Escrita y dirigida por Tom Volf. Editor: Janice Jones. Con: María Callas, Joyce DiDonato, Fanny Ardant. Duración: 113 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Aunque murió hace 42 años y su imagen y su voz representan un mundo lejano y en blanco y negro de grandes divas y multimillonarios griegos, la figura de María Callas sigue generando intriga y encanto. Eso se evidencia, por ejemplo, en la expectativa que generó una gira mundial en la que aparece como un holograma, los anuncios de una biopic de Hollywood (con Noomi Rapace en el protagónico) y en la distribución mundial de María Callas: En sus propias palabras, el documental que se estrena hoy en Uruguay.

    “Hay dos personas dentro de mí. Me gustaría ser Maria, pero también está la Callas, de quien debo estar a la altura. Así que lidio con ambas como puedo”, dice al comienzo de este documental dirigido por el francés Tom Volf. Durante dos horas, se intenta congeniar esas dos figuras y consigue congeniar el arte con la persona pública que fue Callas.

    Lo hace a través de testimonios de la propia diva leídos por la mezzosoprano Joyce DiDonato, de algunos de sus allegados y maestros y dejando casi íntegras arias entre las que está su “Casta Diva” de Norma de Bellini. Escuchar su voz y ver su porte explica, a generaciones que no convivieron con eso, el porqué de su grandeza.

    Nacida, como María Anna Cecilia Sofia Kalogeropoulos, el 2 de diciembre de 1923 en Nueva York pero de origen griego, Callas tenía justo eso: una voz y una presencia de estrella. El documental no abunda demasiado en su ascenso a la fama, sino que se concentra en sus años de estrellato, Fue una celebridad en un grado que hoy se le reserva a las estrellas pop más fugaces. Es increíble la cantidad de paparazzi que solían esperarla a la salida de los aeropuertos, por ejemplo.

    A aliviar esa carga no ayudó su romance con Aristoteles Onassis, el magnate griego que simbolizaba la opulencia más obscena. Después de un matrimonio fallido (que terminó en un escándalo judicial en Roma), Callas encontró en él, un compinche, aunque la privacidad fue un lamentado daño colateral. El griego la dejó para casarse con Jackie Kennedy, un golpe importante como queda claro en una carta de las que lee Di Donato.

    El documental también es un quién es quién de la cultura europea del siglo XX: por ahí aparecen De Sica, Pasolini, Visconti, Bardot, Cocteau, Deneuve y los duques de Windsor. El entorno marca la importancia de Callas.

    María Callas: En sus propias palabras hace todo un esfuerzo, y lo consigue para conformar un retrato fiel de la trascendencia de La Divina. Y ayudan mucho las actuaciones que se reparten a lo largo de la película, incluyendo una notable rendición de “L’amour est on oiseau rebelle” de Bizet que resulta todo lo potente y elegante que uno esperaría de una figura como ella.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/criti...-marcaron.html

  8. #2348
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Los índalos: retrato de una familia revolucionaria
    .
    Adolfo C. Martínez.

    Los índalos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Heredera de una estirpe de revolucionarios, Aurora Sánchez evoca en este documental su larga vida. Su historia se inicia con la lucha de sus padres en la España republicana y su posterior llegada a la Argentina. Así aparecen en el camino de esta mujer ardorosa tanto Roberto, su hermano, como Iván, su hijo, y con estos recuerdos Aurora se remite al exilio de ellos por Francia y su lucha en la Nicaragua sandinista. Los directores Gato Martínez Cantó, Santiago Nacif Cabrera y Roberto Persano siguieron su camino vital hasta la muerte de su hijo en el intento de copamiento del cuartel de La Tablada. La película nunca abandona la emotividad en el retrato de su protagonista.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2279795

  9. #2349
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    La escuela contra el margen: imaginar juntos una ciudad distinta.

    Diego Batlle.

    La escuela contra el margen


    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Este desgarrador documental de Lisandro González Ursi y Diego Carabelli registró el proceso de trabajo en el marco de un taller del colegio Manuel Mujica Lainez de Lugano. En un contexto socioeconómico muy complejo, donde imperan la violencia, la xenofobia y la marginación (y sigue abierta la herida de la trágica toma del Parque Indoamericano, en 2010), los adolescentes reflexionan y luego exponen sobre los problemas de una de las zonas más postergadas de la ciudad. Ese proyecto y el posterior viaje a Chapadmalal para compartir la experiencia con otros estudiantes sirven para mostrar la relación de la infatigable maestra treintañera con sus alumnos, que termina excediendo lo académico.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2279794

  10. #2350
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    La sequía: el escape de la rutina en Fiambalá.

    Alejandro Lingenti

    La sequía


    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Una actriz exitosa (interpretada por Emilia Attías) agotada por la rutina decide hacer un viaje al imponente paisaje desértico de Fiambalá, Catamarca. En medio de ese periplo destinado a barajar y dar de nuevo aparece un extraño personaje (Adriana Salonia), que intenta convencerla de que vuelva a su vida de siempre. Luego de sumar experiencia en el terreno del documental (fue realizador de algunos capítulos de Historias de la Argentina secreta), Martín Jáuregui debuta en la ficción con una película estéticamente bien resuelta, pero que depende de una sola idea y entonces avanza a tientas, enfocando su energía en la difícil tarea de no repetirse. Un detalle curioso: el film se rodó íntegramente con equipamiento alimentado con energía solar.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2279793

  11. #2351
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Mekong-Paraná; los últimos laosianos: historias de quienes dejaron atrás el horror de la guerra.

    María Fernanda Mugica.

    Mekong-Paraná : Los últimos laosianos


    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestras opinión: Buena

    El documental de Ignacio Luccisano se concentra en la singularidad dentro de una gran tragedia: la migración de laosianos a distintas partes del mundo tras la Guerra de Vietnam. El desarraigo, la soledad y las dificultades para adaptarse a una cultura y un idioma desconocidos están narrados a través de los potentes testimonios de la familia Ithanvong, que escapó de Laos, dejando el Mekong atrás, y se instaló junto al Paraná, en Santa Fe.

    El director aprovecha esa potencia sin caer en la explotación, tratando con cariño y respeto a los protagonistas del documental. Es muy acertado también el uso de animación para ilustrar un relato especialmente doloroso y de material de archivo para construir una explicación clara y concisa sobre la situación que motivó estas migraciones.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2279792

  12. #2352
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Paw Patrol: aventuras solo para los más chicos.

    Pablo De Vita.

    Paw Patrol: Mighty Pups(Estados Unidos/2018) Dirección: Charles E. Bastien / Guion: Bia Crespo / Edición: Tom Berger / Música: James Chapple / Distribuidora: BF Distribution / Duración: 82 minutos. Calificación: apta para todo publico.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    La acción de la película, adaptada de una muy popular serie televisiva, se sitúa en Bahía Aventura, donde la vida cotidiana transcurre sin mayores sobresaltos y rescatar a un señor enganchado en un globo es el mayor desafío cotidiano: "Solo aúlle por ayuda", señalan sus habitantes para que la patrulla canina del título entre al rescate. Hasta que un meteorito impacta en el pueblo y en su interacción con los cachorros les otorgará superpoderes. También Harold desarrolla al ver el bólido espacial una habilidad, la de con solo mover sus manos fabricar lo que desee. Todo un regalo para sus ansias de inventor frustrado. Así ayuda a robar el meteorito, toma el control de la central de los cachorros, encarcela a Ryder (el líder humano del escuadrón) y busca ser superalcalde a través de un robot que todo lo puede. Pero se sabe que la ambición es mala consejera, aunque posibilita que exista una trama que puede seguirse con cierto interés viendo a los simpáticos perritos animados en acción y donde, luego de algunas penurias, triunfan devolviendo todo a su origen.

    Es la primera, e indudablemente más atractiva, de las tres historias que presenta la versión cinematográfica de la popular serie que no esconde su origen televisivo en este debut para la pantalla grande. Las otras, más cortas, también involucran aventuras de rescate para los cachorros ya sin sus habilidades extraplanetarias, pero conservan el formato que fue éxito para los más chiquitos, y que disfrutan plenamente solo ellos.


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  13. #2353
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    La afinadora de árboles: inquietante mirada a la crisis de la madurez.
    Diego Batlle

    La afinadora de los árboles
    (Argentina/2019) Guion y dirección: Natalia Smirnoff / Fotografía: Fernando Lockett / Edición: Valeria Racioppi / Música: Alejandro Franov / Elenco: Paola Barrientos, Marcelo Subiotto, Diego Cremonesi y Matías Scarvaci / Distribuidora: Primer Plano / Duración: 101 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinion: Buena

    Clara (Paola Barrientos) es una exitosa ilustradora y escritora de libros infantiles. En los primeros minutos, la vemos viajar a México para recibir uno de los premios más prestigiosos del rubro. La acompañan su marido, Francisco (Marcelo Subiotto), un abogado que es también su representante, y sus hijos, Lisandro (Oliverio Acosta) y Violeta (Violeta Postolski). De regreso, la familia se muda a una hermosa casona suburbana con la idea de que ella pueda llevar una vida más tranquila y recuperar su energía creativa.

    La súbita partida de una veterana mujer que trabajaba para ellos y el sorpresivo reencuentro con Ariel (Diego Cremonesi), un carnicero del lugar que fue su gran amor de juventud, empiezan a poner en jaque el universo íntimo hasta ese momento aparentemente sólido e incluso previsible de la impulsiva y conflictuada protagonista.

    La directora de Rompecabezas y El cerrajero apela a múltiples recursos (incluidos pasajes de animación) y a bruscos cambios en el personaje de Clara (empieza a frecuentar un comedor para chicos carenciados, mientras se siente cada vez más tentada de aceptar los juegos de seducción que le propone Ariel) para moldear un film por momentos inquietante y fascinante, aunque no siempre del todo sutil, sobre las crisis y los replanteos en la madurez, las segundas oportunidades, la necesidad de mayor libertad, y la búsqueda de nuevos desafíos y caminos ya no tan intelectuales, sino del orden de lo espiritual.


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  14. #2354
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    Un hombre en apuros: heroísmo de manual de autoayuda.
    Paula Vázquez Prieto.

    Un hombre en apuros (Un homme pressé, Francia/ 2019) / Director: Hervé Mimran / Guion: Hervé Mimran, Hélène Fillières, Christian Streiff / Fotografía: Jérôme Alméras / Edición: Célia Lafitedupont / Elenco: Fabrice Luchini, Leïla Bekhti, Rebecca Marder, Igor Gotesman / Distribuidora: Mirada Distribución / Duración: 100 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    "Descansaré cuando esté muerto", repite una y otra vez Alain Wapler (Fabrice Luchini). El trabajo se ha convertido para Alain en lo único importante en su vida. Desde la muerte de su esposa, su tiempo se divide en charlas de liderazgo, ásperas reuniones de directorio y el desarrollo de su última criatura: un automóvil eléctrico que revolucionará el mercado francés. Su hija, su perro y el resto de la humanidad que parece quedarle batallan con su soberbia y el malhumor que lo aqueja a diario.

    Luchini convierte a este CEO irritante en un personaje que, sin abandonar su perspicaz pedantería, descubre en la lenta recuperación de un ACV que otra vida es posible. Al sortear el dramón, el director Hervé Mimran se recuesta en el notable talento de su actor para usarlo a su favor: Alain transita su nuevo rumbo en la vida a partir de retazos de recuerdos y fragmentos de lenguaje. Son esas ausencias las que alimentan la comedia y abren la película a las mejores relaciones, las que Alain entabla con su fonoaudióloga (la siempre excelente Leïla Bekhti) y un jovial enfermero.

    Una pena que, pese a las buenas intenciones, la coda final se abarrote de un heroísmo de manual de autoayuda y aires de fábula de superación. Al abandonar el humor para ponerse sentimental, la película debilita la consistencia que había brindado a su personaje y coquetea con una moraleja que no necesitaba.


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    Última edición por Amadel; 22-08-2019 a las 12:55:35

  15. #2355
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Baldío: sobrio contrapunto emocional.
    Alejandro Lingent

    Baldío (Argentina/2018) Dirección: Inés de Oliveira Cézar /Guion: Inés de Oliveira Cézar y Saula Benavente / Fotografía: Federico Bracken /Edición: Ana Poliak / Elenco: Mónica Galán, Gabriel Corrado, Nicolás Mateo, Rafael Spregelburd / Distribuidora: Cinetren / Duración: 78 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Mientras participa de un rodaje por momentos caótico, Brisa debe lidiar con un asunto personal que la tiene a maltraer: la adicción de su hijo a una droga destructiva como el paco. El gran mérito de Baldío, film basado en una historia real, es abordar una temática que puede invitar al efectismo con una notoria sobriedad.

    El contrapunto entre las tensiones de ese rodaje, comandado a los ponchazos por un director claramente superado por las circunstancias (Rafael Spregelburd, sólido en su papel), y las que esa mujer agobiada debe enfrentar en su intimidad luce muy bien equilibrado. Sobre todo porque, aun en ese entorno opaco, hay algunos pasajes en los que asoma un humor liviano que relativiza los problemas del cine respecto de los más pesados de la vida cotidiana.

    Mónica Galán, actriz que falleció en enero último y a cuya memoria está dedicada la película -exhibida en el último Bafici- supo cómo llenar a su personaje de matices, oscilando ingeniosamente entre la angustia, la resignación y la lógica empatía con el que interpreta Nicolás Mateo.

    También fueron aciertos una fotografía en blanco y negro muy cuidada, pero no necesariamente preciosista, que marida a la perfección con los climas del relato y una banda sonora que funciona como una especie de monólogo interior de la protagonista.


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  16. #2356
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Había una vez... en Hollywood: Quentin Tarantino y una hermosa declaración de amor por el cine.

    Marcelo Stiletano.

    Había una vez... en Hollywood/ Once Upon a Time in... Hollywood
    (Estados unidos, 2019) / Dirección y guión: Quentin Tarantino / Fotografía: Robert Richardson / Edición: Fred Raskin / Elenco: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Al Pacino, Timothy Olyphant, Dakota Fanning, Kurt Russell, Bruce Dern. duración: 161 minutos / Calificación: Apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente

    Hay películas cargadas de cinefilia y películas que son verdaderas declaraciones de amor al cine. Esta última variante es la menos habitual. Quentin Tarantino vuelve a hacerlo en su novena película con tanta claridad que hasta podría valerse de ella para justificar o fundamentar un eventual cierre de su carrera como director.

    El tratado de referencias cinematográficas que Tarantino escribe en cada una de sus obras aquí tiene más páginas que nunca. Rebosa de citas a través de afiches, pósteres, trailers, extractos televisivos, audios radiofónicos, marcas, publicidades y objetos a granel. Esa suma inagotable no es pura acumulación. Nos ofrece el marco de una historia extraordinaria, en la que se funden de manera ideal realidad y ficción. Una realidad, de paso, que no podría tener otro instrumento que el lenguaje del cine (todas sus posibilidades) para ser representada.

    Como Tarantino ama profundamente al cine (al cine que tiene a Hollywood como palanca que pone en marcha al mundo) también lo hace con los tres grandes personajes de su nueva película. En ellos (trabajadores auténticos, en definitiva, de esa fábrica de sueños) queda bien a la vista ese enamoramiento, que instala en 1969. Un año clave. Allí está Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), una estrella del cine de género (policial, western) en los años 50, consciente de su ocaso sin resignarse a ese destino. Está también Cliff Booth (Brad Pitt), su doble de riesgo, chofer, confidente, amigo. Un cowboy moderno con problemas legales y una seguridad pasmosa para moverse en cualquier terreno. Y está Sharon Tate (Margot Robbie), la chica que vive el sueño de convertirse en estrella y ser reconocida como tal en un mundo que necesita esa clase de figuras aunque no lo reconozca. Lo que hacen los tres actores es extraordinario.

    Tarantino elige un esquema narrativo que al principio podría desconcertar, pero que alcanza la plenitud narrativa, visual y dramática cuando cada uno de ellos tiene el momento de demostrar lo que siente, que no es otra cosa que darle sentido, movimiento y goce a la experiencia cinematográfica más pura. El director los activa en un momento de la historia en que el Hollywood clásico se desvanece y otro empieza a ocupar su lugar.

    Un choque cultural que se expresa en las tensiones entre cine y TV, en el cruce entre Hollywood y las experiencias foráneas que adoptan sus formas (hay un gran homenaje aquí a Sergio Leone), entre placeres y estallidos de violencia. El reconocido virtuosismo narrativo de Tarantino se hace tierno y comprensivo en el cariño hacia sus personajes, que en el fondo son sus pares y que con tanta fortaleza hasta se sienten capaces de reescribir la historia.


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  17. #2357
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    Jueves 22 de agosto de 2019

    Quentin Tarantino detona Hollywood en su nueva película.
    Peter Travers.

    "Había una vez en Hollywood"/Once Upon a Time in... Hollywood

    Dirigida por Quentin Tarantino. Elenco con Leonardo DiCaprio Brad Pitt y Margot Robbie. 4 estrellas y media

    Spoiler:
    SPOILER:
    En una calurosa noche de agosto de 1969, cuatro miembros del culto a Charles Manson invadieron la casa de la actriz Sharon Tate en Los Ángeles. Su esposo, el director Roman Polanski, estaba de viaje. Lo que sucedió después fue noticia mundial. Puede que no recuerdes todo de la forma en que Quentin Tarantino lo recuerda enHabía una vez en Hollywood, pero no te vas a olvidar ni un segundo de lo que está en pantalla en este nuevo clásico. Es la novena película de Tarantino, y afirma que será la anteúltima de su carrera. Si es así, se está despidiendo con una bomba. Hoy no hay ninguna película que pueda igualar en adrenalina a esta fábula triunfal. Como siempre con Tarantino, la acción salta de la pantalla mientras configura provocaciones psicológicas que dejan huella.

    Tarantino le da a Sharon (Margot Robbie) un vecino ficticio. Él es Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), una estrella de los westerns de televisión que solo piensa en emborracharse por lo que queda de su decadente carrera. El único amigo de Rick es Cliff Booth (Brad Pitt), su doble y confidente que vive en un remolque cerca del cine Van Nuys con un rottweiler llamado Brandy. Cliff es veterano de Vietnam y ha estado desempleado desde que comenzaron a circular rumores de que mató a su esposa y se salió con la suya.
    Es una jugada atrevida de Tarantino poner a dos de las estrellas más grandes y agradables de Hollywood como perdedores. Pero DiCaprio (Django sin cadenas), 44, y Pitt (Bastardos sin gloria), 55, no lo decepcionan. Su unión es un suceso, con dos actuaciones explosivamente divertidas y emocionalmente complejas que están entre lo mejor que han hecho en sus carreras. Pitt se muestra gracioso cuando Clint consigue un trabajo de doble en El avispón verde y presiona al arrogante Bruce Lee (Mike Moh), caracterizado como Kato, en una batalla que termina mal para la leyenda de Furia oriental.

    DiCaprio también consigue risas al tratar de disimular la desgracia de Rick cuando su carrera queda en la banquina. Un representante de actores poderoso (Al Pacino, deleitándose en el papel) le dice a Rick que está matando su carrera haciendo participaciones especiales como villano en programas de televisión. En una ironía satisfactoria, Rick recibe las mejores críticas de su carrera haciendo de malo. El éxito también sigue cuando atiende el consejo de su agente de protagonizar spaghetti westerns en el extranjero, como Clint Eastwood y Burt Reynolds.

    Todos los actores en la película, en papeles grandes y pequeños, están al máximo de sus habilidades. Dos horas y 40 minutos pueden ser largos para algunos, pero yo no cambiaría ni un cuadro. Tarantino se ríe de muchas cosas en su cine, especialmente su propio salto a través de géneros en películas tan diversas como Pulp Fiction, Django sin cadenas y Kill Bill. Pero ni por un minuto finge su amor por el Hollywood de finales de los sesenta. Con la ayuda del maestro de fotografía Robert Richardson, la diseñadora de vestuario Arianne Phillips y el editor Fred Raskin, el período se capturó meticulosamente. Se puede sentir en cada disparo el amor de Tarantino por el cine en todo su deslumbrante brillo y arte subversivo.

    Esto no significa que la violencia esté ausente. La era de Manson es solo un reflejo del aumento de la sed de sangre en Estados Unidos. Es una de las chicas de Manson, Pussycat (Margaret Qualley), quien le pide a Cliff que la lleve al rancho Spahn, donde reina el caos. Y cuando el culto se acerca a la casa, no se pierde ni una oportunidad de salpicarte.

    Lo más impactante de Había una vez... es su corazón abierto hacia la inocencia. En el papel de Tate, Robbie es un rayo de luz en un mundo dominado por el cinismo, como cuando se mete al cine a ver cómo el público la mira en sus películas. O la joven compañera de teatro de Rick (Julia Butters), otra fuente de incandescencia en una obra en la que Tarantino le da a la esperanza la última palabra.


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  18. #2358
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    La viuda: eficaz thriller.
    Javier Porta Fouz

    La viuda (Greta/2019) / Dirección: Neil Jordan / Guión: Ray Wright y Neil Jordan / Fotografía: Seamus McGarvey / Edición: Nick Emerson / Música: Javier Navarrete / Elenco: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe / Distribuidora: Diamond Films / Duración: 98 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Los primeros noventa, los años de El juego de las lágrimas y Entrevista con el vampiro, fueron los de mayor gloria y reconocimiento del irlandés Neil Jordan. En estos tiempos ya no juega en esas ligas, pero una película como La viuda nos recuerda el valor de la experiencia, de cierta eficacia, del viejo sentido del oficio del narrador versátil.

    Este thriller sobre psicópata y víctima tiene conexiones con Mujer soltera busca y El silencio de los inocentes (con una cita casi jocosa), y con otro estreno de este año, Ma.

    La viuda es Greta y la interpreta Isabelle Huppert, capaz de jugar a alturas difíciles de alcanzar para la mayoría de las otras actrices. Huppert usa sus múltiples habilidades y les suma elementos de algunos de sus tantos roles anteriores (notablemente el de Elle y el de La profesora de piano) y construye de manera certeramente monstruosa a su personaje, que esconde y se esconde, agazapado, detrás de una máscara de fragilidad. No hay transformación, hay disfraz; eso lo saben las grandes actrices, y Huppert es una de ellas.

    La viuda acierta en términos de verosimilitud en su planteo inicial: no hay vueltas, no hay "pequeños indicios", hay decisiones lógicas. Luego, al tensionar la violencia y el suspenso, avanza con prestancia y sobre el final acumula unas cuantas torpezas, de esas que solían estar presentes en los thrillers de los noventa, esos que hoy en día hasta extrañamos un poco.


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    Última edición por Amadel; 29-08-2019 a las 03:07:56

  19. #2359
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Ted Bundy: durmiendo con el asesino, endeble y confusa biopic.
    Javier Porta Fouz.

    Ted Bundy: durmiendo con el asesino (Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile, EE.UU/ 2019) / Dirección: Joe Berlinger / Guión: Michael Werwie, basado en el libro de Elizabeth Kloepfer / Fotografía: Brandon Trost / Edición: Josh Schaeffer / Música: Marco Beltrami y Dennis Smith / Elenco: Zac Efron, Lily Collins / Duración: 110 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Mala

    Ted Bundy fue un asesino serial muy famoso con gran presencia en los medios estadounidenses. Carlos Robledo Puch fue un criminal muy famoso con gran presencia en los medios argentinos. Sobre este último Luis Ortega dirigió El ángel, una película de notorio vuelo cinematográfico, potencia poética, pasión, inventiva y pulsión. Esas virtudes angélicas no están en esta película, una sucesión de hechos "recreados" expuestos con desidia, oportunismo, con férrea ausencia de suspenso como programa inviable, pretendida "complejidad" psicológica y apenas algún momento en el que la historia -más bien pedestre- se cuela con algo de tensión en la resolución policial, judicial y mediática en Florida.

    La endeble construcción del punto de vista y de la confusa y hasta molesta estructura temporal probablemente tenga que ver con el basamento escrito (el libro de una expareja de Bundy), y la actuación intensamente imposible y con "escenas largas tipo tour de force" de Efron probablemente tenga que ver con su rol de productor.

    Las torpezas en los encuadres y la banalidad general quizá provengan de algún zeitgeist vaporoso que quizá logremos identificar más adelante, luego de distraernos con el show sibilino de John Malkovich como juez, que entrega una actuación mejor que esta película, pero que, aislada y sin sentido de conjunto, tampoco la ayuda.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2282357
    Última edición por Amadel; 29-08-2019 a las 03:12:47

  20. #2360
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Por gracia de Dios: cómo contar los abusos.
    Alejandro Lingenti

    Por gracia de Dios (Grâce à Dieu, Francia, 2018) / Dirección y guión: François Ozon / Fotografía: Manuel Dacosse / Edición: Laure Gardette / Elenco: Melvil Poupaud, Denis Menoched, Swann Arlaud, Eric Caravaca / Distribución: Ifa Cinema / Calificación: apta para mayores de 13 años con reservas / Duración: 137 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín, la nueva película de este prolífico realizador francés está basada en hechos reales que generaron un gran escándalo en Francia, reproducido muy pronto a escala internacional: la aparición en escena de la asociación de víctimas La Parole Libérée, fundada en Lyon en 2015 por víctimas de abusos perpetrados por el sacerdote Bernard Preynat, provocó una aguda discusión pública con las máximas autoridades de la Iglesia Católica, señaladas por silenciarlos.

    Ozon abre el fuego con la denuncia que fue el puntapié inicial, llevada adelante por el padre de una familia numerosa, un profesional de vida burguesa que mantiene su rutina de católico practicante pero sin abandonar su objetivo de revisar ese pasado infausto. Y luego va encadenando otras historias similares mediante un virtuoso trabajo de puesta en escena apoyado en la combinación fluida de voz en off y una sofisticada narración visual, aunque la proliferación de casos produce cierta dispersión y, a medida que la historia avanza, el director empieza a subirle el volumen hasta el límite de la estridencia.

    Hay un lineamiento moral que sobrevuela el film y que contradice abiertamente las prescripciones religiosas. Lo expresa la interlocutora de uno de los abusados, convencida de que perdonar en estos casos es quedar otra vez en manos del victimario.


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    Última edición por Amadel; 29-08-2019 a las 03:23:54

  21. #2361
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    La música de mi vida: el arte como salvación.
    Diego Batlle

    La música de mi vida (Blinded by the Light, Reino Unido-Estados Unidos/2019) / Dirección: Gurinder Chadha / Guión: Safraz Manzoor, Gurinder Chadha y Paul Mayeda Berges / Fotografía: Ben Smithard / Edición: Justin Krish / Música: A.R. Rahman / Elenco: Viveik Kalra, Hayley Atwell, Rob Brydon, Kulvinder Ghir / Distribuidora: Warner Bros / Duración: 118 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    ¿Un adolescente de origen paquistaní obsesionado por la música y las letras de Bruce Springsteen en una pequeña y gris ciudad inglesa como Luton en 1987? Sí, esa es la historia real que el periodista Sarfraz Manzoor registró en su libro de memorias Greetings from Bury Park: Race, Religion and Rock N' Roll y que -con él como coguionista- se convirtió en este entrañable film dirigido por Gurinder Chadha (Jugando con el destino). Si la película comienza con cierto sesgo de realismo social que remite al cine de Ken Loach o Mike Leigh (hay un prólogo ambientado en 1980) y a las miradas ochentistas sobre la comunidad paquistaní que Stephen Frears retrató a partir de guiones de Hanif Kureishi en Sammy y Rosie van a la cama y Ropa limpia, negocios sucios, luego el relato va abandonando su costado más sórdido y desencantado para abrazar un tono más lúdico y emotivo que en la jerga cinematográfica se denomina crowd-pleaser.

    La música de mi vida es, en esencia, una película de iniciación (un coming-of-age, para seguir con las caracterizaciones técnicas). Es que la historia de un muchacho llamado Javed (Viveik Kalra) cumple con todos los ritos de superación en un contexto escolar, social, afectivo y familiar poco estimulante. Un padre represivo, una madre bienintencionada pero que no se anima a intervenir, una crisis económica fulminante con récord de desocupación (plena era Thatcher) y una situación dura para los paquistaníes tanto en el colegio como en las calles (con violentos grupos de ultraderecha como el National Front agitando el racismo) convierten su formación en un calvario.

    Javed quiere disfrutar y compartir las creaciones de su artista favorito, ir hasta la cercana Londres a verlo, dedicarse a escribir, tener las primeras relaciones con chicas, pero nada parece salirle bien. Su único consuelo pasa por escuchar las canciones de El Jefe (Springsteen cedió una docena de sus canciones de esa época para el film) y encontrar en sus versos la fuerza e inspiración que necesita para seguir adelante.

    La directora Chadha construye personajes queribles (incluso los secundarios), se arriesga con varios pasajes con coreografías musicales a-la-Bollywood y, si bien por momentos el film cae en ciertos subrayados un poco torpes, se trata de una película pura, cristalina, celebratoria y -sobre todo para aquellos, como quien esto escribe, que aman el arte de Springsteen- decididamente disfrutable.


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  22. #2362
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Dora y la ciudad perdida: desparejo traslado de la TV al cine.
    María Fernanda Mugica

    Dora y la ciudad perdida


    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Adaptar una serie animada, con espíritu didáctico y bilingüe a un film de aventuras es un desafío que Dora y la ciudad perdida logra superar. Su mayor hallazgo es la utilización humorística de características propias de la serie, como quebrar la cuarta pared para enseñar una palabra en castellano o el hábito de inventar canciones para casi cualquier situación. Isabela Moner, como Dora adolescente, consigue un equilibrio entre el trazo más grueso del personaje animado, el guiño al público y su aspecto más humano. Pero más allá de sus aciertos, la película resulta muy despareja. Junto a momentos inteligentes y graciosos hay otros que aburren o resultan irritantes


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  23. #2363
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Arenas de silencio: retrato de la trata de mujeres.

    Adolfo C. Martínez.

    Arenas de silencio

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Tras dedicar más de 15 años a estudiar el submundo de la explotación sexual y la trata de mujeres en Asia y en diversos países de América, la directora Chelo Álvarez-Stehie se vio en la necesidad de volver a la playa del País Vasco de su infancia para develar secretos de familia. Allí, la directora conoce a Virginia, una mujer mexicana residente en California que había sido secuestrada y forzada a prostituirse por una banda de delincuentes, y cuando consigue liberarse de sus captores este documental mexicano-español se transforma en un ejemplo que visualiza con poderosa atracción la esclavitud de nuestros días. De ello nace un viaje paralelo de introspección que quiebra el silencio acerca del abuso sexual de su familia y de su propia vida.


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  24. #2364
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Paso San Ignacio: memorias del desierto.

    Alejandro Lingenti.

    Paso San Ignacio / Dirección, guion, fotografía y producción: Pablo Reyero / Edición: Lucas Boran / Duración: 107 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    No fue fácil para Pablo Reyero -director de La cruz del sur, exhibida en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2003- llevar a cabo este documental que pone el foco en los descendientes de Juan Calfucurá, el principal cacique de la comunidad mapuche asentada al este de la Cordillera de Los Andes, un líder espiritual y político que tuvo la visión de organizar una confederación de tribus para oponerse a la Campaña del Desierto. Rodado a lo largo de tres viajes en los que tuvo que filmar sin luz, agua ni teléfonos celulares y acampar en un lugar inhóspito, el film está sostenido por la narrativa de los protagonistas y prescinde de recursos habituales en el género, como la voz en off y la música incidental, con la premisa evidente de que el punto de vista del realizador quede en el resultado final lo más difuminado posible.

    De ese modo, la película refleja con crudeza las sacrificadas historias de vida de los descendientes de aquellos aborígenes perseguidos por las milicias encabezadas por Julio Argentino Roca que pudieron ocultarse en cuevas y sobrevivir. También da cuenta de un cúmulo de creencias completamente alejadas de la lógica urbana. Un caso testigo: las políticas comunitarias de esta tribu salinera a la que también perteneció el popular beato Ceferino Namuncurá, nieto de Calfucurá, son establecidas a través de la interpretación de los sueños.


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  25. #2365
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Margen de error: recobrar el vértigo de la vida.
    Paula Vázquez Prieto.

    Margen de error(Argentina/ 2019) / Guión y dirección: Liliana Paolinelli / Fotografía: Soledad Rodríguez / Edición: Lorena Moriconi / Elenco: Susana Pampín, Camila Plaate, Eva Bianco, Mónica Gonzaga, Victoria Carreras / Distribuidora: Primer Plano / Duración: 81 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Como en las clásicas piezas del malentendido, las que nutrían al cine de Éric Rohmer inspirado en la dramaturgia de Racine, la vida de Iris se ha tornado un laberinto imprevisible. La llegada de Maia, la hija de una amiga tucumana, despierta en esos días de intermitente convivencia un deseo inesperado. Su vida con Jackie y el perro Caruso era tan tranquila hasta entonces que hasta las fiestas sorpresa parecían programadas. Pero Iris quiere vivir algo, no le teme al vértigo de los acontecimientos sino a la monotonía de la vida, a los mismos sábados de bochas, al amor acostumbrado.

    Liliana Paolinelli demuestra que lo que había ensayado con humor y cierto tono agridulce en Lengua materna aquí encuentra su mejor forma. La precisa composición de los planos fijos permite insinuarnos esa mirada incompleta que conduce a Iris a confundir apariencia con verdad, y al mismo tiempo a soñar con la aventura de su vida.

    Como todas las mujeres de Paolinelli, que aquí cobran vida en pinceladas corales durante un cumpleaños o un juego de cartas, Iris nunca deja de moverse, de sortear ataduras, de confiar en una búsqueda incesante hacia donde quiera que la dirija. Y Susana Pampín la viste de una fascinante desorientación para afirmar la filiación con la comedia y para combinar de manera excepcional el humor con esa conciencia del paso del tiempo que asoma en su interior.


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  26. #2366
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    Jueves 29 de agosto de 2019

    Shalom Taiwan: rabino en apuros de todo tipo.
    Diego Batlle.

    Shalom Taiwan(Argentina/2019) / Dirección: Walter Tejblum / Guión: Santiago Korovsky y Walter Tejblum / Fotografía: Massimo Ruggieri y Roman Kasseroller / Música: Sebastián Escofet / Edición: Javier Favot / Elenco: Fabián Rosenthal, Mercedes Funes / Distribuidora: Digicine / Duración: 85 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Walter Tejblum, director del documental Malka, una chica de la Zwi Migdal, debuta en la ficción con una comedia sobre las desventuras de un rabino porteño que viaja por el mundo (primero a Nueva York y luego a la Taiwan del título) en busca de donaciones que le permitan sostener el templo y la institución a su cargo.

    Aarón (Fabián Rosenthal) se ha endeudado para llevar adelante ambiciosos proyectos para su comunidad, pero Suárez (Carlos Portaluppi), un despiadado financista que quiere hacerse del predio, le exige un pago que él no está en condiciones de cancelar. Tras sus fracasos iniciales en Brooklyn, le aseguran que en Taiwan podría conseguir los fondos necesarios y hacia esas exóticas tierras se dirige el entusiasta protagonista en medio de crecientes tensiones con su esposa, Laila (Mercedes Funes).

    El cine nacional reciente parece fascinado por distintas zonas de Asia (50 Chuseok, De acá a la China), y en este caso retrata las desventuras de un argentino suelto en Taipei con una apuesta que en un principio maneja con unos cuantos hallazgos ciertos tópicos recurrentes del humor judío, pero luego empieza a abandonar de forma progresiva el foco en la comedia de enredos y la obsesión por el dinero para concentrarse más en lo afectivo con un vuelta de tuerca de fuerte implicancia sentimental que desemboca en un desenlace correcto, pero con resultados más convencionales y menos estimulantes de los que Shalom Taiwan prometía.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2282355
    Última edición por Amadel; 29-08-2019 a las 13:12:53

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    Viernes 30 de agosto de 2019

    "Anna": una historia dentro de otra y otra


    La nueva película de Luc Besson tiene a Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans y Cillian Murphy en el elenco
    NICOLÁS LAUBER

    Hellen Mirren es la entrenadora de Anna en la película de Luc Besson. Foto: Difusión

    Anna [***]

    Dirección y guion Luc Besson
    Con Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans y Cillian Murphy
    Duración119 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Anna es otra de las mujeres fuertes y de armas tomar de Luc Besson, el director francés que forma una trilogía iniciada con Nikita y seguida con Lucy. Y en esa línea de chicas hermosas, que esconden algún secreto y desconocen su potencial, Anna tiene un diferencial: una trama mucho más entreverada (hay que estar atentos para no perderse detalles) respecto a las películas previas del director de El quinto elemento.

    Ella es más parecida al personaje de Viuda Negra, no solo por su origen, sino también porque es una asesina a sueldo bastante feroz.
    Seguramente Besson, quien también firma como guionista, se inspiró en las mamushkas (esas muñecas rusas que esconden en su interior otra muñeca más chica) para la trama. Porque Anna se centra en la chica del título, interpretada por Sasha Luss, a quien conocemos como una modelo, aunque su historia no es tan sencilla.
    Ella vendía muñecas rusas hasta que la descubrió un caza talentos, integró la milicia, fue discípula de una gran espía (Hellen Mirren) y pasa su tiempo libre como asesina a sueldo. Eso hace que las potencias mundiales comiencen a disputarse su lealtad. Y como una historia dentro de otra, la lealtad de Anna irá cambiando, y la CIA y la KGB comenzarán a ponerse nerviosos.
    Con buenas peleas coreografiadas (que siempre le salen bien a Besson), las ciudades que aparecen tienen su protagonismo. Son apabullantes, ruidosas y un lugar donde hasta una hermosa modelo rubia puede pasar desapercibida para poder cumplir su misión.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/criti...-historia.html
    Última edición por Amadel; 10-09-2019 a las 01:37:41

  28. #2368
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    Miércoles 4 de septiembre de 2019

    It: Capítulo dos, la Avengers del cine de terror.
    Diego Batlle.

    It - Capítulo dos (It: Chapter Two, Estados Unidos-Canadá/2019) Dirección: Andy Muschietti Guion: Gary Dauberman, basado en la novela de Stephen King Fotografía: Checco Varese Edición: Jason Ballantine Música: Benjamin Wallfisch. Elenco: James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader, Isaiah Mustafah, Jay Ryan y Bill Skarsgård. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 169 minutos Calificación: Apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Tras una primera entrega de "apenas" 135 minutos y 35 millones de dólares de presupuesto estrenada hace dos años, el cierre de It duplicó el costo de producción, incorporó un elenco de figuras de primera línea (James McAvoy, Jessica Chastain y Bill Hader, entre otros, se suman al Pennywise de Bill Skarsgård) y tiene una duración insólita (169 minutos) para los estándares actuales del género. En ese sentido, y más allá de algunas buenas dosis de sustos, humor negro, tensión y estallidos de sangre, podríamos definir a It - Capítulo dos como "la Avengers del cine de terror" por su despliegue de recursos, la gran cantidad de personajes centrales, las múltiples capas narrativas y la permanente búsqueda de la espectacularidad.
    Esa grandilocuencia, esa necesidad de provocar impactos y generar estímulos constantes, es a la vez uno de los mayores atractivos y uno de los principales problemas de la propuesta: la mayoría de las escenas analizadas de forma independiente tienen sus hallazgos y en varios casos incluso están muy bien construidas, pero la tendencia a la acumulación a veces un poco caprichosa también puede distraer o incluso irritar. Es que, más allá del respeto al espíritu y la lograda transposición de muchos aspectos de la novela de Stephen King, sus 169 minutos no se justifican demasiado.

    El director argentino se da todos los gustos (incluidos cameos del mismísimo Stephen King, Peter Bogdanovich, Xavier Dolan y el suyo), pero hay algo de regodeo presuntuoso, de una declamación de autoimportancia en un corte final de semejantes dimensiones. Ambientada en 2016 (27 años después de los sucesos narrados en la primera parte), este cierre nos presenta a aquellos siete niños de 1989 en sus versiones adultas. Mike (Isaiah Mustafa) es el único que se ha quedado en Derry, Maine, trabajando en la biblioteca, mientras que Richie (un extraordinario Bill Hader), Eddie (James Ransone), Bill (James McAvoy), Beverly (Jessica Chastain), Stanley (Andy Bean) y Ben (Jay Ryan) han intentado rearmar sus vidas y superar aquellos traumas infantiles. Pero, claro, Pennywise reaparece (también recargado tanto en inteligencia como en violencia) y Mike los convencerá de regresar al pueblo.

    Desde entonces, Andy Muschietti pendula no siempre con igual eficacia y fluidez entre el presente de los adultos y los flashbacks con las desventuras de los mismos personajes del Club de los Perdedores en sus instancias preadolescentes. Más allá de cierto trazo grueso psicológico, y de sus excesos y desniveles (narrativos), It: Capítulo dos no defraudará a los fans del universo literario de King. Hay escenas para todos los gustos: desde un parque de diversiones hasta momentos de corte surrealista y tono alucinatorio elaborados con sofisticados efectos visuales. Para Muschietti, además, es la confirmación de que puede lidiar no solo con una ambiciosa estructura coral sino también con múltiples estrellas que se vieron obligadas esta vez a compartir su protagonismo. Su carrera en Hollywood, sin dudas, continúa en ascenso.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2284530
    Última edición por Amadel; 04-09-2019 a las 22:17:49

  29. #2369
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    Jueves 5 de septiembre de 2019

    Paternal: del barrio a Jerusalén.

    Adolfo C. Martínez.

    Paternal

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En el barrio que da título a la película nació Adolfo Roitman, un antropólogo que, tras emigrar a Israel en 1987, tiene como misión custodiar los llamados rollos del Mar Muerto, una de las versiones más antiguas de las Escrituras que se conocen, escritos en pieles animales y guardados en ánforas por el pueblo esenio en las cuevas de Qumran, hace más de dos mil años, donde fueron hallados en 1947.

    Roitman, guardián y exégeta de las reliquias desde 1994 -están albergados en Jerusalén- que utiliza además como instrumento para buscar la concordia de los pueblos, es el eje del relato del director Eduardo Yedlin. Enfatizando el mensaje universal de amor y tolerancia de estos documentos, y el increíble periplo vital de su sujeto, el documental plantea un cálido retrato de una vocación indestructible.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2284603

  30. #2370
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    Jueves 5 de septiembre de 2019

    Amante fiel: encanto y sabiduría amorosa.

    Javier Porta Fouz

    Amante fiel (L'homme Fidèle, Francia/2018) / Dirección: Louis Garrel / Guion: Jean-Claude Carrière / Fotografía: Irina Lubtchansky / Edición: Joëlle Hache / Música: Philippe Sarde / Elenco: Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily-Rose Depp, Joseph Engel / Distribuidora: Mont Blanc / Duración: 75 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    En los ochenta, cuando las comedias francesas no eran un consumo de minorías casi esotérico y podían llegar a estar entre las diez más vistas del año, una película como Amante fiel podría haber sido un estreno masivo, de esos que se recomendaban con seguridad y con alegría. Hoy en día, seguramente, llegará a un circuito reducido de salas y de público. Y es una lástima, porque el encanto y la gracia son bienes poco frecuentes. Y aun menos frecuente es hacer una comedia romántica en la senda de François Truffaut y triunfar en el intento, en el tono, en la conmovedora confianza en el amor como tema. Y todo eso, además, Louis Garrel lo hace en el triple rol de director, actor y coguionista (el otro es Jean-Claude Carrière, nada menos).

    La figura dinámica de Amante fiel es la del triángulo, la que Truffaut usó en Las dos inglesas y el continente (un hombre, dos mujeres), y en Jules y Jim (una mujer, dos hombres). En Amante fiel Abel (Garrel) quiere a Marianne (Laetitia Casta), pero ella se decide por el mejor amigo de él. Y la vida continúa, pero el amor y sus tribulaciones siguen sus caminos. Y Garrel filma -como Truffaut- gente que corre, y niños, y piernas, y cementerios. Y citamos todo el tiempo al inolvidable Truffaut, pero Amante fiel no es una película imitativa y mortuoria; es una propuesta vital, convencida de que recuperar las tradiciones más nobles es el primer paso para emocionar con las mejores armas, esas a las que Garrel suma su mirada entrañable y siempre un poco fuera de este mundo, ubicada en un lugar más encantador.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2284602
    Última edición por Amadel; 05-09-2019 a las 13:11:55

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