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Tema: Críticas de películas

  1. #2551
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    Jueves 16 de enero de 2020

    La hora de tu muerte: Suspenso con sentido del humor.
    María Fernanda Mugica

    La hora de tu muerte /Título original Countdown (EE.UU., 2019) / Dirección y guión: Justin Dec / Fotografía: Maxime Alexandre / Elenco: Elizabeth Lail, Jordan Calloway, Talitha Bateman, Peter Facinelli / Distribuidora: Diamond / Duración: 90 minutos / Calificación: Apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    La muerte acecha desde una aplicación para teléfonos celulares. El concepto de La hora de tu muerte contiene lo peor y lo mejor de este tipo de producción de terror de presupuesto modesto. Por un lado, es original y genera intriga. Por otro, es una clara explotación de una cuestión que está de moda y que envejecerá a la película de forma muy rápida.

    Al menos el guionista y director Justin Dec parece ser consciente de las limitaciones de su film. Por eso se dedicó a construir muy bien el suspenso y mantener cierto sentido del humor para contar una historia bastante delirante. Quinn, una joven enfermera, baja en su teléfono una aplicación que promete informar al usuario de la hora exacta de su muerte. Pero mientras a sus compañeros del hospital el conteo les muestra que les quedan varias décadas de vida, a ella le advierte que sólo faltan unos días para dejar de existir.

    La narración de la búsqueda de Quinn para cambiar el destino que la aplicación le anuncia está poblada de vueltas de tuerca ingeniosas, en especial una que tiene que ver con la aceptación ciega de los términos y condiciones, y otras que no lo son tanto. La trama cuenta con personajes graciosos, como un cura especialista en demonios y fanático del hip hop. Pero también tiene momentos con un dramatismo demasiado cliché. Por todo lo entretenida que resulta, gracias al suspenso y la comedia, no consigue lograr un verdadero clima de terror.


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  2. #2552
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    Jueves 16 de enero de 2020

    Largo viaje hacia la noche: la idea inalcanzable de recuperar el pasado.
    Hernán Ferreirós.

    Largo viaje hacia la noche /Long Day's Journey Into Night (China 2018)Dirección: Bi Gan. Intérpretes: Jue Huang, Wei Tang, Sylvia Chang. Duración: 138 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente.

    "¿Sabes cómo salir de este laberinto?" le pregunta Luo (Jue Huang) al chico con el que está soñando. Para los espectadores, el laberinto no solo es el túnel en el que se encuentra el personaje sino también la hora de película que acabamos de ver, en la que líneas narrativas del presente y el pasado se cruzan sin un orden ni una dirección evidentes.

    "Si me ganás al ping-pong te lo digo", responde el chico. Un rato más tarde, esta negociación se repite. "Los dejo ir si metés el tiro en la buchaca", dice Luo después de doblegar violentamente a unos punkies en un billar. Podemos imaginar que estos desafíos se extienden a los espectadores. La película nos está proponiendo no solo una estética sino también una ética: hay recompensa pero no es gratuita, requiere un esfuerzo.

    Largo viaje hacia la noche (ninguna relación con la obra homónima de Eugene O’Neill, el título original en mandarín es Últimos atardeceres en la Tierra, que tampoco tiene nada que ver con el cuento de Roberto Bolaño) es una película ardua, que se resiste a entregarnos sus sentidos y nos pide un trabajo a cambio. Está armada como un díptico: la primera parte, que dura poco más de una hora, es fragmentaria, agresivamente no lineal, combina escenas actuales y recordadas como un rompecabezas revuelto; la segunda parte es su opuesto, una línea recta, un plano secuencia de 59 minutos, en el que la cámara sigue en tiempo real al protagonista a lo largo de un sueño (en la versión para las salas de cine, esta parte se ve en 3D).


    Durante el primero de los segmentos de este film noir multicolor, Luo regresa a la ciudad de Kaili por el funeral de su padre. Allí recupera la fotografía oculta en un reloj detenido, de una mujer que fue su amante 18 años antes. Se propone reencontrarla. También recuerda su amistad con Gato Salvaje, trágicamente muerto, y a su madre que lo abandonó. Aleatoriamente, vamos descubriendo a Wan Qiwen (Wei Tang), la mujer de la foto: le regaló a Luo un libro verde con un conjuro que hace girar las paredes, era la amante de un gánster devoto del karaoke, disfrutaba de comer pomelos y desapareció el día que iban a escapar juntos.

    La película deja señales y simetrías para orientarnos en el relato, como un conjunto de instrucciones para armar el rompecabezas, pero es imposible detectarlas a todas en el primer visionado. Por ejemplo, una escena nos muestra un carro minero con un joven muerto (intuimos que es Gato Salvaje) y un as de pique sobre las vías; tiempo después, el protagonista entra a un cine y apunta con un arma a un espectador. En el bolsillo de su camisa blanca, apenas translúcida, se adivina el mismo naipe: solo este tenue signo conecta ambas escenas y nos revela que se trata de una venganza.

    Los colores encendidos y las luces de neón hacen pensar en Wong Kar wai. El tiempo en la herrumbre y el desgaste de las cosas, los planos que recorren el suelo para revelar sedimentos del pasado, la lluvia dentro de las habitaciones y hasta un vaso que atraviesa una mesa (igual que en Stalker) vienen de Tarkovski. La película combina el lirismo romántico de uno con la meditación sobre la transitoriedad de otro. El agua, emblema de lo transitorio, cubre todo. El protagonista quiere recuperar el pasado (la foto de su amante en el reloj quieto) en un mundo líquido de cambio imparable. Como en las películas de David Lynch, este deseo irrealizable solo se puede alcanzar dentro de un sueño.

    Al promediar el film, Luo entra a un cine y acto seguido se encuentra en una mina, luego recorriendo un túnel en moto, luego en el aire en una precaria aerosilla: los movimientos de la cámara que lo sigue fluyen como el agua. Ya abandonamos la ciudad de la memoria para ingresar a un paisaje onírico: el cine como sueño colectivo.

    Esta segunda parte, el mencionado plano secuencia de una hora vuelve a lo que aprendimos de este personaje, aunque, como en todo sueño, se muestra transformado: su amigo muerto Gato Salvaje vive como un niño; su madre, a la que ayuda a huir con su amante, tiene el pelo rojo y la cara de otra mujer, y aparece una doble de Wan Qiwen, llamada Kaizhen, quien dice que abandonará a su novio cuando obtenga pomelos en una máquina tragamonedas. Citas y reenvíos arman una red que une lo que parecía disperso. Luo y Kaizhen sobrevuelan mágicamente la ciudad como en el cuadro de Chagall y llegan a una prisión abandonada, una suerte de inframundo, donde hay una kermese poco concurrida y un karaoke y una casa quemada en la que los amantes se reencuentran y el conjuro para hacer girar las paredes funciona (todo esto es parte del mismo plano secuencia magistral, imposible).

    Esta es una película divisiva (en el casillero dedicado al género, Netflix pone, en una enumeración de categorías casi borgeana: "Film noir, drama, confusa.") que puede ser considerada intolerablemente lenta para los tiempos de Avengers (aunque se podría disputar, secuencia a secuencia, cuál de las dos es más confusa) y vanamente exhibicionista, un desfile de técnicas e influencias usadas como contraseñas para entendidos. Quien ponga el esfuerzo para descifrar sus enigmas y se deje interpelar por su lirismo y su temporalidad reflexiva, el tiempo de superhéroes como Hou Hsiao Hsien y Tarkovski (es imposible hipnotizar a alguien en seis segundos), encontrará una película cautivante, destinada a vivir largamente en la memoria. Es apenas el segundo trabajo de Bi Gan, un realizador autodidacta de 29 años y un talento a tener bajo observación.


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  3. #2553
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    Jueves 23 de enero de 2020

    El huevo del dinosaurio: el arte de mostrarse al mundo.
    Adolfo C. Martínez

    El huevo del dinosaurio

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En un taller barrial un grupo de jóvenes, la mayoría de ellos con síndrome de Down, se dedica con pasión a la pintura. La directora Josefina Recio sigue con su atenta cámara el día a día de esos protagonistas, que descubren en cada pincelada sobre la tela la necesidad de ser libres, expresar sus deseos, temores y creencias en un mundo que los atenaza, muchas veces negándoles su interioridad y, al mismo tiempo, les deja lugar para sus sueños y para comprender a quienes se encuentran a su lado.
    En contraposición a los cuadros surrealistas que suelen pintar buena parte de los integrantes del taller, el grupo deja lugar para la risa y para la ternura.


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  4. #2554
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    Jueves 23 de enero de 2020

    Los poseídos: el poder de los libros prohibidos.
    Alejandro Lingenti.

    Los Prohibidos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena
    En el área de Colecciones Especiales de la Biblioteca del Congreso de la Nación se conservan libros prohibidos durante cada gobierno de facto de la historia argentina. En los períodos democráticos, ese material suele ser exhibido al público a través de muestras supervisadas por especialistas como Silvana Castro, protagonista clave de este documental, cuyo punto de partida es la suspensión de esa tradición en 2016. Pero el alcance de la película es más amplio e incluye imágenes de marchas de trabajadores, discusiones en el Parlamento y represión a manifestantes, para trazar un mapa posible de la noción de censura y de la agitada coyuntura nacional.


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  5. #2555
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    Jueves 23 de enero de 2020

    Dolittle: reciclaje pobre e innecesario.
    Diego Batlle

    Dolittle (Estados Unidos/2020). Dirección: Stephen Gaghan / Guion: Stephen Gaghan, Dan Gregor, Doug Mand y Chris McKay. Fotografía: Guillermo Navarro / Edición: Craig Alpert Música: Danny Elfman / Elenco: Robert Downey Jr., Harry Collett, Antonio Banderas, Michael Sheen. Distribuidora: UIP (Universal) / Duración: 101 minutos / Calificación: apta para todo público.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Mala

    En medio de la compulsión de Hollywood a resucitar una y otra vez personajes que alguna vez han sido populares, el regreso a la pantalla grande del doctor John Dolittle, ese veterinario capaz no solo de curar sino de comunicarse con animales parlanchines, surge como uno de los ejercicios de reciclaje más pobres, fallidos e innecesarios que se recuerden.

    Creado por Hugh Lofting en 1920, Dolittle apareció en libros, musicales, series y -claro- películas protagonizadas por Rex Harrison, Eddie Murphy y ahora por Robert Downey Jr. Cabe indicar que esta saga, en sus regresos cinematográficos en las décadas de 1990 y 2000, nunca había alcanzada un nivel artístico superlativo, pero incluso en sus entregas más mediocres jamás había caído tan bajo como ahora.

    El director Stephen Gaghan (Sin rastro, Syriana, El poder de la ambición) construye un relato torpe, sin fluidez ni gracia, con un festival de sobreactuaciones (empezando por el propio Downey Jr.), animales digitalizados que no resultan demasiado simpáticos ni entrañables y una historia de aventuras en la que Dolittle (aún atormentado por la muerte de su esposa) debe viajar acompañado por Tommy Stubbins (Harry Collett), un entusiasta adolescente que funcionará como aprendiz y discípulo, para encontrar el mágico fruto del Árbol del Edén en una isla protegida por un dragón y así salvar a la reina de Inglaterra que agoniza luego de haber sido envenenada en la Corte.

    Cuesta entender (y duele ver) que valiosos actores como Antonio Banderas (nominado al Oscar por su extraordinario trabajo en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar), Michael Sheen o Jim Broadbent hayan aceptado semejante despropósito audiovisual (seguramente los generosos cheques habrán servido para convencerlos), pero mucho más aún que el film tenga errores de continuidad (en una escena clave Dolittle tiene la camisa completamente manchada y en el plano siguiente la misma luce impecable) que serían imperdonables hasta en una producción amateur. ¿La magia del cine? No, la desidia de unos artistas que arruinaron un personaje querido por grandes y chicos en una película anodina y deslucida.

    Nota final: En la versión subtitulada se escuchan las voces originales de -nada menos- Emma Thompson, Rami Malek, Ralph Fiennes, Frances de la Tour, Selena Gomez, Tom Holland, Kumail Nanjiani, Craig Robinson, Marion Cotillard, Octavia Spencer y John Cena dando vida a distintos animales. Uno se sentiría tentado a afirmar que ellos salvan la película, pero ante las múltiples inconsistencias de la propuesta ni siquiera eso termina sucediendo.


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  6. #2556
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    Jueves 23 de enero de 2020

    La posesión de Mary: apenas una aburrida excursión.
    Paula Vázquez Prieto.

    La posesión de Mary (Mary, Estados Unidos/2019).Dirección: Michael Goi / Guion: Anthony Jaswinski / Fotografía: Michael Goi / Edición: Jeff Betancourt /Elenco: Gary Oldman, Emily Mortimer, Manuel García-Rulfo, Stefanie Scott, Chloe Perrin, Owen Teague / Distribuidora: BF Distribution / Duración: 85 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Un barco puede ser el lugar ideal para una película de terror. No hay exterior hacia donde escapar, el océano resulta el límite absoluto de todos los miedos. En Yo caminé con un zombie (1943), un viaje en barco era el prólogo del horror de la isla: "Todo le parece hermoso porque no lo comprende. Esos peces voladores no viven felices, saltan de terror porque el pez mayor se los quiere comer", anunciaba el lúgubre navegante. En Terror a bordo (1989), el mar también se convertía en el escenario de la locura, prisión única de pasiones desatadas.

    Pero La posesión de Mary nunca aprovecha la inmensidad del agua ni la superstición de los marineros para alimentar las angustias de una familia que decide embarcarse en un viejo yate hacia las Bermudas. Anunciado como el inicio de una nueva vida para los Greer (Gary Oldman y Emily Mortimer, totalmente desaprovechados) y sus dos hijas, el viaje se convierte en el despertar de viejas maldiciones y conjuros de brujas resentidas que la película adosa al relato como la excusa perfecta para estridencias musicales, pisadas misteriosas o planos caprichosamente inclinados.

    El director Michael Goi no logra trascender desde la puesta en escena el pobre argumento –plagado de giros entre absurdos y previsibles–, ni definir una atmósfera inquietante y opresiva; apenas salpica de ansiedad el derrotero dramático de sus personajes y convierte en una excursión aburrida ese salvaje crucero que prometía ser más interesante.


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  7. #2557
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    Jueves 23 de enero de 2020

    Parasite: del humor negro al terror, una obra provocativa que refleja el clima de época.
    Marcelo Stiletano

    Parasite (Gisaengchung, Corea del Sur, 2019). Dirección: Bong Joon-Ho. Guion: Bong Joon-Ho y Jin Won-Han. Fotografía: Kyung-pyo Hong. Edición: Jinmo Yang. Música: Jaeil Jung. Elenco: Song Kang-Ho, Lee Sun-Kyun, Cho Yeo-Jeong, Choi Woo-Shik, Park So-Dam, Lee Jung-Eun, Chang Hyae-Jin. Duración: 132 minutos. Distribuidora: Impacto. Calificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Las seis nominaciones al Oscar obtenidas por Parasite ya constituyen un éxito histórico, más allá de los eventuales resultados que la película consiga en la noche del 9 de febrero. Pero a la luz de lo que está ocurriendo esas candidaturas pueden resultar apenas un anticipo de lo que muchos ya imaginan como una noche única para la película y para el cine de Corea del Sur.

    Hoy, buena parte de los analistas y los observadores más agudos de la actualidad hollywoodense y, en especial, de lo que ocurre en cada temporada de premios le adjudican a Parasite muy fundadas posibilidades de llevarse la recompensa mayor (el Oscar a la mejor película) por primera vez en la historia en el caso de una producción realizada fuera de los Estados Unidos, además de tener casi asegurada la estatuilla a la mejor película internacional de este año. Podría explicarse que tarde o temprano ocurriría algo así porque la Academia de Hollywood se está convirtiendo en una institución globalizada en todo sentido, pero lo notable es el entusiasmo que Parasite está despertando cada vez con más fuerza entre los propios votantes del Oscar de origen estadounidense.

    Ese fervor encuentra varios fundamentos muy notorios en la nueva película de un realizador consagrado desde hace mucho tiempo en el circuito cinéfilo internacional. Después de Snowpiercer y Ojka, Bong Joon-Ho construye aquí un poderoso e intenso cruce de géneros, temáticas y observaciones que se agigantan y adquieren pleno sentido conforme avanza un relato lleno de riquísimos detalles.

    Parasite es un film que responde a un clima de época sin mostrar un ápice de oportunismo. El vínculo entre la familia que sobrevive como puede en un barrio de clase baja y encuentra, de a poco, el modo de vampirizar a otra familia de vida holgada queda expuesto y desarrollado a partir de una puesta en escena que va desplegando, en paralelo con ese "copamiento", un esquema narrativo riguroso y completamente original.

    Hay aquí crítica social, humor negrísimo, melodrama, filosos toques de comedia y una mirada agudamente crítica hacia la conducta humana que en términos políticos nunca adquiere el perfil de una declaración. Lo más atrayente de esta obra provocativa y llena de virtuosas e inesperadas vueltas de tuerca aparece en aquellos momentos en los que todo lo que parecía encaminado se transforma en error, crisis y conflicto. Allí afloran la violencia y el terror ante una cámara que bascula entre diferentes escalones (tangibles y simbólicos) ocupados por seres humanos que estallan cuando sus miserias quedan a la vista. No hay fisuras ni en la puesta ni en el desempeño del elenco, en una obra que perdurará en la memoria mucho más allá del final.


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    Última edición por Amadel; 04-02-2020 a las 16:01:54

  8. Los siguientes usuarios agradecen a Amadel por este tema:


  9. #2558
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    Lunes 27 de enero de 2020

    Mike Leigh ofrece un riguroso retrato de la masacre de Peterloo.

    Paula Vázquez Prieto.

    Peterloo (Gran Bretaña, 2018). Guion y dirección: Mike Leigh. Fotografía: Dick Pope. Montaje: Jon Gregory. Elenco: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Moorst, Karl Johnson, Neil Bell, Philip Jackson, Alastair Mackenzie. Duración: 154 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    Mike Leigh construye el más exacto de los puentes entre las cenizas humeantes del triunfo de la Restauración en Waterloo yla masacre de la plaza St. Peter’s Field en Manchester, en un territorio signado por distancias que convergen en una sola, escenario de la injusticia, la arrogancia y el rostro más absurdo de los males. El rigor y la efectividad del retrato que propone Leigh no podía haber sido más desolador: sostenido en ese brutal contraste entre una aristocracia encerrada en sus privilegios y un pueblo marcado por la hambruna y la indiferencia del poder, el encuentro en esa plaza convertida en campo de batalla no podría haber sido más desigual.


    Mike Leigh hace años que se ha alzado como el discreto cineasta de las causas justas en el panorama inglés, sin la consciente hoja de demandas que agita su colega Ken Loach, más afecto a la franca emotividad que inspiran sus personajes desplazados y a la complejidad con la que suele establecer los vínculos personales y sociales en sus ficciones. En Peterloo, película que este mes estrena en streaming Amazon Prime Video, el interés consiste en mirar de frente aquel episodio de cobardía e ignominia que persiste en el pasado inglés, revelando sus aristas conocidas bajo una luz directa y severa, que solo su estilo puede conseguir.

    Cuando Joseph regresa a casa, marcado por las heridas de Waterloo, encuentra en su familia el hambre y el desasosiego. El triunfo del duque de Wellington y el orgulloso reinado de locura del rey Jorge, comandado bajo la tiranía grotesca de su heredero, no tienen espejo alguno en el pueblo. Lentamente Leigh abre su mirada a la agitación que atraviesa a Inglaterra, y que encuentra en Manchester la justa causa del sufragio universal. En 1819 varias regiones del país no tenían representación en la Cámara de los Comunes y las voces del reformismo se hacían escuchar en los diarios, los bares y las calles. Distintos grupos se reúnen, agitan fervores en mitines, convocan a una marcha conjunta en el corazón de la ciudad industrial que, sin saberlo, albergará la matanza.

    El cuidado de Leigh para con sus personajes es evidente en la presencia de sus peores miserias: la soberbia del orador Henry Hunt (siempre impecable Rory Kinnear), la ridícula verba del reverendo Ethelson, la aristocrática superación del general John Byng. Cada uno de ellos sintetiza los contraluces de una clase sin perder carnadura ni humanidad. Y Leigh delinea cada una de sus escenas con esa extraña poética que define su cine, aireando el espíritu de cuadros campestres y acciones brutales, haciendo de la vergonzosa redada del final, la mirada obligada que toda conciencia debe atesorar para siempre.


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  10. #2559
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    Jueves 30 de enero de 2020

    La casa de Argüello: las heridas del pasado en cuatro generaciones de mujeres.
    Alejandro Lingenti

    "La casa de Arguello"


    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    El doloroso pasado familiar de la directora de este emotivo documental es reconstruido a través de una investigación que hilvana crudos testimonios de la violencia, material de archivo atesorado durante años y, sobre todo, el influjo poderoso de la figura de Nelly Ruiz de Llorens, maestra santiagueña que se sumó a Madres de Plaza de Mayo para reclamar por sus dos hijos desaparecidos durante la última dictadura militar y se transformó muy pronto en una incansable militante por los derechos humanos.

    La película alumbra la historia de cuatro generaciones de mujeres marcadas por la agitada vida política argentina de aquellos años con sobriedad, firmeza y valentía, al tiempo que plantea nuevos interrogantes sobre un relato que sigue sin clausurarse.


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  11. #2560
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    Jueves 30 de enero de 2020

    Los payasos: una película, un festival y un viaje en el que nada es lo que parece.

    María Fernanda Mugica

    "Los payasos"

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Esta película de Lucas Bucci y Tomás Sposato incursiona en el aspecto menos glamoroso del mundo del cine con una "docuficción" en la que los dos realizadores y el actor Jerónimo Freixas filman su viaje a presentar un cortometraje en un festival de Florianópolis, en el que nada sale como esperan.

    El foco sobre una foto de Orson Welles, cuya F de falso es una obra maestra del juego entre la realidad y la ficción, resulta una declaración de principios. Acá también los límites entre ambas son poco claros: los datos reales se mezclan con situaciones creadas para generar comedia, con buenos resultados.

    El humor es el fuerte de Los payasos, pero también es atractivo el planteo de varias cuestiones de la realización cinematográfica, como las decepciones creativas y de recepción de la obra; además de las dificultades para definir qué se quiere contar y encontrar el cómo.


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  12. #2561
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    Jueves 30 de enero de 2020

    Rumbo al mar: padre e hijo, en una despedida melancólica y crepuscular.
    Alejandro Lingenti.

    "Rumbo al mar"

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Después de enterarse por un diagnóstico clínico de que apenas le queda un mes de vida, Julio decide emprender con su hijo un viaje en moto desde Tucumán hacia Mar del Plata. El objetivo, más que escuchar de cerca el ruido de las olas, es vivir una última experiencia que los una, llevar adelante juntos un recorrido cargado de recuerdos y sazonado con un humor ligero, necesario para quitarle peso y solemnidad a ese momento crucial.

    Aun cuando tropieza con algunos lugares comunes, la película contagia todo el tiempo la calidez del vínculo entre Federico y Santiago Bal, fallecido antes de su estreno.

    Los protagonistas interpretan personajes delineados previamente en un guion, claro. Pero hay mucho de la verdadera relación familiar que tiñe a la ficción de un tono melancólico y crepuscular.


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  13. #2562
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    Jueves 30 de enero de 2020

    Espías a escondidas: casi como un Bond familiar.
    Adolfo C. Martínez.

    Espías a escondidas (Spies in Disguise, EE.UU./2019) / Dirección: Nick Bruno y Troy Quane / Guion: Brad Copeland y Lloyd Taylor, basado en el cortometraje Pigeon, de Lucas Martell / Música: Theodore Shapiro / Distribuidora: 20th Century Fox / Duración: 102 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Cuando un malvado pone al mundo en peligro, Lance Sterling, el mejor superespía del mundo, decide asociarse con Walter, un adolescente capaz de inventar los artefactos más extraños para luchar contra el crimen. El objetivo de ambos es destruir el poder de ese siniestro asesino dispuesto a apoderarse de todo ser viviente de la Tierra, y así ambos pondrá en juego un astuto plan: Walter convertirá a Lance en paloma y el dúo comenzará a vivir una serie de aventuras y desventuras en las que, como en las historias de James Bond, veloces autos y complicadas fórmulas que fijan sus ojos en los malos de turno convierten a este dibujo animado en un sabroso plato lleno de acción y de suspenso.

    En su debut como directores, Nick Bruno y Troy Quane apostaron a llevar a la pantalla una fórmula en la que nada falta para entretener a grandes y a chicos. Desde el momento en que aparece en escena el valiente espía hasta su sociedad y amistad con ese Walter al que le faltan habilidades sociales (que compensa con gran inteligencia e inventiva), la trama no desfallece hasta un inesperado final.

    El film, presentado tanto con subtítulos como hablado en español, posee en el diseño de sus personajes y en los lugares que ellos recorren una gran calidad, apoyada por una música que realza la tarea de ese espía y de su compañero de alocadas andanzas.


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  14. #2563
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    Jueves 30 de enero de 2020

    1917: virtuosismo y emoción para contar el horror.

    Diego Batlle

    1917 (Reino Unido-EE.UU./2019) / Dirección: Sam Mendes / Guion: Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns / Fotografía: Roger Deakins / Edición: Lee Smith / Música: Thomas Newman / Elenco: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Colin Firth y Benedict Cumberbatch / Distribuidora: UIP (Universal) / Duración: 119 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    ¿Qué tienen en común La soga, del inglés Alfred Hitchcock; El arca rusa, del ruso Alexander Sokurov; Victoria, del alemán Sebastian Schipper, y Birdman, del mexicano Alejandro González Iñárritu, con 1917? Todas están construidas en un único plano secuencia, sin cortes evidentes (aunque queda claro que hay "empalmes" en momentos en que la cámara ingresa a zonas oscuras o a través de efectos digitales concebidos en la posproducción).

    Más allá del indudable virtuosismo artístico (un tour de force para el camarógrafo y sus colaboradores, para el director de fotografía y, claro, para los actores), la idea es trascender el mero prodigio técnico (que es real y merece el aplauso) para transmitir al espectador la sensación más pura, directa, creíble, inmersiva (y menos manipulatoria posible) de la experiencia cinematográfica.

    Este dispositivo encuentra justificación y sentido en la propuesta que el coguionista y director británico Sam Mendes (el mismo de Belleza americana, Camino a la perdición, Soldado anónimo, Solo un sueño y un par de entregas de la saga de James Bond como Operación Skyfall y Spectre) hace en 1917: exponer en toda su dimensión y crudeza las traumáticas vivencias en el frente de batalla.

    La trama es muy sencilla (dos jóvenes cabos ingleses deben cruzar líneas enemigas para evitar que un batallón que ha quedado incomunicado realice un ataque en medio de una trampa preparada por los alemanes que podría desembocar en la masacre de 1600 soldados), pero esta verdadera odisea tendrá más de un obstáculo (explosivos escondidos, bombas, disparos enemigos, duelos cuerpo a cuerpo) y varias vueltas de tuerca que es mejor no adelantar.

    Si bien hay intérpretes consagrados en papeles secundarios (desde Mark Strong hasta Richard Madden, pasando por Colin Firth y Benedict Cumberbatch), son Dean-Charles Chapman y George MacKay quienes cargan con absoluta convicción el peso dramático de la historia como estos dos soldados comunes obligados a vivir circunstancias extraordinarias.

    Algunos han minimizado los logros de 1917 definiéndolo como una suerte de videojuego arty en el que los personajes se limitan a superar etapas. Pero este film -nominado a diez premios Oscar- resulta bastante más que eso: es una exploración física y psíquica, con un grado de inmediatez, de urgencia, de precisión y de intimidad pocas veces visto, sobre las consecuencias devastadoras de la Primera Guerra Mundial.


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  15. #2564
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    Jueves 30 de enero de 2020

    Mujercitas: la versión definitiva de un clásico.
    Paula Vázquez Prieto

    Mujercitas (Little Women, Estados Unidos, 2019) / Dirección: Greta Gerwig / Guion: Greta Gerwig, basado en la novela de Louisa May Alcott / Fotografía: Yorick Le Saux / Edición: Nick Houy / Elenco: Saoirse Ronan, Florence Pugh, Emma Watson, Eliza Scanlen, Laura Dern, Timothée Chalamet, Meryl Streep / Distribuidora: UIP / Duración: 135 minutos / Calificación: apta para todo público con leyenda

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Una nueva adaptación al cine de un clásico literario tan leído y amado como Mujercitas no podía despertar más que una perfecta mezcla de entusiasmo y exigencia. Sobre todo porque al frente está Greta Gerwig, voz ejemplar de una generación de directoras que asoma con fuerza y personalidad en un escenario todavía dominado por varones. Que después de haber convertido sus recuerdos de adolescencia en una película entrañable como Lady Bird haya decidido releer los de mujeres de todo tiempo y lugar, que desde mediados del siglo XIX se han nutrido del coraje y la inventiva de Louisa May Alcott para afrontar sus penas y alegrías es el gran triunfo que su cine tiene para darnos.

    Mujercitas es la historia de la familia March, de las cinco mujeres que habitaron en la norteña ciudad de Concord mientras el padre peleaba en la Guerra de Secesión. En el retrato de las cuatro hermanas y la amorosa Marmee -unas temperamentales y audaces, otras pacientes y reflexivas-, Alcott recrea su propia vida con ese halo de imaginación y verdad que solo puede conseguir la gran literatura. Y Greta Gerwig es quien mejor ha entendido esa tensión entre ambos universos, el de la infancia idealizada y el del inicio de una adultez ceñida a deberes económicos y responsabilidades afectivas, iluminando las ideas que la novela insinuaba, mostrando con vital autoconciencia los dilemas de la mujer de entonces, que todavía hoy resuenan.

    Lo que convierte a esta versión en la definitiva, pese a los buenos recuerdos de la de George Cukor de los 30 y la de Gillian Armstrong de 1994, es la fuerza de su estructura, que desafía la cronología del texto para hacer dialogar a los dos tiempos de las March, quebrados por el crecimiento, guiados en ese vínculo por un montaje lúcido y una puesta en escena precisa e inteligente. Gerwig no solo consigue afirmar a la rebelde Jo (extraordinaria Saoirse Ronan) como alter ego de Alcott, en el descubrimiento y la perfección de su oficio como escritora, sino que engrandece al personaje de Amy (gran mérito de Florence Pugh), a quien eleva de la vanidad infantil a una medida sabiduría que consagra en cada una de sus escenas.

    Mujercitas demanda a sus espectadores una participación activa con la historia, tanto a los devotos como a los debutantes. Y lo hace con la sutileza de los artistas que son capaces de reinventar un mundo sin traicionarlo, de enraizar una obra de más de 150 años en el presente sin sacrificar el retrato de aquel tiempo, de poner en escena una voz ajena y a la vez encontrar la propia.


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  16. #2565
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    Viernes 31 de enero de 2020

    Diamantes en bruto es un viaje frenético y deslumbrante.

    Marcelo Stiletano.

    Diamantes en bruto (Uncut Gems, Estados Unidos/2019). Dirección: Benny Safdie y Josh Safdie. Guion: Benny Safdie, John Safdie y Ronald Bronstein. Fotografía: Darius Khondji. Edición: Ronald Bronstein, Benny Safdie. Música: Daniel Lopatin. Elenco: Adam Sandler, Idina Menzel, LaKeith Stanfield, Eric Bogosian, Julia Fox, Pom Klementieff. Duración: 135 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente

    Podríamos empezar con un equívoco. El de creer que Sam Mendes nos lleva en 1917 al corazón y a la esencia de lo que podríamos llamar "cine inmersivo". O, en otras palabras, la experiencia de llevar al espectador a meterse en la acción que nos muestra la pantalla. Acción que en estos casos siempre resulta intensa, frenética, agotadora porque no podemos apartarnos de los personajes, que están en constante movimiento. Estamos junto a ellos y nos movemos junto a ellos.


    Al lado de Diamantes en bruto, una demostración plena de que los hermanos Safdie son extraordinarios autores, lo de 1917 no puede escapar de los estrechos límites del videogame, como lo vienen advirtiendo sus detractores. Si hay una experiencia cinematográfica inmersiva de verdad es la que proponen aquí los Safdie, que alcanzan aquí la plenitud de un estilo ya claramente insinuado en sus obras previas, sobre todo Good Time, que ya tenía méritos de sobra.

    Aquí, los Safdie se superan. Diamantes en bruto es una carrera contra el reloj, contra el destino, contra todas las ansiedades posibles, que nunca se hace en línea recta. Estamos todo el tiempo al lado de la cabeza, el corazón palpitante y la voz incansable de Howard Ratner, un joyero del Diamond District neoyorquino que siempre está en deuda con alguien y a la vez siempre le está prometiendo a alguien más cosas que lo superan, que están fuera de su alcance. Ratner es un empresario hiperkinético que cree en el poder de superar las adversidades con el simple hecho de huir hacia adelante y que confía en su propio grial: una enorme piedra preciosa (un ópalo negro, para ser precisos) que confía en colocar en el mercado para resolver por fin todas sus penurias y, quizás, detenerse por fin en algún lado.

    Los Safdie nos suben a esa montaña rusa que es la vida de Ratner. Lo acompañamos en sus desconcertantes andanzas por las calles de una Nueva York que resulta más auténtica que nunca. Las cámaras están siempre cerca de su rostro intranquilo, de su cuerpo siempre a punto de zozobrar. A sus costados la vida de la ciudad sigue inalterable, como si no hubiese un ojo ajeno al nuestro, a cargo de un artista, resuelto a registrar esa sucesión de desasosiegos. Llega un momento en el que sentimos que somos nosotros mismos quienes estamos allí, transformados en testigos de un recorrido ardoroso que avanza y retrocede porque nuestro antihéroe (como ocurría en Good Time) se equivoca todo el tiempo en su afán de superar los obstáculos.

    En medio de esa agitación los Safdie nunca pierden la brújula. Como es su costumbre utilizan con maestría el montaje como recurso narrativo (son guionistas y editores junto a Ronald Bronstein) para atrapar en plenitud la angustia del protagonista y su compulsiva conducta, que no funciona precisamente de ayuda frente a un mundo demasiado impaciente, dispuesto a ponerle un freno a ese movimiento exasperado. En la mejor actuación de su ya larga carrera, Adam Sandler le pone el rostro y el cuerpo al agobiado Ratner. El actor consigue lo imposible: que nos enojemos con él, que nos apiademos de él y que no podamos detenernos mientras él no para de moverse. La experiencia cinematográfica más cargada de estrés de los últimos tiempos es al mismo tiempo un virtuoso tour de force que brilla en su puesta en escena como una joya. Atento a otra clase de brillos, el Oscar se olvidó de una de las mejores películas de 2019.


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  17. #2566
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    Jueves 6 de febrero de 2020

    Puerto Almanza: noticias del fin del mundo.
    Adolfo C. Martínez

    Puerto Almanza

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Almanza es un pequeño asentamiento ubicado entre las montañas y el mar donde residen los pobladores más australes del mundo. Uno de ellos se niega a que sus hijos, los únicos niños de la zona, vayan a una escuela de otro pueblo y reclama un digno espacio de estudio en su propia tierra, mientras que otro convive solitario mientras aguarda la llegada de un hijo al que nunca crio.
    Además de este par de personajes fueguinos, recorren este documental, dirigido con calidez y con una cámara atenta por Juan Pablo Lattanzi y Maayan Feldman, otros pobladores que narran sus cotidianas vivencias en ese remoto y casi desconocido lugar en el mundo.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2330939

  18. #2567
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    Jueves 6 de febrero de 2020

    El príncipe: lealtades y traiciones en la cárcel.
    Alejandro Lingenti.

    El Príncipe

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Adaptación de una novela de Mario Cruz ambientada en la ciudad chilena de San Bernardo en los prolegómenos de las elecciones que llevarían a Salvador Allende al poder, esta película premiada en La Habana y Venecia pone el foco en el despertar sexual de un joven (Juan Carlos Maldonado) que es encarcelado luego de acuchillar a un amigo. Las relaciones que entabla allí (especialmente con un veterano convicto interpretado con mucha eficacia por Alfredo Castro) reflejan también las disputas de poder, las lealtades y las traiciones de ese universo con sus propios códigos, en el que se desarrolla el grueso de la historia). Aparece en el elenco el argentino Gastón Pauls.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2330938

  19. #2568
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    Jueves 6 de febrero de 2020

    Aves de presa y la fantabulosa emancipación de una Harey Quinn: propuesta lúdica y seductora.

    Diego Batlle

    Aves de presa y la fantabulosa emancipación de una Harey Quinn/Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn) (Estados Unidos/2020) / Director: Cathy Yan / Guion: Christina Hodson / Fotografía: Matthew Libatique / Edición: Jay Cassidy y Evan Schiff / Música: Daniel Pemberton / Elenco: Margot Robbie, Ewan McGregor / Distribuidora: Warner Bros / Duración: 109 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Tras el desastre artístico de Escuadrón suicida (2016), este spin-off resulta un salto de calidad dentro del universo DC Comics. No es que estemos ante una película demasiado sorprendente, pero la guionista Christina Hodson (Bumblebee) y la directora Cathy Yan (Dead Pigs) saben cómo explotar el concepto de unas chicas superpoderosas lideradas por Harley Quinn (Margot Robbie, en plan lúdico y seductor) contra antagonistas crueles y malvados, quienes desde los bajos fondos dominan a sangre y fuego Ciudad Gótica.
    Ya separada de su novio, que no es otro que el Guasón, Harley Quinn terminará abrazando el lado bueno de la ley acompañada por las Aves de Presa para salvar a la joven Cassandra Cain (Ella Jay Brasco). Este festival de imágenes hiperviolentas con Harley dándoles en cada lucha cuerpo a cuerpo su merecido a los hombres deviene un típico relato de venganza que resulta una mezcla entre John Wick con algo de Kill Bill, el humor irónico (rompiendo incluso la cuarta pared) de Deadpool, el look y la estilización de Sucker Punch, de Zack Snyder, y un ritmo digno de los Looney Tunes.

    Es muy valioso el aporte del director de fotografía Matthew Libatique (Nace una estrella) para una película en la que muchas veces lo visual se termina imponiendo sobre la profundidad psicológica en una narración vertiginosa y estridente que los amantes del comic sabrán disfrutar. El resto, mejor abstenerse.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2330937
    Última edición por Amadel; 06-02-2020 a las 12:49:27

  20. #2569
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    Jueves 6 de febrero de 2020

    Fin de siglo: el amor, la ciudad y el arte.

    Paula Vázquez Prieto.

    Fin de siglo
    (Argentina/ 2019) / Guion, edición y dirección: Lucio Castro / Fotografía: Bernat Mestres / Elenco: Juan Barberini, Ramón Pujol, Mía Maestro, Mariano López Seoane, Helen Celia Castro-Wood / Distribuidora: independiente / Duración: 84 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    En su ópera prima, Lucio Castro desarma la historia de amor de Ocho (Juan Barberini) con la ciudad de Barcelona para explorar con notables sutilezas las tensiones entre el deseo, los miedos y el tiempo que ya no regresa. Ligera y geométrica, su puesta en escena recuerda la de los directores de juventudes y ciudades como Eric Rohmer, que mostraba el movimiento de sus personajes en el espacio, libres para el azar y agitados por el destino.
    Poeta argentino en plan de regreso a Nueva York, Ocho deambula unos días por las calles de Barcelona como parte de una impasse en sus deberes. Visita sus playas, sus recovecos, llevando a cuestas esa soledad propia de los viajeros. Desde el balcón de su casa de alquiler divisa una remera de Kiss e invita a subir a su portador. Ese encuentro con Javi (Ramón Pujol) será la puerta a inesperadas confesiones, a un ejercicio de memoria que convierte toda posible epifanía en virtud cinematográfica.

    Castro se atreve a conjugar el sexo, la soledad y la responsabilidad de ser padre en charlas al pasar, vividas a lo largo de 20 años, en ese extraño pasaje entre un mundo abierto de posibilidades y el devenir que exigen todas las decisiones. Aún en el peso literario de las conversaciones, en las citas a la pintura y las referencias al arte, sus personajes encuentran su única presencia en cámara, en el rumbo que emprenden más allá de nuestros ojos.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2330936

  21. #2570
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    Jueves 6 de febrero de 2020

    Judy: el ocaso de una estrella y del Hollywood que le dio vida.
    Javier Porta Fouz.

    Judy (Gran Bretaña/2019) / Dirección: Rupert Goold / Guion: Tom Edge, basado en la obra de teatro de Peter Quilter / Fotografía: Ole Brandt Birkeland / Edición: Melanie Oliver / Música: Gabriel Yared / Elenco: Renée Zellweger, Jessie Buckley, Finn Wittrock, Rufus Sewell, Michael Gambon / Distribuidora: BF + Paris Films / Duración: 118 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Como toda biografía, esta también es limitada. En realidad, Judy es particularmente limitada: oscila entre el final de la carrera -y de la vida-de Judy Garland y su arduo trabajo en El mago de Oz en los años treinta. Allí vemos a Judy joven (interpretada con frescura y singularidad por Darci Shaw) y sometida a las tiranías y disciplinas de Louis B. Mayer y de sus esbirros en los estudios MGM. Desde esas penurias se derivarían tanto el superestrellato de Garland como, quizá, las peripecias más trágicas de su vida, una de las más atormentadas de Hollywood.

    Garland fue una estrella, una de las grandes, de esas que a partir de cierto punto ya no pudieron encajar en los Estados Unidos y tuvieron que reflotar sus credenciales en otras tierras; en este caso en conciertos en Londres, donde era reverenciada a fines de los 70. El cine clásico ya no se producía en esos años, pero la señora Garland seguía siendo la inolvidable Dorothy de El mago de Oz (y la Manuela Alva de El pirata, uno de los más grandes musicales de Vincente Minnelli) y era, además, un ícono gay; su muerte incluso es considerada el punto de partida de importantes luchas proderechos. Garland era además una mujer en conflicto con uno de sus exmaridos, Sid Luft, por la tenencia de sus hijos en común; la otra hija, Liza Minnelli, ya era grande.
    Esta biografía inglesa, dirigida por también británico Rupert Goold, es de esas que, al vampirizar la historia memorable del arte, logran acercarse a ciertas grandezas que las nutren aunque sea parcialmente, como por ejemplo en la fiesta del principio, ambientada en el Hollywood de los 60, el que tenía que optar entre sobrevivir o reconvertirse.

    Judy y la Judy de Zellweger sobreviven además gracias a los hitos de Garland, al poderío de las canciones, a la emocionante, sencilla y directa secuencia de la conexión y amistad con la pareja gay de Londres, y también porque Goold se permite algunos momentos en los cuales el trabajo obsesivo de su protagonista se aleja del centro del plano.

    Cuando la actuación de Zellweger no está sonando, no está absorbiendo la energía del relato -y de todo lo que esté alrededor-, notamos reverberaciones musicales, cinematográficas y humanas que nos conectan con el arte de uno de los mayores íconos surgidos del Hollywood más legendario. La performance de Zellweger, acaso ganadora cantada como mejor actriz del inminente Oscar, es simplemente otro de esos ejercicios esforzados, entrenados y ejecutados con una energía disparatadamente mimética que tantas veces son confundidos con una gran actuación.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2330929

  22. #2571
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    Jueves 13 de febrero de 2020

    Por fin solos: jubilación dorada en Portugal.
    PAdolfo C. Martínez.

    Por fin solos (Joyeuse retraite, Francia/2019) / Dirección: Fabrice Bracq / Guion: Fabrice Bracq y Guillaume Clicquot deMenique / Fotografía: Philippe Brelot / Música: Adrien Bekerman. Elenco: Michèle Laroque, Thierry Lhermitte, Nicole Ferroni / Distribuidora: CDI Films / Duración: 97 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Marilou y Philippe forman un matrimonio de mediana edad que acaba de jubilarse de sus respectivos y -según ellos- monótonos trabajos y desean poder realizar un sueño que acarician desde hace mucho tiempo: vivir el resto de sus días bajo el sol de Portugal. Esta idea va tomando día a día más cuerpo aunque una serie de alocadas circunstancias aplazan una y otra vez ese fervoroso deseo. Una hija con problemas matrimoniales, un par de pequeños y traviesos nietos, un hijo músico que llega desde el extranjero hasta la casa del matrimonio con una imprevista revelación y la anciana madre de Philippe, quien siempre amenaza con jugar con su salud, son algunos inconvenientes que los probables viajeros deberán soportar muy estoicamente. Así, entre cotidianas y divertidas desventuras, la pareja tratará de solucionar todos los inconvenientes que se les cruzan en el camino, ya que Portugal, según ellos, los espera con los brazos abiertos.

    El director Fabrice Bracq logró con todo este caudal de elementos realizar una comedia que, muy al estilo francés, une las desventuras de su pareja protagónica con acertados toques de humor, lo que convierten al film en una divertida serie de equívocos de los que no faltan cierta calidez y un inesperado final. Michéle Laroque y Thierry Lhermitte supieron sacar buen partido de su retrato de ese matrimonio que sueña con huir de su larga rutina.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2333241

  23. #2572
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    Jueves 13 de febrero de 2020

    La maldición renace: intento fallido de resucitación.

    María Fernanda Mugica

    La maldición renace (The Grudge, EE.UU. / 2019) / Dirección: Nicolas Pesce / Guion: Nicolas Pesce / Fotografía: Zack Galler / Elenco: Andrea Riseborough, Demián Bichir, John Cho, Betty Gilpin / Distribuidora: UIP / Duración: 94 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    La maldición renace difícilmente marque el comienzo de una nueva etapa de películas inspiradas en el terror japonés, como sucedió a principios de la década de 2000. El film escrito y dirigido por Nicolas Pesce es un intento fallido de darles nuevos aires a las historias de espíritus que acechan a quien se atreva a entrar en la casa que habitan.
    La espina dorsal del relato es la historia de una policía que luego de enviudar se muda con su hijito a un pueblo en el que hubo una serie de muertes ligadas a una casa. A medida que va descubriendo datos de los distintos hechos, se muestra lo sucedido a través de flashbacks. Esta estructura que busca la originalidad tiene un efecto anticlimático, por la forma en la que cada una de las historias está cortada y retomada varias veces. Además, el rompecabezas no encierra un misterio atrapante para resolver.

    Tampoco se construye en la película un verdadero clima de terror y tampoco se profundiza en el origen de la maldición. Depende completamente de los sobresaltos (sonidos, apariciones repentinas) y de las imágenes repulsivas para asustar. El espíritu de pelo oscuro y largo que sale de una bañadera, típico de estas historias, no es suficiente para causar miedo.

    Lo más decepcionante de La maldición renace es que desperdicia a un elenco muy talentoso, encabezado por Andrea Riseborough, cuya presencia enigmática no logra salvar el film.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2333240

  24. #2573
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    Jueves 13 de febrero de 2020

    Sonic, la película: eficaz propuesta familiar.
    Diego Batlle

    Sonic, la película (Sonic the Hedgehog, Estados Unidos-Japón-Canadá/2020) / Dirección: Jeff Fowler / Guion: Patrick Casey y Josh Miller / Fotografía: Stephen F. Windon / Música: Junkie XL / Edición: Debra Neil-Fisher y Stacey Schroeder / Elenco: James Marsden, Ben Schwartz, Jim Carrey / Distribuidora: UIP (Paramount) / Duración: 99 minutos / Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Los videojuegos son una tentación para Hollywood y -viendo los pobres resultados de la mayoría de las películas inspiradas en personajes surgidos de ellos- también una suerte de maldición. De este film basado en Sonic the Hedgehog, el creado por Sega a principios de los años 90, podía esperarse lo peor, teniendo en cuenta la compleja y en varios sentidos caótica producción que obligó a múltiples rediseños, montajes y hasta cambios de último momento.
    Sin embargo, con su propuesta básica para toda la familia sustentada sobre todo en el humor físico y en una estética y un vértigo propios de los Looney Tunes de Chuck Jones, termina siendo un entretenimiento bastante digno. La interacción entre personajes de carne y hueso (el protagonista es un policía de pueblo interpretado por James Marsden; el antagonista es el desatado Dr. Ivo Robotnik que Jim Carrey encarna con otro de sus habituales unipersonales a pura sobreactuación) y otro generado por computadora (el solitario erizo azul, cuya velocidad deja al Correcaminos como una simple tortuga) está bien construida y funciona mejor que, por ejemplo, en los films live-action de Los pitufos o la reciente Dolittle.

    Todo en Sonic está desarrollado con un trazo grueso que para colmo a veces se sigue subrayando más y más, pero esta propuesta resulta bastante eficaz (sobre todo en algunos buenos pasajes de comedia) en los términos en que está planteada.


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  25. #2574
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    Jueves 13 de febrero de 2020

    A todos los chicos 2: P.D. Todavía te quiero, tibia secuela salvada por sus protagonistas.
    Milagros Amondaray.

    A todos los chicos: P.D. Todavía te quiero (To All the Boys: P.S. I Still Love You, EE.UU. / 2020). Dirección: Michael Fimognari. Guion: Sofia Alvarez y J. Mills Goodloe, basado en la novela de Jenny Han. Elenco: Lana Condor, Noah Centineo, Janel Parrish, Anna Cathcart, Ross Butler

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    En 2018, Netflix estrenaba A todos los chicos de los que me enamoré, comedia romántica basada en la primera novela de la exitosa trilogía de Jenny Han. Si bien visualmente estaba muy por debajo de otras propuestas del género distribuidas por la plataforma de streaming -Sierra Burgess es una loser tomaba más riegos en ese plano-, lo cierto es que el fanatismo que suscitó el film de Susan Johnson no tuvo equivalente dentro de su nicho. Una de las razones que explica la fervorosa recepción es la dupla actoral que se eligió: Lana Condor y Noah Centineo, quienes conseguían la química necesaria como para elevar una historia anclada ciento por ciento en el universo young adult.

    Lara Jean Covey (Condor), romántica empedernida, ve cómo su vida ordenada da un vuelco cuando todas las cartas que les escribió a los intereses románticos de su adolescencia son enviadas, como ella considera, de manera accidental. Uno de los receptores de su catarsis epistolar es Peter Kavinsky (Centineo), el prototipo de galán de la secundaria que parece ignorar todo lo que sucede a su alrededor, y quien aprovecha la ocasión para pedirle a Lara Jean que lo ayude a reconquistar a su novia al fingir que ellos están teniendo una relación. La joven, quien está enamorada de otra persona, accede por ese motivo, y el resultado es de manual: ambos empiezan a sentir, en ese juego, que son el uno para el otro.

    A todos los chicos de los que me enamoré, la secuela - Fuente: NetlixA todos los chicos de los que me enamoré, la secuela - Fuente: Netflix

    La primera parte de la trilogía equilibraba muy bien la historia personal de Lara Jean -la muerte de su madre, y el impacto que tuvo en ella, sus hermanas y su padre-, con la de Peter. En ese sentido, Centineo apelaba a ciertos manierismos que recordaban al Heath Ledger de 10 cosas que odio de ti, y su personaje también podría emparentarse con el de aquel film: el supuesto chico popular que parece superficial, pero que tiene una vida difícil que comparte con muy pocas personas. Este mes, la plataforma de streaming estrena la secuela de A todos los chicos -también basada en la novela de Han-, P.D. Todavía te quiero, que parte de una premisa trillada: ¿Cómo harán Lara Jean y Peter para mantener un noviazgo estable?

    A diferencia del primer largometraje, que tenía una gran variedad de subtramas ligadas a personajes secundarios, aquí todo el peso de la historia recae en Condor y Centineo. En este aspecto, es la joven actriz quien tiene -merecidamente- un lucimiento mayor, al mostrar todas las complejidades que conlleva la vida amorosa adolescente de Lara Jean, especialmente cuando un tercero en discordia entra en escena y la confunde.

    De todos modos, es evidente que la historia se va quedando sin combustible y que los obstáculos que atraviesa la pareja central carecen de urgencia, que son meros recursos forzados para separar a los novios. Cuando cada escena circula alrededor de ese planteo unívoco y no hay nada por fuera (con excepción de ciertas reflexiones sobre el quiebre de las amistades), lógicamente el interés decae y se extrañan las intervenciones de las hermanas de Lara Jean, que terminaban de configurar la identidad de la protagonista.

    Con un soundtrack que apunta de lleno a su fiel audiencia -en una secuencia suena un cover de Billie Eilish, la estrella pop del momento- y una edición más ajustada que la del primer film, P.D. Todavía te quiero brilla gracias a Condor y Centineo, quienes se reencontrarán en una tercera y última parte a la cual, teniendo en cuenta el débil material de base, le costará construir sus fortalezas autónomamente.


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    Sábado 15 de febrero de 2020

    Vivir dos veces: la delgada línea entre el pudor y la sensiblería.
    Marcelo Stiletano.

    Vivir dos veces (España/2019) Dirección: María Ripoll / Guión: María Míguez / Elenco: Oscar Martínez, Imma Cuesta, Mafalda Carbonell, Nacho López

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Cuando se lleva al cine, y esto ocurre cada vez más seguido, la historia de algún personaje obligado a enfrentar el Alzheimer, es inevitable enfrentarse a la tentación de entregar lo que desde el lugar común definimos como "lecciones de vida". Allí nos encontraremos con el arco de reacciones que surge ante un diagnóstico que no tiene hasta ahora cura desde la ciencia: reacciones que van desde la perplejidad hasta la resignación por parte del protagonista, seres queridos oscilando entre la pena y la comprensión, los previsibles tropiezos de la terapia, el humor que trata de suavizar las situaciones más dolorosas, las decisiones que el personaje central está dispuesto a tomar antes de perder del todo la lucidez y el reconocimiento del mundo que le rodea.

    Todos estos tópicos (y algunos más que no costará adivinar) desfilan a lo largo de este sencillo relato rodado en Valencia que parece estar luchando todo el tiempo entre el pudor con que se trata un asunto siempre delicado y la tentación (difícil de contener si no se hace un esfuerzo de originalidad) de caer en el sentimentalismo.

    Hay algo de ambas posturas en Vivir dos veces, y por eso el resultado es tan ambiguo. Parece bastante complicado evitar la sensiblería (el peor enemigo de este tipo de producciones) si el protagonista es un catedrático de matemáticas expuesto al bochorno de no poder resolver operaciones elementales frente a los primeros síntomas de la enfermedad. Para colmo, su desenvuelta y decidida nieta padece a su vez una enfermedad que le impide caminar normalmente, lo que la expone a situaciones de hostilidad que el guión se encarga de alimentar. La voluntad del protagonista de ir a buscar a su amor de juventud como último gesto vital refuerza sin ninguna necesidad la sobrecarga emocional.

    El compromiso de los actores aparece como dique frente a todos estos desequilibrios. Oscar Martínez, aquí llevado a hablar como un español nativo, ratifica su condición de intérprete excepcional en un papel que hace unos años le hubiese pertenecido fuera de toda duda a José Sacristán. Con gestos, posturas y silencios adecuados para cada ocasión, Martínez suma aquí otra variante de su arquetípico personaje, lleno de profunda sensibilidad debajo de una superficie áspera y severa. A su lado, la pequeña Mafalda Carbonell contagia frescura en un papel que de otra manera suscitaría solo lástima. La película, por lo tanto, se mueve en una delgada línea que no siempre resulta la más aconsejable.


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    Última edición por Amadel; 15-02-2020 a las 14:07:50

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