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Tema: Críticas de películas

  1. #2581
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    Jueves 20 de febrero de 2020

    Bad boys para siempre: una amistad a prueba de balas.

    Diego Batlle

    Bad boys para siempre (Bad Boys for Life, Estados Unidos-México/2020) / Direccción: Adil El Arbi y Bilall Fallah / Guion: Chris Bremner, Peter Craig y Joe Carnahan / Elenco: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Jacob Scipio, Kate del Castillo / Distribuidora: UIP (Sony) / Duración: 124 minutos / Calificación: Apta para mayores de 13 años con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Con Dos policías rebeldes (1995) y la secuela Bad Boys II: Vuelven más rebeldes (2003), el director Michael Bay y el productor Jerry Bruckheimer construyeron una combinación entre el thriller y la comedia que catapultó a la dupla protagónica de Will Smith y Martin Lawrence a la cima de la buddy movie, ese subgénero de compinches decididamente opuestos entre sí, pero unidos por la camaradería y la lealtad.

    Han transcurrido 25 años (para los actores, los personajes y el público) y la saga se hace cargo del paso del tiempo con todo tipo de chistes "geriátricos" sobre Viagra, canas y otras cuestiones ligadas a, por ejemplo, la menguante velocidad física. El agente Marcus Burnett (Lawrence) sigue casado y no solo con hijos sino ya con... ¡un nieto!, mientras su colega Mike Lowrey (Smith) conserva la sonrisa ganadora y la postura de seductor a bordo de un reluciente Porsche. Mientras el primero está cerca del retiro, el segundo sigue actuando como si fuese un eterno adolescente. Lo que no cambia nunca es la amistad a prueba de balas entre ambos.

    Pero desde la Ciudad de México surgirán los antagonistas de turno (una traficante experta en brujería que se escapa de prisión interpretada por Kate del Castillo y su hijo de armas tomar, encarnado por Jacob Scipio). Pronto ambos recuperarán el control del submundo de Miami e iniciarán una sangrienta venganza contra jueces, fiscales y policías, incluido el propio Mike, quien se salva de milagro de una balacera.


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  2. #2582
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    Jueves 20 de febrero de 2020

    Amenaza en lo profundo: anodino film con monstruos.

    Diego Batlle.

    Amenaza en lo profundo (Underwater, Estados Unidos/2020) / Dirección: William Eubank / Guion: Brian Duffield y Adam Cozad / Elenco: Kristen Stewart, Vincent Cassel / Distribuidora: Disney (Fox) / Duración: 95 minutos / Calificación: Apta para mayores de 13 con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    Una plataforma submarina de la compañía minera Kepler ubicada a algo más de 10.000 metros de profundidad colapsa y los pocos sobrevivientes deberán no solo sortear constantes explosiones e inundaciones sino también el ataque de gigantescas criaturas hasta entonces desconocidas que deambulan por las oscuridades del lecho marino.
    Ese es el punto de partida de este film concebido con incuestionable profesionalismo desde lo visual (el trabajo con los efectos generados por computadora es impecable), pero que no tiene ningún atributo demasiado ingenioso ni sorprendente de guion ni a la hora de generar tensión. Los personajes son chatos, la empatía es escasa (por no decir nula) y, así, la acción avanza de manera mecánica, previsible y anodina.

    Kristen Stewart -que no viene eligiendo demasiado bien sus últimos papeles y aquí aparece con el pelo rapado y decolorado- interpreta a Norah, una ingeniera mecánica que parece un remedo de la teniente Ripley (la saga de Alien ha sido una clara influencia de Amenaza en lo profundo). Junto a ella intentarán sobrevivir otros personajes como los del francés Vincent Cassel o T.J. Miller (Silicon Valley), al que le tocan todos los parlamentos supuestamente graciosos. El principal problema es que no tiene el mínimo espesor dramático como para ser tomado demasiado en serio ni el desenfado del espíritu clase B que les calzó mejor a películas recientes como Megalodón. Así, más allá de los hallazgos estéticos de algunas pocas escenas submarinas, Amenaza en lo profundo se queda siempre en la superficie.


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  3. #2583
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    Viernes 21 de febrero de 2020

    "Los caballeros": el cóctel tiene todos los ingredientes en su dosis habitual

    Se estrenó la nueva de Guy Ritchie con Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Colin Farrell
    FERNÁN CISNERO


    Los caballeros

    Los caballeros * * *
    Título original The Gentlemen
    Origen Reino Unido/Estados Unidos, 2020
    Director: Guy Ritchie. Guion: Ritchie a partir de una historia de Ritchie, Ivan Atkinson, Marn Davies. Fotografía: Alan Stewart. Editor: James Herbert. Música: Christopher Benstead. Con: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant, Colin Farrell, Michelle Dockery, Henry Golding, Jeremy Strong, Eddie Marsan. Duración: 117 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Del dúo de directores surgidos en la década de 1990 y que marcaron con su cine una identidad británica que se hizo símbolo global de “tener onda”, Guy Ritchie es el menos confiable. El otro, Danny Boyle, que aportó Trainspotting, tiene una obra irregular en la que fue madurando ideas y maneras de contarlas en películas correctísimas como Quien quiere ser millonario, 127 horas, Steve Jobs y hasta la segunda parte de Trainspotting. Tiene de las otras, también.

    Ritchie patentó una fórmula, que resultó más fugaz y recurrente en su carrera, con películas como Juegos y trampas y dos armas humeantes y Cerdos y diamantes que probablemente sean lo mejor que ha hecho. De ahí en más repitió el chiste (en Rockanrolla, que tiene sus fanáticos) o lo convirtió en un atisbo de personalidad en la saga de Sherlock Holmes o en Rey Arturo antes de hacerla desaparecer en Aladdin, que no parece a la altura, incluso, de sus antecedentes.

    Quizás por eso, Los caballeros que está escrita, dirigida y producida por él, tenía todo para jugar sobre terreno seguro y, se supone, es lo más autoral a lo que puede llegar Ritchie.

    Acá está todo en su lugar: un elenco fuerte de figuras masculinas (Matthew McConaughey, Colin Farrell, Charlie Hunnam, Jeremy Strong, Hugh Grant) que aportan la dosis de testosterona que precisa el cóctel. Hay una historia con lujo de bajo fondo en el que se mueven personajes de moral discutible pero que se visten con una elegancia de revista The Face de fines de la década de 1990. Hay un par de chistes y situaciones divertidas aunque no muy ocurrentes y quizás ofensivas.

    Es la historia de Mickey Pearson (McConaughey), el rey de la marihuana en Londres que ahora pone a la venta su instalaciones secretas y la infraestructura que incluye contactos con la nobleza británica. Hay un comprador poco confiable y otros que quieren arruinar el negocio. La historia es contada, como un guion, por un periodista inescrupuloso (Grant, empalagoso) a un matón/consiglieri (Hunnam) que vendría ser el peso moral de una historia amoral.

    Lo más interesante y novedoso es la idea de una película dentro de una película, y que incluye una visita a los estudios Miramax, que financian el proyecto. Hay, además, un uso apropiado de una banda de sonido que recurre al rock y al northern soul para dar contexto y, aun, un poco más de onda a todo este invento.

    Perdida la novedad de aquellas primeras películas a la que está reciclando, Los caballeros es, más allá de los reparos, una película pasatista, violenta que pretende jugar con algunos convencionalismos del género pero, eso sí, sin llegar a la autoparodia, lo que hubiera estado bueno.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/criti...-habitual.html
    Última edición por Amadel; 24-03-2020 a las 16:17:45

  4. #2584
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    Respira: tensión y peligro en el aire.
    Adolfo C. Martínez.

    "Respira"

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Leonardo (Lautaro Delgado Tymruk) es un piloto que se queda sin trabajo. Frente a esta situación su esposa (Sofía Gala Castiglione) le propone trasladarse, con el hijo adolescente de ambos, hasta un pequeño pueblo del interior donde podrá conseguir un puesto de piloto fumigador en una empresa del lugar. Sin embargo no tardará en descubrir que muchos de sus habitantes padecen graves enfermedades y, de pronto, queda atrapado por los dueños de esa empresa y en medio de una guerra entre dos bandos. En torno de esta temática el director Gabriel Grieco logró componer un interesante film que muestra los peligros que parten del veneno con los que los aviones fumigan los campos.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2337444
    Última edición por Amadel; 12-03-2020 a las 22:37:37

  5. #2585
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    El llamado salvaje: una aventura demasiado domesticada.
    Paula Vázquez Prieto.

    El llamado salvaje/ The Call of the Wild (Estados Unidos, 2020) / Dirección: Chris Sanders / Guion: Michael Green, Jack London / Fotografía: Janusz Kaminski / Montaje: David Heinz, William Hoy / Elenco: Harrison Ford, Omar Shy, Cara Gee, Dan Stevens, Bradley Whitford / Distribuidora: Fox / Duración: 100 minutos / Calificación: apta para todo público con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Mala

    En su fábula sobre el llamado del origen, Jack London imaginó el camino inverso de un involuntario héroe. De la vida confortable en un hogar suntuoso a las exuberancias de la naturaleza, donde anida la esencia perdida en tiempos de modernidad. El relato implica cierta resistencia al reinante positivismo de comienzos del siglo XX. Su héroe es Buck, un perro malcriado en un hogar burgués, que en los años de la fiebre del oro comienza su travesía hacia los confines nevados del Ártico. Pese al intento de homenaje que este film delinea sobre aquel universo literario, su mirada reniega de una de sus principales fuerzas: el costado salvaje de la naturaleza. Esa aura temible de lo primitivo apenas se vislumbra en la simpática expresión de un perro humanizado, adherido en demasía al diseño digital. Sus encuentros con hombres brutales y fraternales animales tienen siempre un aire de programación antes que de sorpresa y peligro, como si ese viaje estuviera protegido por los comandos de un videojuego.

    Aun en la presencia de Harrison Ford como un padre en duelo y en la pérfida irrupción de otros villanos humanos, la película explica en off cualquier signo ambiguo y no se aparta del ideario de una naturaleza domesticada, recurso al servicio de un perro que viaja lejos para terminar demasiado cerca.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2337443
    Última edición por Amadel; 28-03-2020 a las 20:03:19

  6. #2586
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    Ya no estoy aquí: emotivo relato de desarraigo e iniciación.
    Diego Batlle.

    Ya no estoy aquí (México-Estados Unidos/2019) / Guion y dirección: Fernando Frías de la Parra / Fotografía: Damián García / Edición: Yibrán Asuad y Fernando Frías de la Parra / Elenco: Juan Manuel García Treviño (Derek) y Xueming Angelina Chen / Duración: 105 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    El director de Rezeta y de la elogiada serie de HBO Los Espookys se centra en su segundo largometraje en la historia de Ulises Samperio, un adolescente de 17 años que vive en las colinas de Monterrey e integra Los Terkos, un grupo que combina la cultura Cholo con su amor por la vieja música colombiana y su pasión por el baile. Tras la muerte de su hermano y en medio de unos violentos enfrentamientos entre pandillas dedicadas al tráfico de drogas, se ve obligado a huir de urgencia y radicarse en la no menos decadente zona de Jackson Heights, en el Queens neoyorquino. Mientras añora su tierra, a sus amigos, a su música y a su danza, nuestro querible antihéroe (siempre con vestimentas y peinados extravagantes) comienza a comunicarse de a poco (él no habla una palabra de inglés) con Lin, una inmigrante de 16 años de origen chino que se siente atraída por el particular universo personal de Ulises.

    Entre pegadizas cumbias y vallenatos, bellas coreografías de baile y una sensibilidad que le permite eludir el pintoresquismo, el guionista y realizador Fernando Frías de la Parra concibe una película de iniciación, de desarraigo y desamparo en un mundo globalizado, multicultural y cosmopolita que en ciertos momentos puede ser fascinante, pero en muchos otros resulta hostil, sórdido y desgarrador.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2337442

  7. #2587
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    El hombre invisible: cuando el terror está en casa.
    Paula Vázquez Prieto.

    El hombre invisible / The Invisible Man (Estados Unidos/Australia, 2020) / Dirección: Leigh Whannell / Guion: Leigh Whannell, según la novela de H. G. Wells / Fotografía: Stefan Duscio / Montaje: Andy Canny / Elenco: Elizabeth Moss, Aldis Hodge, Storm Reid, Oliver Jackson-Cohen, Michael Dorman / Distribuidora: UIP / Duración: 124 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En una fortaleza vidriada sobre la costa de San Francisco, Cecilia (Elizabeth Moss) abre los ojos. El minucioso plan que ocupa su mente incluye la escapatoria perfecta de las garras de Adrian Griffin (Oliver Jackson-Cohen), genio de la óptica que la tiene controlada en su morada. No es un extraño ni un secuestrador, sino su pareja, sociópata cultor de una violencia sutil y asfixiante. Es ese temor a lo cercano e imperceptible la pista inicial que elige el australiano Leigh Whannell para su mirada sobre un mundo de poder y opresión.

    Apenas inspirada en el clásico de H. G. Wells y abiertamente nutrida de historias de terror doméstico como Luz de gas (1944), la nueva El hombre invisible revierte el punto de vista del original, anclado en el científico loco que anhela controlar el mundo, para seguir a su víctima, prisionera del silencio y los espacios vacíos, acorralada por amenazas en las que nadie cree.

    Más allá de ciertos efectismos visuales y algunos excesos en los giros narrativos del final, Whannell consigue inquietar a partir de certeros movimientos de cámara que llevan la empatía del espectador hasta el imperativo de avistar lo incomprensible. La película tensa el imaginario de la mujer abusada entre el recuerdo de las historias de venganza de los 70, la estética analógica de los thrillers de los 90 y una búsqueda nueva, concentrada en las extraordinarias expresiones de Elizabeth Moss, quien nos deja ver un horror allí donde solo podíamos imaginarlo.


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    Última edición por Amadel; 20-03-2020 a las 13:47:40

  8. #2588
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    Querido señor: desde la India con amor.
    Alejandro Lingenti.

    Querido señor/ Monsieur (Sir) (India, 2018) / Dirección y guion: Rohena Gera / Fotografía: Dominique Colin / Edición: Jacques Comets, Baptiste Ribrault / Elenco: Tilotama Shome, Vivek Gomber, Geetanjali Kulkarni, Rahul Vohra / Distribuidora: Mirada Distribution / Calificación: apta para todo público / Duración: 99 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    No es para nada habitual que una película proveniente de la India se estrene en la Argentina. El país asiático produce cerca de mil películas anuales, pero la mayoría está destinada a su gigantesco mercado interno. Las que logran repercusión internacional por lo general responden a cánones más extendidos, como el caso de este primer largo de ficción de Rohena Gera, una cineasta de familia acomodada que estudió en Stanford (Estados Unidos) y entendió muy bien cómo llaman la atención fuera de su país de origen la dinámica de una sociedad en la que se cruzan culturas, creencias, castas y clases diferentes con una lógica propia.

    La historia es convencional (el amor imposible entre una empleada doméstica y un joven adinerado para el que trabaja) y los recursos para que avance, los del melodrama leve, más cercano a la delicadeza de James Ivory que de la intensidad de los culebrones televisivos clásicos y sin muchas sorpresas.

    En su atención al detalle (gestos, roces, miradas) es tan rigurosa como Con ánimo de amar, exquisita película del hongkonés Wong Kar-wai que la directora ha citado como referencia importante en varias oportunidades. Y en cuanto a su eficacia en términos de alcance emotivo, la base en la que se apoya es Tilotama Shome, actriz que construye con tanta sutileza como determinación a una mujer discreta, honesta y capaz de perseguir su deseos.


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    Última edición por Amadel; 27-02-2020 a las 07:46:31

  9. #2589
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    Jueves 27 de febrero de 2020

    Buscando justicia: una historia real con todos los valores de un drama cinematográfico.
    Diego Batlle.

    Buscando justicia/Just Mercy (Estados Unidos/2019) / Dirección: Destin Daniel Cretton / Guion: Destin Daniel Cretton y Andrew Lanham, basado en el libro de Bryan Stevenson / Fotografía: Brett Pawlak / Elenco: Michael B Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, Tim Blake Nelson, Rafe Spall, O'Shea Jackson / Distribuidora: Warner Bros / Duración: 136 minutos / Calificación: Apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    La historia del cine está llena de thrillers legales del tipo "basado en una historia real" como Buscando justicia. Lo que hace particularmente valioso a este film coescrito y dirigido por Destin Daniel Cretton (Short Term 12) es la eficacia con que están construidas en términos dramáticos las más de dos horas de relato, las implicancias sociopolíticas del caso y, sobre todo, la excelencia de las actuaciones de los protagonistas Michael B. Jordan y Jamie Foxx.

    Michael B. Jordan (Creed, Pantera Negra) interpreta a Bryan Stevenson, un joven afroamericano recientemente egresado de la Universidad de Harvard que, en vez de enfilar hacia los grandes estudios de abogacía, decide abrir en 1989 las oficinas de la organización Equal Justice Initiative en Monroe County, Alabama, para ocuparse de apelar varios casos (muchos de ellos considerados perdidos de antemano) de condenados a la pena de muerte. Uno de ellos es el de Walter "Johnny D" McMillian (Jamie Foxx), un hombre negro de clase baja que se ganaba la vida con un pequeño emprendimiento maderero hasta que fue encarcelado y luego sentenciado a la pena capital por el asesinato de una adolescente blanca.

    Apenas lee el expediente, Stevenson descubre las evidentes inconsistencias del proceso judicial basado exclusivamente en el dudoso testimonio de un preso (Tim Blake Nelson), que de manera simultánea negoció una reducción en su pena y mejoras en sus condiciones carcelarias.

    Lo que sigue es la épica, la epopeya del abogado (en un principio con el resquemor de su defendido y de los amigos y familiares de éste) no solo para evitar que McMillian sea ejecutado sino para que se le conceda la oportunidad de un nuevo juicio en condiciones dignas.

    Buscando justicia -basado en el libro de memorias que Stevenson publicó en 2014- es la reconstrucción de una historia que alcanzó una inmensa notoriedad pública por las vergonzosas irregularidades de un sistema legal dominado por el prejuicio y el racismo, pero no solo es un contundente manifiesto contra la pena de muerte (Stevenson demostró el desatino de fiscales y jueces en más de un centenar de casos) sino también un entrañable y por momentos emotivo retrato de la amistad que se va entablando entre defensor y defendido cuando todos los integrantes de un sistema de poder parecen haberse confabulado para que la verdad y la justicia jamás salgan a la luz.


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    Última edición por Amadel; 17-03-2020 a las 14:02:06

  10. #2590
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    Sábado 29 de febrero de 2020

    Su último deseo: gran elenco, buen libro, pero nada funciona.
    Marcelo Stiletano

    Su último deseo/The Last Thing He Wanted (EE.UU./2020) / Dirección: Dee Rees / Guion: Marco Villalobos y Dee Rees / Elenco: Anne Hathaway, Ben Affleck

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Algunas adaptaciones al cine de novelas ciertamente valiosas suelen pagar un alto precio por querer abarcar mucho. Es lo que ocurre con Su último deseo. Para quienes siguen la obra literaria de Joan Didion, la decepción puede ser enorme. Y aquellos que no están demasiado al tanto de la trayectoria de la autora y salen aquí al encuentro de cuestiones de genuino interés (las secuelas de la Guerra Fría, los comportamientos más oscuros de la política estadounidense, los dilemas de una periodista que ve cómo se mezclan los asuntos de su profesión con su vida real, la mentira y la traición como hábitos de comportamiento) tampoco podrán encontrar demasiadas explicaciones lógicas sobre lo visto aquí, además de compartir la frustración de quienes están más familiarizados con Didion y su trayectoria.

    Dee Rees había logrado en su película anterior (Mudbound, que pudo estrenarse en los cines argentinos e inexplicablemente quedó fuera de cartel a último momento) un retrato poderoso y magnético de la vida en los márgenes de la sociedad norteamericana después de la Segunda Guerra Mundial y el desprecio, no solo racial, que recibieron a su vuelta los hombres afroamericanos que prestaron servicio como soldados. Pero el escenario imaginado por Didion o no fue comprendido cabalmente por la realizadora o le quedó demasiado grande.

    Nada funciona con propiedad y con genuina convicción en Su último deseo. Empezando por la pobre y forzada conexión entre vida profesional y drama familiar que enfrenta la protagonista, Elena McMahon (una sufrida Anne Hathaway), que comprueba que los peligrosos negocios personales de su padre pueden arrastrarla a un descenso irreversible a los infiernos, pero aún así lleva adelante ese propósito a partir de una por lo menos dudosa elección ética. El derrotero de McMahon resulta difícil de creer y mucho menos las interacciones que va estableciendo con otros personajes (quizás con la excepción del trato confiable que mantiene con una colega personificada por la siempre eficaz Rosie Perez).

    En el afán de querer tomar en consideración todas las especulaciones, el guión cae en confusiones. Elena se enreda en una relación confusa con un enigmático agente de la CIA interpretado a desgano por Ben Affleck. Tan poco interés despierta esta adaptación (interpretada en piloto automático por sus mejores actores, Toby Jones y Willem Dafoe) que la vemos pensando más en las perspectivas de la rehabilitación de Affleck que en las consecuencias de las acciones del personaje que interpreta aquí. Y en verdad, Affleck tiene cara de estar pensando en otra cosa.


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  11. #2591
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    Martes 3 de marzo de 2020

    Feedback, un film con muchos más hallazgos que tropezones.
    Diego Batlle.

    Feedback (España-Reino Unido-Estados Unidos/2019). Dirección: Pedro C. Alonso.Guion: Pedro C. Alonso y Alberto Marini. Fotografía: Ángel Iguácel. Música: Sergio Moure. Elenco: Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Oliver Coopersmith, Alex Rodney y Anthony Head.Duración: 92 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: buena.

    La tercera entrega del ciclo TNT Original es una auténtica rareza en varios aspectos: en principio, porque estamos ante una producción mayoritariamente española, pero ambientada en Londres y hablada íntegramente en inglés. Además porque se trata de una ópera prima en la que el coguionista y director Pedro C. Alonso demuestra una soltura y una solidez poco frecuentes para un debutante que filma en un idioma que no es el suyo. Y, finalmente, porque la hora y media de relato transcurre casi por completo dentro de un estudio de radio sin perder la tensión ni el interés.

    Jarvis Dolan (un notable Eddie Marsan) es la estrella de la popular cadena de FM DBO 99.9 que acaba de ser secuestrado por un grupo neofascista que además quemó su automóvil y amenazó a su familia. Este conductor de un talk show nocturno vuelve al aire tres días después de aquel incidente y empieza hablando de la posverdad, de la interferencia rusa en el Brexit y de cómo los multimillonarios de ese origen pretenden convertir al Reino Unido en un paraíso fiscal. El protagonista es un tipo cínico, bastante prepotente, pero de lengua filosa.
    Pocos minutos después de su regreso al trabajo irrumpen en el estudio dos encapuchados fuertemente armados y -ya con el equipo técnico amenazado- obligarán a Jarvis a contar a su audiencia los hechos que ocurrieron durante una descontrolada fiesta privada en la habitación de un hotel luego de una entrega de premios casi una década atrás en la ciudad de Belfast. El implicado, en principio, es Andrew Wilde (Paul Anderson), su antiguo compañero de proyectos radiales, pero pronto se conocerán otras implicancias y alcances que es mejor no adelantar.

    Si la cuestión política ya estaba presente desde el inicio con cuestiones como el Brexit, lo que sigue es una suerte de montaña rusa narrativa en la que sobrevolará todo el tiempo la problemática del #MeToo y cómo este tipo de comunicadores de éxito se han acostumbrado a cometer y/o encubrir todo tipo de abusos contra las mujeres.

    Feedback -con muchos más hallazgos que tropezones- va construyendo una narración en la que conviven con bastante armonía el thriller psicológico, el drama familiar y elementos propios de un terror casi gore (lo de "casi" tiene que ver con que muchas escenas sangrientas se terminan resolviendo en el fuera de campo) con los típicos esquemas de una venganza por mano propia basada en el ojo por ojo.

    Apenas 90 minutos le alcanzan al español Alonso para regalar con Feedback una convincente carta de presentación. Su puesta en escena, su manejo del suspenso y la dirección de actores resultan convincentes. No será extraño, entonces, verlo pronto a cargo de proyectos de mayor presupuesto.


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  12. #2592
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    Jueves 5 de marzo de 2020

    Unidos: de la nostalgia por un pasado menos tecnológico a un golpe bajo.
    María Fernanda Mugica.

    Unidos (Onward, Estados Unidos / 2020). Dirección: Dan Scanlon. Guion: Dan Scanlon, Jason Headley, Keith Bunin. Fotografía: Sharon Calahan, Adam Habib. Elenco: Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer. Distribuidora: Disney. Duración: 102 minutos. Calificación: apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    La nostalgia por un pasado con menos tecnología y más magia es central en esta historia de dos hermanos elfos adolescentes que emprenden una aventura para realizar un hechizo que les permita resucitar a su padre por un día.
    La intención de rescatar el pasado también está en la mirada que el director Dan Scanlon le impone a la película. Desde su espíritu lúdico y aventurero hasta un inesperado homenaje a la ochentosa Fin de semana de locura, Unidos se acerca a los films familiares de otra época pero lo lleva al terreno en el que suele jugar Pixar. Se subraya la emoción, recurriendo una vez más al tópico de la pérdida de un padre, que funciona como herramienta para conmover al espectador y convencerlo de que la película no es solo entretenimiento. Esa exigencia atenta contra un mayor desarrollo sobre el potencial del film de ser una aventura aún más divertida, con un tratamiento sutil de lo emotivo, algo en lo que el estudio de animación se especializó en el pasado.

    Una novedad y acierto de Unidos es su retrato de escenarios sin magia del capitalismo tecnológico (autopistas, estaciones de servicio, restaurantes de comida rápida), representado en una versión élfica de una ciudad norteamericana, que contrasta con el mundo mágico de antaño. Aunque como corresponde a una película de Pixar, el film propone que es posible recuperar la magia perdida, que no solo está en el corazón de los personajes sino también en esos espacios desangelados que habitan.


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    Última edición por Amadel; 05-03-2020 a las 00:10:00

  13. #2593
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    Jueves 5 de marzo de 2020

    Los caballeros: Guy Ritchie, un director enamorado de su estilo.
    Marcelo Stiletano

    Los caballeros (The gentlemen, Estados Unidos / 2019). Dirección: Guy Ritchie. Guion: Guy Ritchie, Ivan Atknison y Marn Davies. Fotografía: Alan Stewart. Edición: James Herbert. Música: Christopher Benstead. Elenco: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant, Colin Farrell, Michelle Dockery. Distribuidora: BF París. Duración: 113 minutos. calificación: apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Hay pocos directores tan decididos a hacer una ostentación de estilo como el inglés Guy Ritchie. Está tan enamorado de su manera de filmar que no tiene empacho en sacrificar hasta el sentido narrativo más elemental de sus películas con tal de dejar bien a la vista la marca visual que lo caracteriza. Los ingredientes básicos de la "fórmula Ritchie" tienen que ver sobre todo con un montaje vertiginoso y propio del videoclip (con imágenes aceleradas o congeladas según la necesidad), casi siempre al servicio de historias de gánsteres y criminales británicos a los que, por lo general, las cosas no les salen bien.
    Las películas de Ritchie suelen tener estas marcas de arrogancia y multitud de fuegos artificiales, pero en sus mejores expresiones resultan bastante entretenidas, sobre todo cuando quedan a la vista el disparate y la falta de lógica en el comportamiento de varios personajes. Aquí, un criminal estadounidense que controla el negocio de la marihuana en el Reino Unido (Matthew McConaughey) empieza a ver amenazado su negocio y, su lugarteniente (Charlie Hunnam), se expone a la extorsión de un aventurero (Hugh Grant) dispuesto a revelar esos oscuros secretos.

    Después de su aburrido Rey Arturo, Ritchie vuelve a las fuentes de su estilo (y a sus vicios). Pero detrás de una puesta alambicada hay momentos muy divertidos y un elenco de estrellas que parece disfrutar mucho lo que el director propone.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2339944
    Última edición por Amadel; 24-03-2020 a las 16:19:15

  14. #2594
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    Jueves 5 de marzo de 2020

    Los miserables: racismo y brutalidad policial en esta reinvención del clásico de Victor Hugo.

    Diego Batlle

    Los miserables (Les Misérables, Francia/2019) / Dirección: Ladj Ly / Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini y Alexis Manenti / Fotografía: Julien Poupard / Música: Pink Noise / Edición: Flora Volpelière / Elenco: Damien Bonnard, Alexis Manenti y Djebril Zonga / Distribuidora: Diamond Films / Duración: 104 minutos / Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Los miserables tiene, como su título lo indica, algunas conexiones con la novela publicada en 1862 por Victor Hugo y, de hecho, transcurre en la misma zona (Montfermeil) que ese clásico de la literatura francesa, pero la ópera prima de Ladj Ly (un artista nacido en Malí) está ambientada poco después de la obtención de la Copa del Mundo de Rusia, en julio de 2018.

    El film comienza con una imponente escena previa a los créditos iniciales que muestran las masivas celebraciones en los Champs-Élysées parisinos, aunque luego los personajes regresan a los monoblocks del suburbio (banlieue) de Les Bosquets, donde se hacinan inmigrantes ilegales llegados sobre todo desde Africa.

    El director sabe de lo que habla porque vivió allí y experimentó varias de las situaciones que se exponen en el film, que tienen que ver sobre todo con el racismo y la brutalidad policial incluso contra los niños y adolescentes de bajos recursos que, sin demasiado que perder, suelen responder también de forma muy violenta.

    Stéphane (Damien Bonnard) es un joven agente que se incorpora junto a Gwada (Djibril Zonga) a una brigada dedicada a operaciones callejeras en zonas de riesgo que está bajo el mando de Chris (Alexis Manenti), un cínico y autoritario jefe que maneja el grupo con mano dura y disciplina extrema (en este aspecto, el film tiene algo de Día de entrenamiento, el thriller de Antoine Fuqua con Denzel Washington y Ethan Hawke).

    El problema de Los miserables es que, tras ese auspicioso e impactante arranque, opta por una explosión de violencia, una creciente solemnidad y un entramado dramático básico y con moralejas no demasiado sutiles que diluyen su eficacia.

    No es la primera vez que el Festival de Cannes selecciona y galardona películas de esta temática (Los miserables obtuvo el Premio del Jurado y luego alcanzó una nominación al Oscar a Mejor Film Internacional). De hecho, el francés Jacques Audiard ganó la Palma de Oro en 2015 con Dheepan, largometraje que tiene varios puntos en común con Los miserables, un relato de fuerte impronta documental con coreográficas e inmersivas escenas de acción, intenso y político, incómodo y provocador, que deja muy en claro que habrán pasado más de 150 años desde la aparición del libro de Victor Hugo, pero la miseria, la marginación, la violencia, la rabia popular y las profundas diferencias sociales se mantienen intactas en amplios sectores de la población.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2340013
    Última edición por Amadel; 23-03-2020 a las 17:17:56

  15. #2595
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    Jueves 5 de marzo de 2020

    Niña mamá: sensible retrato de un drama actual.

    Diego Batlle

    Niña mamá (Argentina/2019) / Dirección: Andrea Testa / Guion: Francisco Márquez y Andrea Testa / Fotografía: Gustavo Schiaffino / Edición: Lorena Moriconi / Distribuidora: Pensar con las Manos / Duración: 66 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    La cámara fija apunta siempre hacia las chicas y las filma en un expresivo blanco y negro. Las médicas y asistentas sociales les preguntan desde el fuera de campo. Ellas cuentan sus desgarradoras experiencias íntimas. Una, con apenas veinte años, ya va por el cuarto embarazo; otra es víctima de la violencia de género. Muchas sufren de desinformación, descontención familiar, falta de recursos.

    Andrea Testa (realizadora de Pibe chorro y codirectora de La larga noche de Francisco Sanctis) se instaló durante tres meses en hospitales públicos de La Matanza y Tres de Febrero para indagar en el drama del embarazo adolescente. Y lo hace con sensibilidad (respetando las distintas posturas de cada una de las participantes) y rigor, sin forzar ni manipular las cosas para exponer en toda su crudeza, dimensión y alcances emocionales, las injustas situaciones que atraviesan muchas de ellas y la crisis general del sistema de salud (por ejemplo, la imposibilidad de conseguir un quirófano para practicar una ligadura de trompas).

    Con una extraña belleza y lirismo pese a la crudeza de las situaciones que expone, incómoda, dolorosa (en algunos testimonios en primera persona aparecen desde el consumo de drogas hasta el aborto clandestino), Niña mamá surge como un valioso aporte para la discusión (hoy tan extendida en la sociedad argentina) sobre qué hacer a nivel de educación y salud con las adolescentes que desean (o no) ser madres. El debate, por supuesto, sigue abierto.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2340002

  16. #2596
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    Jueves 5 de marzo de 2020

    Familia: navidades en tensión y evasión.

    Alejandro Lingenti.

    Familia (Argentina/2020) / Guion y dirección: Edgardo Castro / Fotografía: Inés Ducastella y Agustín Mendilaharzu / Edición: Miguel de Zuviria / Elenco: Alicia Mabel Pepa, Magda Castro, Félix Agustín Castro y Edgardo Castro / Duración: 90 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Si en La noche Edgardo Castro revelaba con crudeza y sin tapujos detalles de su propia intimidad -un periplo anárquico condimentado con alcohol, drogas y sexo casual-, en Familia, otra vez como guionista, director y protagonista, exhibe el revés de esa trama, la monotonía de un rutinario encuentro con sus padres en Comodoro Rivadavia, una experiencia teñida por la abulia donde quizás podrían rastrearse algunos de los estímulos que forjaron la personalidad del protagonista.

    Castro se toma los primeros veinte minutos de la película entrar en acción, como si demorara adrede el ingreso a ese espacio en el que, él lo sabe de sobra, no va a sentirse del todo cómodo. Y después se adapta como puede a la apatía y las tensiones latentes de la dinámica del lugar.

    La contracara, una vez más: en La noche aquello que lo impulsaba era el deseo, mientras que en Familia el camino es entregarse a la resignación, en el mejor de los casos. En esa mesa navideña todos están muy cerca, pero la distancia emocional que los separa es importante. La televisión y los teléfonos celulares son las únicas conexiones con el afuera.

    En esta ficción que coquetea todo el tiempo con los mecanismos del registro documental, cada uno parece tener guardado algún secreto inconfesable y practica a destajo la política de la evasión. Como en las mejores familias


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2340001

  17. #2597
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    Viernes 6 de marzo de 2020

    Spenser Confidential es cine de acción en su veta más superficial y efímera.
    Diego Batlle.

    Spenser: Confidencial (Spenser Confidential, Estados Unidos/2020) Dirección: Peter Berg Guion: Sean O’Keefe y Brian Helgeland, basado en la novela Robert B. Parker’s Wonderland, de Ace Atkins Fotografía: Tobias Schliessler Edición: Mike Sale Música: Steve Jablonsky Elenco: Mark Wahlberg, Winston Duke, Alan Arkin, Iliza Shlesinger, Michael Gaston, Bokeem Woodbine y Marc Maron Duración: 111 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Con cuatro películas en el lapso de cinco años –El sobreviviente (2013), Día del atentado (2016),Horizonte profundo (2016) y Milla 22: El escape (2018)– el director Peter Berg y el astro Mark Wahlberg conformaron una de las duplas más rentables de Hollywood dentro del género de acción. Por eso, no sorprendió demasiado que Netflix los tentara para "pasarse" al territorio del streaming con un quinto largometraje en conjunto. Y lo hicieron recuperando un personaje, Spenser, surgido del universo literario, pero también con múltiples incursiones en la pantalla chica y grande (desde la serie ochentista Spenser investigador hasta tres largometrajes).


    Lejos del espíritu del policial noir del original literario, la dupla "WahlBERG" apuesta en Spenser: Confidencial por el thriller clásico con algo de comedia (con eje en la autoparodia) y elementos propios de las buddy movies. Ya desde el prólogo sabremos que Spenser, un policía de la ciudad de Boston, no solo ha perdido su puesto sino que además ha sido sentenciado a cinco años de prisión por golpear brutalmente a Boylan (Michael Gaston), uno de sus superiores. Tras cumplir su condena (no sin antes molerse a golpes con varios integrantes del grupo neonazi Nación Aria), Spenser se reencuentra con Henry (el gran Alan Arkin, próximo a cumplir 86 años), su viejo entrenador de boxeo, pero descubre que en su habitación ahora vive Hawk (Winston Duke), un gigantesco luchador profesional afroamericano.

    En principio, la tensión entre ambos es ostensible (Hawk se ha ganado incluso las preferencias de la perrita que supo ser de Spenser), pero –quedó dicho– estamos en el terreno de la buddy movie por lo que este improbable dúo terminará enfrentándose pocos minutos después a una acumulación de policias corruptos y mafiosos irlandeses. Pese a que unos de los dos guionistas es el cotizado Brian Helgeland (Los Angeles al desnudo, Río místico), no hay en Spenser: Confidencial un solo elemento que no resulte un reciclaje de ideas y situaciones básicas vistas en decenas de thrillers previos. Quizás las únicas sorpresas agradables sean los más que dignos papeles secundarios a cargo del rapero Post Malone y –en menor medida– del multifacético Marc Maron (GLOW) como un periodista del diario Boston Globe.

    El protagonista –devenido un justiciero malhablado pero bienintencionado que termina haciendo lo correcto con los recursos menos convencionales para limpiar un sistema putrefacto– es un ejemplo de un cine superficial, efímero y testosterónico (el único personaje femenino es el de la patética exnovia de Spenser, interpretada por Iliza Shlesinger) que puede funcionar a nivel masivo en un ámbito sin demasiadas exigencias (y con abono mensual) como el de Netflix, pero que se ubica lejos de lo que un cinéfilo puede exigir a la hora de pagar una entrada en una sala comercial. En este sentido, no hay que remontarse tan lejos para encontrar una película como Horizonte profundo en la que la química director-actor funcionaba mucho mejor.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2340621

  18. #2598
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    Sábado 7 de marzo de 2020

    "El faro", la pesadilla en blanco y negro de dos hombres aislados con sus miedos

    FERNÁN CISNERO

    Dafoe y Pattinson en "El Faro"

    El Faro
    Origen Estados Unidos/ Brasil 2019
    Título Original The Lighthouse

    Director: Robert Eggers. Guion: Robert Eggers, Max Eggers. Fotografía: Jarin Blaschke. Editor: Louise Ford. Música: Mark Korven. Con Robert Pattinson, Willem Dafoe, Valeriia Karaman. Duración: 110 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Como había dejado claro en su opera prima, La bruja, a Robert Eggers no le va eso de dejar al espectador en su zona de confort. Ahora, en El faro, su segunda película y aúpado por la libertad que le da la productora A24, va aún más allá.

    Es, para empezar una película en blanco y negro oscurísimo y en formato casi cuadrado (su aspect ratio es 1.19:1) sobre dos hombres aislados en un faro en un fin del mundo en las costas de Nueva Inglaterra en el siglo XIX. Su monocromía, el encierro y la aridez del océano (omnipresente en la banda de sonido), son parte de una película que bien podría ser de terror pero va más allá de cualquier género.
    El propio Eggers en charla con The New York Times la definía como una “historia de fantasmas en un faro”. En esa misma entrevista, reconoce la presencia del mito de Prometeo y referencias mitológicas propias del mundo de Herman Melville, el autor de Moby Dick.

    Que los dos fareros estén interpretados por Willem Dafoe (como el capitán Tom Wake) y Robert Pattinson (como el aprendiz, Ephraim Winslow), son una parte importante de los muchos logros de la película. Otro es la fotografía (nominada al Oscar, de Jarin Blaschke) que es un prodigio que toma referencias del cine mudo o del Sven Nykvist de la década de 1960. El faro tiene un ambiente y un miedo que estaba en, por ejemplo, La hora del lobo, una de las películas que Nykvist fotografió para Ingmar Bergman. También el fomato (que es el de las primeras película mudas de Fox) revela influencias visuales del cine de los ‘20.

    El capitán es un personaje de Melville, un viejo lobo de mar, cojo y dipsómano que maneja con rusticidad y sin contemplaciones, su pequeño imperio en el mundo; cuida con celo desmedido su pequeño feudo allá arriba con la luz. Ahora tiene que compartir cuatro semanas, sin más compañía que sus sueños y pesadillas, con el jóven Winslow, que está dedicado full time a todas las necesidades edilicias, de limpieza y de alimentación del lugar. Es destratado con alevosía y se refugia en las fantasías de una sirena.
    En ese ambiente masculino, oscuro, primitivo, empieza a crecer un vínculo entre esos hombres que se emborrachan, soportan resacas y esconden, cada uno por su lado secretos rarísimos. Lentamente empieza a crecer, entre otros fantasmas, el de la locura y la animosidad.

    El faro es un viaje dentro de un encierro, una travesía brillantemente fotografiada por Blashke. El universo que construye es puro cine y en su negritud está pintando otras oscuridades, quizás más metafísicas.

    Y es principalmente un tour de force actoral. Confirma, por ejemplo, que Pattinson es el mejor actor de su generación, su locura contenida, su abnegación y su rencor creciente, es una maravilla de intensidad. Y Dafoe, claro, que entrega otra de sus grandes actuaciones, con ese capitán de pipa y otros lugares comunes que esconde un secreto y quizás un peligro que siempre está latente.

    Y son los secretos y los peligros lo que hacen de El faro una película única.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/criti...os-miedos.html
    Última edición por Amadel; 07-03-2020 a las 02:10:58

  19. #2599
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    Viernes 13 de marzo de 2020

    La trinchera infinita recobra la historia de los "topos de la posguerra".
    Alejandro Lingenti.

    La trinchera infinita (España/2019). Dirección: Jon Garaño, Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga. Guion: Luiso Berdejo, JoseMari Goenaga. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Edición: Laurent Dufreche y Raúl López. Música: Pascal Gaigne. Elenco: Antonio de la Torre Martín, Belén Cuesta, José María del Castillo. Duración: 147 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    En 1939, después de haber intentado varias veces escapar de España sin éxito, Manuel Cortés, un exalcalde de la pequeña localidad malagueña de Mijas durante la Segunda República, volvió a su casa. El franquismo lo tenía en la mira, pero aún así decidió regresar para reencontrarse con su mujer. Sabía que si lo descubrían su destino era el fusilamiento. Entonces resolvió abrir un hueco en una de las paredes de su casa, armó un pequeño refugio y terminó pasando allí treinta años de su vida, hasta marzo de 1969, cuando el gobierno de facto español promulgó una amnistía para todos los acusados de presuntos delitos cometidos durante la guerra civil. La dramática historia inspiró esta película, dirigida por tres cineastas vascos y premiada en el último Festival de San Sebastián. Y no fue la única de su tipo: con el paso del tiempo se conocieron cientos de situaciones similares protagonizadas por los que fueron denominados "topos de la posguerra".

    El caso de Cortés fue reflejado primero por el documental 30 años de oscuridad, dirigido por Manuel H. Martín, y el libro Los topos, de Jesús Torbado y Manu Leguineche. Y esta ficción de dos horas y media de duración lo recrea libremente, con el calvario de Higinio (interpretado por Antonio de la Torre) y su mujer Rosa (Belén Cuesta, ganadora de un Goya por su papel) en el foco.

    Estructurada en capítulos que se inician con placas en las que aparecen las definiciones de un puñado de palabras que tienen estrecha relación con el relato (detención, peligro, desenterrar), La trinchera infinita –estrenada en nuestro país en el marco de la muestra Espanoramas – transmite con mucha eficacia el clima de opresión y paranoia en el que viven sumergidos sus protagonistas. El excelente trabajo de fotografía y sonido fue clave para acentuarlo. Igual que la convicción para delinear una puesta en escena donde todo lo que ocurre fuera de campo también es esencial. El punto de vista narrativo es el de Higinio, activista político transformado en sigiloso espía escondido en un incómodo recoveco de su propio hogar que entrega su libertad a cambio de la supervivencia, una determinación que le sumará a su propia angustia los problemas con su pareja y con un hijo gestado en ese insólito cautiverio.

    Más allá de los detalles particulares de cada una, todas las historias de los "topos" españoles simbolizan el ambiente represivo, persecutorio y cargado de delaciones que dominó a España entre 1936 y 1975.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2343089
    Última edición por Amadel; 13-03-2020 a las 21:09:37

  20. #2600
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    Ni héroe ni traidor: adaptación con sólido elenco.
    Alejandro Lingenti.

    Ni héroe ni traidor (Argentina/2019). Dirección: Nicolás Savignone. Guion: Nicolás Savignone, Pio Longo, Francisco Grassi. Fotografía: Federico Lastra. Edición: María Astraukas. Elenco: Inés Estévez, Juan Grandinetti, Rafael Spregelburd, Héctor Bidonde, Gastón Cocchiarale. Distribuidora: Primer Plano. Duración: 77 minutos. Calificación: solo apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    La guerra de Malvinas es, para muchísimos argentinos, una herida que aun permanece abierta. Muy especialmente para aquellos que tuvieron que poner el cuerpo, y sobre todo cuando eso ocurrió contra su propia voluntad. Pensada originalmente como obra de teatro, esta película austera y emotiva refleja el clima tenso de aquel momento decisivo para una generación de jóvenes que debió dejar de lado sueños y proyectos para participar de un conflicto bélico fogoneado por un gobierno militar en retirada.

    Cada rol simboliza las diferentes actitudes frente al problema: el chico que sueña con dedicarse a la música y con un viaje a España (Juan Grandinetti), el hijo de un militar que compra el discurso patriotero pero al mismo tiempo prefiere no exponerse (Gastón Cocchiarale), el pibe sensible que ni siquiera tolera la idea de enrolarse en un ejército (Agustín Daulte). Y también están los padres, con la natural carga de angustia y confusión que los tomó por asalto, sensaciones que Rafael Spregelburd e Inés Estévez transmiten con mucha solvencia.

    Una de las fortalezas más notorias de la película, además de la solidez del elenco y la buena ambientación de época, es la fluidez de un guion que trabaja muy bien los vínculos entre los personajes (familiares, amorosos, de amistad), transformando aquella amarga coyuntura en el telón de fondo de una historia con muchos otros matices.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2342361

  21. #2601
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    La sombra del gallo: atendible film noir entrerriano.
    Diego Batlle

    La sombra del gallo (Argentina/2020) Dirección: Nicolás Herzog. Guion: Nicolás Herzog y Gabriel Bobillo. Fotografía: Fernando Lorenzale. Edición: Leandro Aste y Guillermo Saredo. Música: Matías Sorokin. Elenco: Lautaro Delgado Tymruk, Claudio Rissi, Rita Pauls, Alian Devetac y Diego Alonso. Distribuidora: Cinetren. Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    De elogiada trayectoria en el ámbito del documental con films como Orquesta roja y Vuelo nocturno, Nicolás Herzog debuta en el largometraje de ficción con un thriller que apuesta no solo a una construcción dominada por el suspenso sino que combina también elementos propios del western, del policial negro, del melodrama romántico y hasta de las historias de fantasmas.

    Tras haber cumplido ocho años de prisión por la muerte de su padre, un excomisario, Román Maidana (Lautaro Delgado Tymruk), él también expolicía, recibe el permiso para una salida transitoria. Regresa entonces a la decadente casa familiar en una localidad entrerriana, se reencuentra con familiares (como el Barani de Claudio Rissi) y empieza a sentirse cada vez más acosado por los recuerdos de un viejo amor (la Angélica de Rita Pauls).

    Durante esa vuelta al pago (típico pueblo chico-infierno grande) irá descubriendo una red dedicada al narcotráfico, la prostitución y la trata de mujeres. Entre el film noir y la denuncia social, La sombra del gallo cumple parcialmente con sus objetivos. La permanente mixtura de géneros y la descripción psicológica del atribulado y torturado protagonista no siempre genera el interés, la tensión ni los climas buscados, pero a nivel actoral, visual (valioso trabajo del director de fotografía Fernando Lorenzale) y musical (notable aporte de Matías Sorokin) no deja de ser una película atendible.


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  22. #2602
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    La biblioteca de los libros olvidados: los misterios de la literatura.
    Adolfo C. Martínez.

    La biblioteca de los libros olvidados (Le mystére Henri Pack-Francia/2019). Dirección: Rémi Bezançon. Guion: Rémi Bezançon, David Foenkinos y Vanessa Poeral. Fotografía: Antoine Monod. Música: Laurent Perez del Mar. Edición: Valérie Deseine. Elenco: Fabrice Luchini, Camille Cotin. Distribuidora: CDI Films. Duración: 100 minutos. Calificación: apta para todo público con leyenda.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En una muy peculiar biblioteca que alberga cientos de libros rechazados por las editoriales, una joven editora descubre una novela magistral. Su autor es alguien llamado Henri Pick, un cocinero fallecido dos años antes. Según su viuda, Pick jamás había leído un libro en su vida y lo único que escribió fue las listas del supermercado en el que se abastecía para preparar sus comidas.

    Cuando la novela se convierte en un fabuloso éxito de ventas, un crítico literario tan escéptico como obstinado se une a la hija de ese anónimo autor para desentrañar el misterio que envuelve a ese texto que juntaba polvo en un estante de la biblioteca.

    Ambos comenzarán así una serie de aventuras en las que, como modernos Sherlock Holmes y Watson, vislumbrarán con paciencia y adecuados pasos la secreta vida de ese Pick ya convertido en un misterioso escritor.

    Con estos entretenidos elementos, el director Rémi Bezançon logró un thriller humorístico que mide con exactitud tanto el suspenso como las vueltas de tuerca de un guion que no les pierde pisada a las alocadas travesuras de sus dos protagonistas. El dúo, conformado por Fabrice Luchini y Camille Cotin (de la serie Ten Per Cent), supo apuntalar con calidad esta lograda y divertida historia sostenida, además, por una música de alegres ritmos y por una excelente fotografía.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2342357

  23. #2603
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    Grandes espías: otro forzudo en familia.
    Marcelo Stiletano.

    Grandes espías (My Spy, EE.UU./2020). Dirección: Peter Segal. Guion: Erich Hoeber y Jon Hoeber. Fotografía: Larry Blanford. Música: Dominic Lewis. Edición: Jason Gourson. Elenco: Dave Bautista, Chloe Coleman, Kristen Schaal, Farisa Fitz-Henley, Ken Jeong. Distribuidora: Diamond. Duración: 99 minutos. Calificación: apta para todo público.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    La premisa de Grandes espías es bien conocida. Ya la hemos visto en títulos de considerable difusión como Un detective en el kinder, Hada por accidente y Niñera a prueba de balas. Estas películas se hicieron con el expreso propósito de suavizar el lugar de héroes de acción o rudas estrellas deportivas que identifica a sus populares protagonistas (Arnold Schwarzenegger, Dwayne Johnson, Vin Diesel) y ampliar para todos ellos el rango de su presencia cinematográfica hacia la comedia familiar.
    Dave Bautista (Drax en Guardianes de la galaxia) es el último exponente de esta saga de forzudos puestos a interactuar a la fuerza con chicos. Bautista interpreta a un agente secreto que es sorprendido en su misión encubierta por la hija de un sospechoso, que amenaza con revelar ese secreto si el hombre acepta "entrenarla" en esos menesteres. Por supuesto, la preparación se mezclará con los avatares propios de la vida de una chica de once años. Los inevitables equívocos de la situación le abren la puerta, como siempre ocurre en estos casos, a situaciones cómicas o disparatadas.

    Con amplísima experiencia en este terreno (de La pistola desnuda a la versión para el cine de Super agente 86), Peter Segal tiene aquí la virtud de sazonar todas las convenciones de este tipo de historias con bienvenidos chistes y situaciones que logran desafiar la corrección política de moda. Eso y el encanto de Chloe Coleman (Big Little Lies) alcanzan para el aprobado.


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  24. #2604
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    El precio de la verdad: horrores y monstruos ambientales.
    Paula Vázquez Prieto.

    El precio de la verdad (Dark Waters, Estados Unidos, 2019). Dirección: Todd Haynes. Guion: M. Correa, M. Carnahan, N. Rich. Fotografía: Edward Lachman. Edición: Affonso Gonçalves. Elenco: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp, Bill Pullman. Distribuidora: BF Paris. Duración: 127 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En la cena anual de la Alianza Química Ohio, una gala de celebración para las compañías petroquímicas y sus abogados defensores, Rob Billot (Mark Ruffalo) quiebra la armonía. Se acerca a uno de los ejecutivos de DuPont para exigirle detalles sobre el contenido de los desechos que vierten en el río Ohio. En ese clima de festejo, Billot expone el secreto, lo saca a la superficie a los gritos. Allí se consagra la personalidad de Todd Haynes, más allá del peso de la denuncia, de la expresión grave de Ruffalo, de la vocación programática de la película. Su mirada como director asoma bajo el tono lúgubre y azulado de la puesta en escena como un consciente ejercicio de rebeldía.
    El precio de la verdad cuenta la historia de una extensa demanda, que comienza en los años 90 cuando Billot recibe la visita de un granjero de Virginia al que se le muere el ganado. Billot sortea su incredulidad y su lealtad laboral con una firma que defiende compañías químicas, para iniciar una cruzada que le lleva toda la vida, que lo consume como un deber y una obsesión.

    Es cierto que a la película le falta la fuerza espectral que podía vislumbrarse en la genial Safe (1995), en la que ese mundo de contaminaciones y poderes intangibles también llevaban la vida de Julianne Moore hacia el límite de lo posible. Sin embargo, bajo una apariencia más prolija y discursiva, Haynes nos regala una película de horrores y monstruos, mucho más peligrosos y presentables que los que habitan en la oscuridad.


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    Última edición por Amadel; 12-03-2020 a las 13:46:48

  25. #2605
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    Jueves 12 de marzo de 2020

    Bloodshot: cyberthriller esquemático y vertiginoso.
    Diego Batlle

    Bloodshot (Estados Unidos-China/2020) Dirección: David S.F. Wilson. Guion: Jeff Wadlow y Eric Heisserer. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Jacques Jouffret. Edición: Jim May. Elenco: Vin Diesel, Guy Pearce, Eiza González. Distribuidora: UIP (Sony). Duración: 109 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    RoboCop, Soldado Universal, Misión: Imposible, El vengador del futuro... La enumeración de películas a las que Bloodshot les debe sus ideas sería interminable. Más allá de estar basada en la historieta publicada por Valiant Comics, a nivel de elementos dramáticos, estilo narrativo y recursos visuales de alto impacto no excede demasiado el ejercicio de imitación, acumulación y reciclaje.
    Ray Garrison (Vin Diesel) es un marine que, tras sobrevivir a pura acción en una misión suicida en África, se reencuentra con su bella novia en la Costa Amalfitana. Ambos son secuestrados y, sí, asesinados (todo esto ocurre antes de los títulos de apertura). Como nadie reclama el cadáver, el ejército se lo cede a una corporación liderada por un multimillonario científico, Emil Harting (Guy Pearce), que logra convertirlo en una suerte de robot implacable implantado en un cuerpo humano. El problema es que el resucitado sigue sintiendo y recordando los traumas de su vida previa y hará todo lo posible para concretar su venganza.

    Bloodshot resulta un cyberthriller esquemático, más allá de su incesante despliegue de efectos visuales. Hay una obsesión por sostener un vértigo construido a fuerza de constantes cortes de montaje y música machacante, pero entre la obviedad del guion y la inexpresividad de los intérpretes (empezando por el propio Diesel) nunca supera el vuelo rasante de un típico film de acción con muchos golpes, tiros y testosterona, pero poco sentido del humor, ingenio y creatividad.


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    Última edición por Amadel; 24-03-2020 a las 17:11:56

  26. #2606
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    Lunes 16 de marzo de 2020

    Troop Zero: una tierna historia con ingredientes clásicos para ver en familia.
    Natalia Trzenko.

    Troop Zero (Estados Unidos/2019). Dirección: Bert y Bertie. Elenco: Viola Davis, McKenna Grace, Jim Gaffigan, Allison Janney. Duración: 94 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinion: Buena

    Una nena solitaria, imaginativa, tierna y en busca de su lugar en el mundo, aunque en realidad ella cree que queda fuera de él. La protagonista de esta película tierna, sensible y algo torpe en su mensaje es Christmas (McKenna Grace), una dulzura de niña que sueña con comunicarse con quienes habitan en el espacio, con los extraterrestres, pero también con su mamá que murió hace poco tiempo y siempre alentaba su costado más fantasioso. Eso es lo que la hace aun más excéntrica que todos sus vecinos y su papá (Jim Gaffigan), un abogado de pueblo más solidario que hábil para ganar juicios; tal vez su falta de triunfos tenga algo que ver con el simpático perrito que usa de acompañante. La única presencia más o menos sensata en la vida de Christmas -si, la nena se llama Navidad-, es Rayleen (Viola Davis), la secretaria del estudio de abogados que aspira sin demasiadas esperanzas con irse del pueblo del sur de los Estados Unidos dónde en 1977 no hay demasiadas oportunidades para una mujer negra que se atreve a querer algo más. "Algún día descubrirán que la vida es más fácil si no esperan demasiado", sentencia Rayleen, para que la trama le demuestre exactamente lo contrario.
    El sueño de la protagonista es participar de la grabación del disco que la NASA prepara para enviar al espacio con los saludos y los sonidos de la Tierra, incluidas las voces de los niños, por supuesto. Segura de que se trata de su oportunidad de comunicarse por fin con el espacio exterior, Christmas debe formar su propia tropa de scouts para poder ser parte de la iniciativa. Claro que para eso necesita de la colaboración de la muy poco entusiasta Rayleen.

    Al modo de las películas para toda la familia que se hacían en otras épocas y que solían contar la historia de un grupo de niños con necesidad de una figura adulta que los guíe y un adulto cínico y hastiado que gracias a los niños recupera su fe en la humanidad, Troop Zero cumple con los requisitos del previsible arco dramático. Sin embargo, se diferencia de sus antecesoras por la atmósfera de fantasía y realismo mágico que sobrevuela la propuesta de las directoras que muestran algo de su particular estilo en Kidding, la serie no estrenada en la Argentina protagonizada por Jim Carrey de la que dirigieron dos episodios.

    Si algunos personajes infantiles exageran en la caricatura y no logran ir más allá de la superficie, ese traspié está equilibrado por las actuaciones de Davis y Allison Janney, la villana del cuento: una maestra de la actitud pasivo-agresiva que sin embargo nunca es una caricatura. Por el contrario, con su acento sureño y modos de dama de antaño su personaje aporta mucho del alivio cómico que la película necesita cuando su dulce mensaje se vuelve demasiado empalagoso.


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  27. #2607
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    Lunes 23 de marzo de 2020

    Chicas perdidas es un thriller con una profunda dimensión humanista.
    Diego Batlle.

    Chicas perdidas (Lost Girls, Estados Unidos/2020) Dirección: Liz Garbus Guion: Michael Werwie Fotografía: Igor Martinovic Música: Anne Nikitin. Edición: Camilla Toniolo Elenco: Amy Ryan, Gabriel Byrne, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Oona Laurence y Dean Winters. Duración: 95 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    Liz Garbus es una de las directoras de documentales más prolíficas y premiadas de las últimas dos décadas con títulos como Girlhood, Bobby Fischer Against the World y What Happened, Miss Simone?. Este último –dedicado a la extraordinaria cantante, pianista y compositora Nina Simone y también disponible en Netflix –- le valió la segunda nominación al Oscar, ya que había sido candidata al premio de la Academia de Hollywood en 1999 por su ópera prima The Farm: Angola. Reconocida también como productora de más de 40 películas para cine y televisión, Garbis se arriesgó, justo cuando está a punto de cumplir 50 años, a incursionar por primera vez en la ficción con Chicas perdidas, transposición del libro Lost Girls: An Unsolved American Mystery (2013), en el que Robert Kolker reconstruye uno de los casos más desgarradores de la crónica policial estadounidense: el del "Long Island Serial Killer" (o LISK, como lo definían los medios), que se cree mató a entre 16 y 20 mujeres, la mayoría de ellas trabajadoras sexuales.


    Chicas perdidas –que tuvo su estreno mundial en el prestigioso Festival de Sundance pocos días antes de su lanzamiento en Netflix– se centra en la historia de Mari Gilbert (imponente trabajo de Amy Ryan), madre de tres hijas. La mayor de ellas, la veinteañera Shannan, no solo no vive con la familia desde hace mucho tiempo sino que además ejerce la prostitución. Una madrugada, luego de pedir ayuda a la policía, esta joven bipolar desaparece sin dejar rastro alguno.

    Mari, con sus traumas a cuestas por haber sido una madre bastante ausente con Shannan y sus carencias afectivas hacia las más pequeñas Sherre y Sarra, se pondrá el caso al hombro y empezará a presionar para que la policía de Oak Beach, una zona balneraria de Long Island, se ocupe de la investigación. El único que atiende en parte sus vehementes reclamos es Richard Dormer (un Gabriel Byrne adusto, sobrio y contenido), alguien bastante cuestionado dentro de la comunidad y ya muy cerca del retiro. Apenas la búsqueda adquiere cierta intensidad, los policías empiezan a descubrirse en la zona múltiples cuerpos por lo que las madres de las otras muchachas desaparecidas mucho tiempos antes se suman a Mari en la campaña.

    Chicas perdidas es un film valioso por su credibilidad, verosimilitud y su capacidad de denuncia (características que provienen del fuerte sesgo documentalista que le imprime Garbus al relato), pero también por la ductilidad y sensibilidad con las que describe a personajes llenos de contradicciones, miserias y matices. Espesor dramático y un claro intento por desmarcarse de esa exaltación del heroismo tan propia de Hollywood. Cine sin concesiones demagógicas y con profunda dimensión humanista.


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  28. #2608
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    Lunes 23 de marzo de 2020

    El hoyo, una mirada apocalíptica sobre la naturaleza humana.
    Diego Batlle.

    El hoyo (España/2019) Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia Guion: David Desola y Pedro Rivero Fotografía: Jon D. Domínguez Música: Aránzazu Calleja Edición: Elena Ruiz y Haritz Zubillaga Elenco: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan y Emilio Buale. Duración: 94 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Quienes asistimos al estreno europeo de El hoyo en el último Festival de Sitges (muestra con sede en Cataluña especializada en películas fantásticas y de terror) descubrimos en esta ópera prima del vasco Galder Gaztelu-Urrutia una audacia, una capacidad de sorpresa, una potencia narrativa y un sentido de denuncia poco habituales en el cine español (y mundial) contemporáneo. Lo mismo sintió el jurado (ganó el premio principal de la competencia oficial) y la audiencia (obtuvo el premio del público).


    Tras un exitoso recorrido por las salas de su país y luego de conseguir varios otros reconocimientos (incluidas tres nominaciones y uno de los premios Goya), El hoyo se estrena en el resto del mundo directamente en Netflix justo en momentos en que su mirada bastante paranoica y apocalíptica sintoniza a la perfección con estos tiempos de la pandemia del Coronavirus. Goreng (Iván Massagué) despierta en el nivel 33 de una suerte de prisión (aunque luego nos enteraremos de que en su caso decidió ingresar allí por decisión propia durante un período de seis meses).

    Su compañero de celda es un anciano llamado Trimagasi (Zorion Eguileor), que lleva más tiempo allí y conoce en detalle la despiadada dinámica del lugar. Los internos están un mes en determinado piso y luego son derivado a otro, que puede ser más arriba o más abajo ¿Cuál es la diferencia? Sustancial. Los que están en lo más alto reciben los distintos platos de exquisita comida que elaboran un distinguido chef y su amplio grupo de aprendices, pero –a medida que esa oferta gastronómica desciende por el hoyo al que alude el título– van quedando las sobras, los restos que van dejando los de los pisos superiores. Así, a los de los niveles inferiores (y hay como 200) les quedan las migas. O directamente nada.

    Película de supervivencia, El hoyo propone una mirada existencialista y desesperanzada sobre la condición humana. Goreng –cuyo único objeto personal es una copia de Don Quijote, cuando otros prefieren que sea un cuchillo afilado– intentará ordenar el consumo por piso para que todos tengan un poco, pero enseguida lo tildan de "comunista". Es el imperio del sálvese quien pueda y, cuando algunos (siempre de a dos) son sumergidos en los niveles de abajo, no dudarán en matar y apelar al canibalismo. El debut del bilbaíno Galder Gaztelu-Urrutia tiene, por supuesto, una idea ingeniosa, un sentido de fábula alegórica y pesadillesca, pero es mucho más que un eficaz concepto de marketing.

    El hoyo tiene un soberbio trabajo de guión, de puesta en escena, de construcción de tensión, de actuaciones, de ideas visuales y de constantes sobresaltos (no es fácil sostener un relato de 94 minutos en un único ámbito). La narración tiene momentos extremos, casi intolerables, con una mezcla de comilonas, excrementos, vísceras y excesos sádicos. Pero no estamos ante un mero ejercicio estilístico o de regodeo en el gore. En El hoyo hay provocación, sí, pero también una invitación a (re)pensar los rasgos de solidaridad (y sus opuestos cínicos) en la sociedad contemporánea. Cine de género y cine político.


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  29. #2609
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