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Tema: Críticas de películas

  1. #2641
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    Martes 12 de mayo de 2020

    Un imperdible policial flúo de Wuhan con citas de Nueve reinas.
    Javier Porta Fouz.

    The Wild Goose Lake (Nan Fang Che Zhan De Ju Hui, Francia-China/2019). Dirección y guion: Diao Yinan. Fotografía: Dong Jingsong. Edición: Kong Jinlei, Matthieu Laclau. Elenco: Ge Hu, Lun-Mei Kwei, Fan Liao, Regina Wan, Dao Qi, Jue Huang, Chloe Maayan. Duración: 113 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente

    Pandilleros, ladrones, asesinos, gánsteres, la búsqueda ¿imposible? de redención, una chica en problemas, una chica fatal y otras fatalidades. La muerte acecha por todos lados, como siempre. Los ingredientes habituales del género vuelven renovados en The Wild Goose Lake, con la fuerza de un huracán y con la ferocidad del cine hecho con ganas y asertividad.

    Este es el policial más estimulante y energético en mucho, mucho tiempo y llegó nada menos que de Wuhan, China, a Francia en 2019, cuando ocurrió algo llamado "festival de cine de Cannes". Este policial euforizante estuvo en la Competencia Oficial, y fue mejor que la de Almodóvar, mejor que la de Tarantino, mejor que la de Céline Sciamma y, claro, mucho mejor que Parasite. Como suele suceder en estos casos, The Wild Goose Lake se fue sin ningún premio, quizás por ser demasiado cine, por revelar definitivamente a un director, Diao Yinan, en pleno dominio y uso de sus facultades, extraordinarias en su caso.

    Película clave de la temporada pasada y de la actual, del fin de una década y tal vez de una época, The Wild Goose Lake –disponible hasta el viernes en la plataforma cinéfila MUBI –es uno de esos relatos barrocos e hiperestilizados, pero al que nunca le pesan sus saturaciones estéticas porque es potente hasta la euforia, placentera hasta el éxtasis. The Wild Goose Lake es un noir flúo, endiablado y sangriento, lleno de acción y movimiento, de peleas y de motos, con enfrentamientos de toda clase en los que incluso la quietud puede ser vertiginosa, porque aquí hay un montaje de una creatividad superlativa, decisiones de colores, de luz y de música que nos llevan al asombro y a gritar que queremos volverla a ver ya mismo.

    Para mayor seguridad y garantías de que estamos ante una película excepcional y que sabe cómo erigirse en cine del grande sin ser marmórea en absoluto, The Wild Goose Lake es la película con más citas a Nueve reinas en mucho, mucho tiempo: se nota desde el cigarrillo y la espera inicial, y se hace clarísimo con la camiseta celeste y blanca número nueve, y en varias otras situaciones que ya verán y conectarán (si es que saben Nueve reinas de memoria, un saber muy recomendable dado que debería ser considerada el credo del cine argentino). Pero hasta este momento, en Google, no se conectaban Diao Yinan y Fabián Bielinsky, al menos en caracteres occidentales. Y The Wild Goose Lake y Nueve reinas deben unirse, porque así lo quiso Yinan y porque está bien que Yinan y Bielinsky sean unidos, porque esa es la ley primera, la ley del cine asombroso, refulgente, memorable.


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  2. #2642
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    Jueves 14 de mayo de 2020

    El maestro: alegato contra los prejuicios.
    Alejandro Lingenti.

    El maestro (Argentina/2019). Dirección: Cristina Tamagnini, Julian Dabien. Guion: Cristina Tamagnini. Fotografía: Nicolás Richat. Edición: Martín Mainoli. Elenco: Diego Velázquez, Ezequiel Tronconi, Ana Katz, Valentín Mayor Borzone. Duración: 69 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Los prejuicios siempre son peligrosos. Eso confirma esta historia austera y narrada con precisión y sutileza que tiene como protagonista a un docente discriminado por sus preferencias sexuales en un pueblo donde los rumores maliciosos y algunos abusos silenciados parecen ser moneda corriente.

    Ese dedicado maestro de escuela primaria al que Diego Velázquez interpreta con mucha solvencia es capaz de transmitir calidez y generosidad, pero también asume su condición de segregado en silencio, sin animarse a reaccionar a tiempo. Y cuando tome real conciencia de esa situación ya será tarde.

    Rodada en La Merced (pueblito del Valle de Lerma, en Salta) e inspirada en la figura del docente Eric Sattler, un promotor del cooperativismo en la provincia de Córdoba al que conoció la guionista y directora Cristina Tamagnini, El maestro aborda una problemática cuyas aristas han cambiado sustancialmente en los últimos años pero que, dependiendo del contexto, persiste como amenaza.

    Y lo hace sin cargar las tintas, con un tono tan moderado como el de su protagonista, capaz de enriquecer los alcances de su profesión y comprometerse a fondo con el montaje de una obra de teatro infantil en voz baja, como para no llamar tanto la atención de un entorno que igual lo observa de cerca y con desconfianza. A veces vale la pena gritar.


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  3. #2643
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    Jueves 14 de mayo de 2020

    Blanca como la nieve: ni Huppert logra rescatarla.
    Paula Vázquez Prieto.

    Blanca como la nieve (Blanche comme neige, Francia-Bélgica/2019). Dirección: Anne Fontaine. Guion: Anne Fontaine, Claire Barré, Pascal Bonitzer. Fotografía: Yves Angelo. Música: Bruno Coulais. Elenco: Lou de Laâge, Isabelle Huppert, Charles Berling, Damien Bonnard, Jonathan Cohen, Vincent Macaigne. Duración: 112 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    La fábula de los hermanos Grimm Blancanieves y los siete enanitos se arraiga en un curioso realismo en manos de la directora Anne Fontaine. La disputa por un reino de belleza transformado en un hotel de lujo, y por un amante antes que un padre, ubica a Claire (Lou de Laâge) y a Maud (Isabelle Huppert) en las antípodas: la primera es una inocente joven que explora su sexualidad en un bosque habitados por hombres; la segunda es la artífice de una pérfida venganza más por mandato dramático que por verdadero deseo de atesorar su juventud perdida.

    La narrativa imaginada por Fontaine intenta anclar la tradición de Blancanieves, su inocencia, los enanos y la manzana, en un mundo de contornos reales. En ese juego, con un humor fuera de timing y personajes huecos, algo se extravía y la historia de esa joven que vive la huida inconsciente de su madrastra como una liberación no deja de ser una sucesión de juegos eróticos para la cámara, que aspiran a evocar el halo trágico del relato popular exprimido por el cinismo contemporáneo.

    Huppert hace lo que sabe hacer: recrear otra vez ese imaginario de mujer fría y perversa que proyecta con su magnética aparición, sus labios rojos y su furia contenida. Pero acá con eso no basta, su personaje se desgaja en una construcción endeble y ella se pierde en una película que nunca está a su altura de su talento.


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  4. #2644
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    Jueves 14 de mayo de 2020

    Los reyes: memorable retrato canino.
    Diego Batlle.

    Los reyes (Chile-Alemania/2018). Dirección: Bettina Perut e Iván Osnovikoff. Fotografía: Pablo Valdés. Distribuidora: BF Distribution. Duración: 78 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Películas de ficción con simpáticos perros adiestrados (o animados por computadora) hay decenas, pero un documental protagonizado por dos perros de la calle es, sin dudas, una auténtica rareza. Y, en las manos expertas de Bettina Perut e Iván Osnovikoff, dos de los más sensibles directores chilenos, el resultado no solo sorprende sino que fascina.

    Fútbol y Chola (los nombres los sabremos gracias a los créditos finales) deambulan en las inmediaciones del skatepark de Los Reyes, en pleno Santiago. Allí, mientras decenas de adolescentes hacen malabarismos y acrobacias sobre sus patinetas (apenas los vemos, pero sí los escuchamos compartiendo anécdotas y vivencias fuera de campo), los auténticos reyes de esta película juegan con pequeñas y grandes pelotas (Chola tiene un talento proverbial con el balón).

    Quien crea que se trata solo de ubicar y prender la cámara y simplemente tener paciencia para observar hasta que algo gracioso o sorprendente suceda estaría apreciando solo una parte del dispositivo y una mínima porción del talento de la dupla Perut-Osnovikoff. Los realizadores de Un hombre aparte, La muerte de Pinochet y Surire logran muchos planos prodigiosos, construyen un relato lleno de ternura y belleza, así como una descripción infrecuente y poco convencional sobre un espacio y un tiempo que los directores convierten en una experiencia subyugante, placentera y decididamente única.


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  5. #2645
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    Jueves 14 de mayo de 2020

    Canela: sensible y alegre mirada.
    María Fernanda Mugica

    Canela (Argentina/ 2020). Dirección: Cecilia del Valle. Guion: Cecilia del Valle y Romina Tamburello. Fotografía: Lucas Pérez. Distribuidora: DEC y Puentes de Cine. Duración: 77 minutos. Calificación: apta para todo público con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    En una de las primeras escenas, Canela se prueba ropa y se mira en el espejo. Hay un flash en su mirada de esa satisfacción que cualquiera siente cuando le gusta la imagen que le devuelve su reflejo. Suele ser una sensación efímera y así es también para Canela, una mujer trans de 62 años, cuya felicidad de finalmente verse como siempre se sintió está permeada por la duda de someterse a una cirugía de reasignación de género.

    El documental de Cecilia del Valle es un retrato de cómo Canela vive su proceso de hormonización y se cuestiona hasta dónde tiene que seguir para sentirse una mujer completa y ser reconocida como tal. Todo se cuenta a partir de situaciones y diálogos, como las consultas de Canela con médicos sobre la posible cirugía; una difícil charla con sus hijos, en la que lo económico aparece como un factor clave en la decisión; también se la ve dirigiendo una obra en construcción y dando clases de arquitectura en la universidad. Las charlas con una amiga trans, con su psicóloga y con quien era su novia cuando Canela era Áyax, son íntimas y emotivas, ofreciendo al espectador una perspectiva única sobre las alegrías y frustraciones de su experiencia.

    La mirada del documental es sensible y tiene un espíritu alegre, sin negar las complejidades a las que se enfrenta su protagonista. Está en perfecta sintonía con Canela, su sentido del humor contagioso y la onda que tiene cuando anda con vestido y tacos en su pickup color naranja.


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  6. #2646
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    Jueves 14 de mayo de 2020

    La isla de las mentiras: secretos y mentiras en Galicia.
    Diego Batlle.

    La isla de las mentiras (España-Argentina/2020) Guion y dirección: Paula Cons. Fotografía: Aitor Mantxola. Música: Sebastián Escofet. Edición: Julia Juániz. Elenco: Nerea Barros, Darío Grandinetti, Aitor Luna, Victoria Teijeiro. Duración: 93 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años con reservas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Tras una larga carrera en la TV y el documental, Paula Cons incursiona en la ficción con una historia ambientada a principios de enero de 1921 en la isla de Sálvora, en Galicia. Los hombres de la comunidad se habían marchado poco antes al continente siguiendo una antigua tradición y, en medio de una espesa niebla, el Santa Isabel -un vapor con destino a Buenos Aires y 256 personas a bordo- naufraga y se termina hundiendo frente a las rocosas costas de la zona.

    María (Nerea Barros), Josefa (Victoria Teijeiro) y Cipriana (Ana Oca) se lanzan al mar en una precaria embarcación y en condiciones muy poco favorables, y terminan salvando a 48 personas. Poco después son distinguidas como heroínas por parte de los poderosos que dominan la comunidad (las diferencias de clase son muy profundas y marcan parte del relato).

    Sin embargo, León (Darío Grandinetti) se instala en el lugar para investigar en profundidad el caso y empieza a descubrir una compleja madeja de intereses, secretos y mentiras. El film, prolijo en su factura general, termina desaprovechando su interesante planteo inicial, a partir de un relato dominado por la solemnidad, la falta de ritmo y plagado de diálogos que en muchos casos suenan forzados. La construcción de la tensión dramática y del suspenso, aspecto fundamental para una trama que se va complejizando y enturbiando minuto a minuto, tampoco están a la altura de las ambiciones de la guionista y directora.


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  7. #2647
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    Jueves 21 de mayo de 2020

    Miragem: impactante apuesta visual.
    Javier Porta Fouz

    Miragem (Breve miragem de sol, Brasil-Francia-Argentina/2019) Dirección: Eryk Rocha / Guion: Fabio Ariani, Julia Ariani, Eryk Rocha / Fotografía: Miguel Vassy / Edición: Renato Vallone. Música: Ava Rocha, Negro Léo y Kiko Dinucci / Elenco: Fabrício Boliveira, Barbara Colen, Cadu N. Jay, Inés Estévez, Luis Ziembrowski / Duración: 98 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:

    Nuestra opinión: Buena

    Una Taxi Driver carioca. Esa es la promesa inicial, o tal vez ese sea el deseo del espectador anhelante ante la notable secuencia de apertura, sólidamente construida mediante el manejo cercano de la cámara mayormente en el encierro del coche.

    Miragem, historia de taxistas de la noche de Río de Janeiro por necesidad, de un padre que anhela reunirse con su hijo, no traiciona ese trabajo de cámara deslumbrante y persiste en una iluminación nocturna con momentos asombrosos, desarticulados con destellos más bien alucinantes en las pocas partes cegadoras con luz del sol.

    Sin embargo, la nueva película de Eryk Rocha no profundiza la tensión del comienzo y más bien apuesta por añadir viñetas antes que por multiplicar o potenciar sus posibilidades narrativas. Así, Miragem se vuelve quizás pariente de Una noche en la tierra de Jim Jarmusch pero sin su humor estrafalario, con una sucesión de pasajeros en el taxi de Paulo (algunos más significativos que otros) y con una realidad social que por momentos se inmiscuye de formas más planas y en otras con tremenda y lacerante fuerza documental.

    En unos y en otros, y en realidad en todo momento, Miragem se ve y se escucha-y está interpretada por su elenco- como pocas otras películas latinoamericanas. Y nos deja con ganas de mayores dosis de enjundia narrativa, como pasa con muchas otras películas del continente.


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  8. #2648
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    Jueves 21 de mayo de 2020

    Solo: las segundas chances.
    Diego Batlle.

    Solo (Francia- Argentina- República Checa-Austria/2019) Guion y dirección: Artemio Benki. Fotografía: Diego Mendizabal. Música: Martín Perin / Edición: Jeanne Oberson y Valeria Racioppi / Distribuidora: Bellasombra / Duración: 84 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Artemio Benki nació en París, desde 1992 está radicado en Praga, pero a fines de 2014 conoció en el hospital Borda a Martín Perino y supo que ese joven debía ser el protagonista de su primer largometraje. Perino comenzó a estudiar piano a los cuatro, a los diez ya dio su primer concierto y se perfeccionó con grandes maestros, ganó varias becas y hasta tocó en el Teatro Colón. Sin embargo, en medio de la creciente (auto)exigencia por sobresalir y alcanzar la perfección, fue diagnosticado con esquizofrenia e internado durante casi cuatro años en ese neuropsiquiátrico.

    A los 35 años, Perino sale del Borda y la cámara atenta pero jamás intrusiva de Benki lo acompaña en su difícil tarea de volver al mundo real. Tras aquel trance marcado por la disociación de la realidad y lo fragmentario, el protagonista intenta -más allá de las dificultades y los miedos- alcanzar una vida lo más normal posible: logra recuperar la casa familiar y lucha por cubrir "la necesidad fisiológica" (así la llama) de tocar el piano.

    Sin testimonios a cámara, con sonido directo, un enorme respeto y una indudable capacidad de observación, Benki va exponiendo la deriva y la fragilidad de Perino, pero también la progresiva reconexión y el proceso creativo de EnferMaría, una obra ligada a su experiencia curativa concebida en asociación con una bailarina y coreógrafa llamada Sol. Solo resulta un retrato bello y cristalino sobre la superación y las segundas oportunidades.


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  9. #2649
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    Sábado 23 de mayo de 2020

    Dos tórtolos, una despareja comedia de acción
    Natalia Trzenko

    Dos tórtolos/ The Lovebirds (Estados Unidos, 2020). Dirección: Michael Showalter. Elenco: Kumail Nanjiani, Issa Rae, Anna Camp, Kyle Bornheimer. Duración: 86 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: buena

    Las primeras escenas de esta película presentan a sus personajes centrales. En pocos minutos el director Michael Showalter (Search Party) logra convencer al espectador de que Jibran (Kumail Nanjiani) y Lelaini (Issa Rae), son una pareja interesante, divertida y sexy y también todo lo contrario. Desde la secuencia inicial que los muestra en el comienzo de su romance hasta aquella que anuncia que pasaron cuatro años desde esa primera noche, está claro que las cosas entre ellos ya no son lo que eran. Ahora viven juntos y discuten por todo.

    A él le parece ridículo que ella piense que podrían participar y ganar el reality show The Amazing Grace cuando Lelaini no se puede apartar de su teléfono ni por un segundo. Y a ella la obsesión con la puntualidad, los planes de él y la actitud pretenciosa que usa como un escudo, la tienen harta. Ese intercambio furioso que exige de los actores un despliegue de su habilidad para la comedia funciona tan bien que cuando la historia se desvía de ese ida y vuelta entre ellos dos, resulta decepcionante.

    En el momento en que la comedia romántica con aires del sugénero de rematrimonio se convierte en una frenética película de acción, el guion escrito por Aaron Abrams, Brendan Gall y Martin Gero empieza a mostrar sus puntos débiles. Cuando Jibran y Lelaini, luego de ser testigos de un asesinato, asustados y en shock deciden buscar ellos mismos al asesino, toda la naturalidad del vínculo entre ellos se enfrenta a una situación inverosímil y ridícula detrás de la otra. El contraste entre esas dos líneas narrativas es tan marcado que en la grieta entre una y otra se pierden ideas interesantes. Como la decisión de hacer una sola referencia explícita y al pasar del hecho de que Lelaini es afroamericana y Jibran también es una persona "de color", como dice un personaje que los denuncia cuando cree que son los culpables del asesinato pero , aclara, no lo dice por su color de piel sino porque son asesinos de verdad. El chiste apuntado a la corrección política y a los excesos cometidos muchas veces por Hollywood en nombre de la diversidad cultural y racial, pierde efecto por los enredos que vendrán después.

    Claro que ni siquiera los evidentes problemas del guion -la escena en el granero es tan absurda que parece un sketch fallido de Saturday Night Live-, consiguen atenuar la química entre los protagonistas. Nanjiani, conocido por su papel en la serie Silicon Valley y por la gran comedia romántica Un amor inseparable (también dirigida por Showalter), aquí demuestra que puede interpretar un personaje a la vez pedante, algo cobarde y tierno, mientras que Rae, protagonista y creadora de la comedia de HBO Insecure, logra mostrarse tan graciosa como fuerte y vulnerable. Y así, cada vez que la película se deja de dar vueltas innecesarias y se concentra en Jibran y Lelaini es posible vislumbrar el film que Dos tórtolos podría haber sido y pero no es.


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    Última edición por Amadel; 23-05-2020 a las 14:22:27

  10. #2650
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    Martes 26 de mayo de 2020

    El traidor de la mafia, una épica deslumbrante de Marco Bellochio.
    Diego Batlle.

    El traidor de la mafia (Il traditore, Italia/2019) Dirección: Marco Bellocchio Guion: Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi y Francesco Piccolo Fotografía: Vladan Radovic Música: Nicola Piovani Edición: Francesca Calvelli Elenco: Pierfrancesco Favino, Luigi Lo Cascio, Fausto Russo Alesi, Maria Fernanda Cândido, Fabrizio Ferracane y Nicola Calì Duración: 145 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Excelente

    Hace apenas un par de semanas El traidor de la mafia, el más reciente largometraje de ese legendario y notable director que es Marco Bellocchio, arrasó en los premios David di Donatello (los Oscar del cine italiano) al quedarse con seis de las principales estatuillas: Mejor Película, Dirección, Guion, Actor Protagónico, Actor Secundario y Edición. Fue el broche de oro para una carrera que había comenzado exactamente un año antes con su estreno mundial en la Competencia Oficial del Festival de Cannes. El film estuvo a punto de llegar a las salas argentinas, pero la filial local de Sony finalmente canceló el lanzamiento y desde hace pocos días está disponible para el alquiler en distintas plataformas de streaming.


    Con más de 80 años y 55 de carrera (su brillante ópera prima, I pugni in tasca, es de 1965), el gran maestro italiano sigue rodando poderosas crónicas políticas que conectan con inteligencia y espíritu provocativo el traumático pasado con el complejo presente. En el caso de El traidor de la mafia, expone en todas sus aristas la historia de Tommaso Buscetta y el derrumbe de la Cosa Nostra.

    La amplia y brillante filmografía de Bellocchio incluye varias ficciones a partir de hechos y personajes reales de la vida sociopolítica italiana. como Buongiorno, notte, sobre el secuestro de Aldo Moro por parte de las Brigadas Rojas, o Vincere, sobre la amante secreta de Benito Mussolini. En El traidor de la mafia, la película más ambiciosa a nivel presupuestario (y en varios aspectos también en lo narrativo) de toda su carrera, el director de El diablo en el cuerpo, La nodriza, La hora de religión y Sangre de mi sangre describe veinte años en la vida de Buscetta, uno de los primeros mafiosos sicilianos que ingresó como pentito (arrepentido, informante, "garganta profunda") del programa de protección de testigos que derivaron en juicios que llevaron a la cárcel a 366 integrantes de la Cosa Nostra y tuvieron implicancias políticas que alcanzaron, entre otros, al todopoderoso Giulio Andreotti.

    Sin pretender hacer comparaciones exageradas ni odiosas, El traidor de la mafia es como El padrino de Bellocchio: una épica de dos horas y media (que jamás se resiente en su potencia, dinámica e interés) sobre la vida personal, familiar, judicial y política de Buscetta (un impecable Pierfrancesco Favino), quien se exilió primero en Río de Janeiro (su tercera esposa era brasileña) y luego, tras romper con el pacto de silencio de la omertà y ya como testigo protegido, vivió en distintas zonas de los Estados Unidos (New Hampshire, Colorado, Florida y Nueva York).

    El traidor de la mafia comienza en 1980 durante una fiesta en la que participan representantes de las distintas familias de Palermo. Se supone que se ha alcanzado una tregua (entre los rivales de Buscetta estaban los corleonesi liderados por Totò Riina), pero las matanzas (imponentes las sangrientas escenas de balaceras que filma Bellocchio) no tardan en volver. Más allá de ese preámbulo, el corazón de la película será su participación como testigo principal en el Maxi Proceso que llevó adelante el famoso juez Giovanni Falcone (Fausto Russo Alesi), con quien Buscetta llegaría a tener una muy estrecha relación.

    Bellocchio maneja con destreza, ductilidad y pulso firme las distintas vertientes del relato: desde las miserias íntimas hasta las pasiones y tensiones con su esposa Cristina (Maria Fernanda Cândido), pasando por el tema de los códigos de moral de la vieja Cosa Nostra devenidos en un ojo por ojo sin límites. Honor y venganza, dos de los ejes de El traidor de la mafia.

    El director claramente empatiza con "el traidor" y utiliza algunas imágenes de archivo para exponer la fidelidad (con algunas inevitables licencias artísticas, por supuesto) de su reconstrucción de los hechos. De todas maneras, así como no lo juzga, tampoco lo convierte en héroe o en víctima, sino que le otorga un alto grado de conciencia respecto de su accionar y sus efectos.

    Operística y grandilocuente pero jamás banal ni superficial, El traidor de la mafia relata sin concesiones un capítulo importante de la historia de su país (los políticos estuvieron durante mucho tiempo ligados a los negocios sucios de la mafia), incursionando en el thriller judicial, el melodrama y el cine de acción con absoluta naturalidad, solidez y apelando a un clasicismo narrativo ya en vías de extinción que se disfruta y agradece. La película de un resistente (Bellocchio) sobre un sobreviviente (Buscetta).


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    Miércoles 27 de mayo de 2020

    En Douglas, Hannah Gadsby revisita Nanette e incomoda al patriarcado.

    Milagros Amondaray.

    Douglas
    (2020). Género: Especial de comedia. Filmado en: Los Ángeles. Escrito e interpretado por: Hannah Gadsby. Dirigido por: Madeleine Parry

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy bueno.

    "Hay belleza en mi manera de pensar", dice Hannah Gadsby sobre el final de Douglas, su flamante especial de stand up para Netflix tras el demoledor Nanette. Su afirmación no nace desde un lugar soberbio, como tampoco de la necesidad de querer demostrar su talento dentro del mundo de la comedia, que por años fue monopolizado por los hombres. Por el contrario: Gadsby apela a su base de seguidores, a las minorías que vivieron creyendo que todo lo que pensaban, sentían o hacían era un error.

    La comediante padeció en carne propia ser una outsider. Oriunda de Tasmania, gay pero sin poder decirlo, víctima de abuso, y con una vida apagada, Gadsby había aceptado que su destino era conformarse y no dar pelea. "Había tomado la decisión de que iba a ser feliz trabajando en la verdulería de mi hermano, y eso era algo con lo que iba a poder vivir. Honestamente, nunca pensé que a este programa le iba a ir tan bien. Sabía que iba a ser muy bueno para mí, pero no esperé esta recepción". Se refería a Nanette, el especial de comedia de 2018 ganador del Emmy que, curiosamente, es mucho más que un especial de comedia. En rigor de la verdad, podríamos asegurar que no pertenece a esa categoría ni a ninguna otra. La lógica detrás de su creación era la de dinamitar las reglas del stand up. Por lo tanto, si bien comenzaba presentándose a sí misma con hilarantes anécdotas, en un tramo de Nanette su creadora da un giro de timón necesario y apabullante. No había manera de no sentirse interpelado ante relatos sobre identidad sexual, bullying, y lo complejo que es moverse en un mundo en el que muy pocos pueden sostener su verdad.

    "No es mi intención esparcir bronca porque la bronca, como la risa, puede conectar a una habitación llena de extraños como nada más. Pero no libera la tensión, porque la bronca es la tensión, es la tensión tóxica. Son las historias las que tienen la cura", decía la también actriz sobre el final de Nanette, como si hubiera estado escribiendo allí mismo el preámbulo a Douglas. En su reciente producción, breve y al hueso, Gadsby alude a las críticas a su aclamado trabajo con su mejor arma –grandes chistes, supremo poder de oratoria–, y revierte la dinámica. Así como Nanette era impredecible –lo cual incomodó a muchos, especialmente a la audiencia masculina que esperaba gags inocuos–, Douglas es lo opuesto. Gadsby comienza su monólogo desglosando todo aquello de lo que hablará desde ese momento en adelante. Es una ingeniosa manera de distanciarse de su aclamado especial previo, y al mismo tiempo es una excelente forma de reivindicarlo ¿Cómo lo hace? Corriéndose de la autorreferencialidad, pero atacando las mismas problemáticas.

    Su principal foco, claro, es el patriarcado. Recordemos que la comediante es licenciada en Historia del Arte, y aquí se basa en material visual para demostrar cómo, desde lo pictórico, la mujer siempre quedaba relegada, sumisa, pasiva. El pintor, en cambio, era quien decidía dónde ubicarla en el cuadro. "Eso fue una decisión", remarca entre risas Gadsby, pero sabemos que no se está riendo. La crítica de cómo el hombre siempre estuvo habituado al privilegio se resume en esa fuerte palabra (como en Nanette, en Douglas cada palabra importa): decisión. Es fuerte porque implica que del otro lado hay alguien que vive con las consecuencias de las elecciones ajenas, y Gadsby no deja que eso se nos olvide.

    Por otro lado, el equilibrio de los diferentes tonos vuelve a ser el fuerte de la australiana. Así como puede arrojar luz sobre lo que subyace en esos cuadros que muestra, también puede tomar a la famosa –y en apariencia inofensiva– saga de libros de ¿Dónde está Wally? como ejemplo de machismo. "Es un hombre que no hace nada y que espera que lo encuentren", sintetiza en uno de los pasajes más inspirados de un monólogo que vuelve a dialogar con Nanette en su épico final. Al igual que en el especial que lo precede, Douglas nos deja sin palabras con un mic drop (o algo similar, no revelaremos el punchline) para el que Gadsby nos había preparado, pero que nos termina sorprendiendo igual. Volver impredecible lo previsible. Para eso se requiere talento. Y Hannah lo tiene de sobra.


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  12. #2652
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    Jueves 28 de mayo de 2020

    La corazonada es un sólido film noir sobre los orígenes de una detective.
    Diego Batlle.

    La corazonada (Argentina/2020) Dirección: Alejandro MontielGuion: Mili Roque Pitt, Alejandro Montiel y Florencia Etcheves, basado en la novela La virgen en tus ojos, de Etcheves Fotografía:Guillermo "Bill" Nieto Música: Nico Cota Edición: Fran Amaro Elenco:Luisana Lopilato, Joaquín Furriel, Rafael Ferro, Maite Lanata, Juan Manuel Guilera, Abel Ayala, Sebastián Mogordoy, Delfina Chaves y Marita Ballesteros. Duración: 116 minutos Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Hace dos años se estrenó en las salas argentinas Perdida, transposición de la novela Cornelia, de Florencia Etcheves, que se convirtió en un moderado éxito comercial con 265.000 espectadores. En estos momentos de cine cerrados por la pandemia del coronavirus, La corazonada –una precuela basada en otro libro de la misma autora, como La virgen en tus ojos– se convierte en la primera película original de Netflix producida en la Argentina.
    Si la autoría de Etcheves –que ahora figura además como coguionista– permite ligar ambos largometrajes, también se repiten el director (Alejandro Montiel) y la actriz protagónica (Luisana Lopilato) en el papel de la policía Manuela "Pipa" Pelari. Y, aunqueLa corazonada dista mucho de ser un thriller brillante, la comparación con su predecesora (si bien transcurre después) resulta muy favorable. Allí donde Perdida se resentía por un registro muchas veces forzado, actuaciones fuera de tono y cierta falta de tensión, La corazonada luce mucho más sólida desde lo narrativo, desde lo interpretativo y desde los climas que consigue dentro del género delfilm noir.

    La presencia de un coprotagonista bastante oscuro y torturado, lleno de contradicciones y matices, dominado por achaques físicos y traumas psicológicos, como el Francisco Juanez de Joaquín Furriel le otorgan a esta precuela mayor densidad dramática, mientras que Lopilato luce más afiatada como una Pipa aquí novata que –mientras debe demostrar que está a la altura de las circunstancias– encima tiene que investigar a Juanez (quien podría estar involucrado en el asesinato de un joven que previamente había matado a su esposa) por pedido del poderoso fiscal Emilio Roger (Rafael Ferro).

    Más allá del enigma de Juanez, en el centro de La corazonada está el crimen de Gloriana Márquez (Delfina Chaves) una veinteañera de clase alta. Cuando su mejor amiga, Minerva del Valle (Maite Lanata), asegura haber sido la autora, el desconcierto entre los investigadores es absoluto, ya que no hay pruebas que respalden esa confesión. Sobre esos dos ejes narrativos transcurrirán las casi dos horas de este nuevo film del director de Extraños en la noche yUn paraíso para los malditos que luce impecable en sus diferentes rubros (desde la fotografía de Guillermo "Bill" Nieto hasta la música de Nico Cota), pero que en su pulcritud, en su extrema prolijidad, extraña algo más de fluidez, audacia y desenfado. Un producto profesional y muy cuidado pensado para un consumo globalizado en una plataforma tan popular como la de Netflix.


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  13. #2653
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    Jueves 28 de mayo de 2020

    Camping: ternura y dolor adolescente.
    Adolfo C. Martínez

    Camping (Argentina/2020). Dirección y guion: Luciana Bilotti. Fotografía: Mariana Cácolo. Música: Coiffeur. Edición: Anita Remón. Elenco: Martina Pennacchio, Ivana Cannese, Diego Velázquez, Zoe Gatica, Patricia Christan. Duración: 78 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Estefanía es una adolescente que comienza a darse cuenta de la crisis en la que está sumida su familia. Cuando ella y sus padres llegan a un campamento para pasar unos días de vacaciones, la muchachita se irá descubriendo sí misma en esa nueva etapa de su vida y allí, en ese lugar bendecido por la naturaleza, comprenderá también que los adultos que la rodean tienen sus propios problemas y no pueden percibir lo que le está pasando a ella.

    En torno de este entramado, la novel directora mendocina Luciana Bilotti retrató con ternura y dolor el camino de la joven protagonista (muy buen trabajo de Martina Pannachio), que en medio de la cotidianidad deberá vivir entre la incomprensión y el dolor de quienes la rodean.

    Con una cámara atenta a los gestos y a las palabras de esos personajes que viven encerrados en sus propios mundos, la realizadora logró imponer la necesaria soltura para que su film debut recreara con indudable solvencia el devenir de quienes buscan cambiar sus dolorosos y patéticos destinos.

    Una muy buena fotografía y una música que va pautando con calidad el paso de los protagonistas apoyan esta historia que habla con emoción de los muy escondidos reductos de esa triste adolescente y de quienes, a veces con amor y comprensión, intentarán comprender su íntimo sentimiento, a pesar de sus constantes y problematizados caminos.


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  14. #2654
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    Jueves 28 de mayo de 2020

    La chancha: Cómo lidiar con el pasado.

    Alejandro Lingenti.

    La chancha (Argentina-Brasil/ 2020) Dirección y guion: Franco Verdoia / Fotografía: João Castelo Branco / Edición: Lucas Cesario Pereira / Elenco: Esteban Meloni, Gabriel Goity, Raquel Carro, Gladys Florimonte, Rodrigo Silveira / Distribuidora: Cepa Audiovisual SRL / Duración: 97 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Aunque su título pueda despistar un poco, La chancha es, antes que nada, una película sobre cómo lidiar con las heridas del pasado. Ese animal voluminoso aparece efectivamente en la historia como el símbolo encarnado de un trauma psicológico cuyo origen se irá develando de a poco. Su actitud amenazante y sus inquietantes gruñidos auguran más de una vez que algo pesado está por aflorar en medio de unas vacaciones familiares en las sierras cordobesas que de repente tomarán un rumbo inesperado.
    La virtud más notable de este tercer largometraje de inspiración biográfica de Franco Verdoia (también fotógrafo, dramaturgo y director teatral) es su astucia para crear el clima que incomoda a su torturado protagonista con recursos que usualmente observamos en el cine de terror.

    Un relato que en principio luce costumbrista se va transformando gradualmente en un cuento oscuro donde los fantasmas de otra época acechan y empiezan a determinar seriamente al presente. Todo el sugestivo tramo que insinúa el desenlace funciona con fluidez. Y el Puma Goity es una pieza clave dentro de ese esquema: como contrapunto virtuoso de la intensa interpretación de Esteban Meloni, su actuación es precisa, aplomada, con la dosis justa de ambigüedad que necesita un personaje que no quiere por nada del mundo mirar hacia atrás pero ahora, obligado por las circunstancias, igual deberá hacerlo.


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    Última edición por Amadel; 30-05-2020 a las 16:34:10

  15. #2655
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    Jueves 28 de mayo de 2020

    Catorce: Retrato inteligente y luminoso.
    Diego Batlle.

    Catorce (Fourteen, Estados Unidos/2019) Dirección, guion y edición: Dan Sallitt / Fotografía: Chris Messina / Elenco: Tallie Medel, Norma Kuhling, Evan Davis, Willy McGee, Scott Friend y C. Mason Wells / Duración: 94 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Todo lo que Catorce no puede hacer por falta de presupuesto lo compensa con creces a partir de una sensibilidad, un talento (narrativo e interpretativo) y una intensidad emocional que va creciendo a medida que avanzan sus 94 minutos.

    El quinto largometraje de ese realizador ultraindependiente que es Dan Sallitt tiene como protagonistas casi exclusivas a Mara (Tallie Medel), una aspirante a escritora que prepara su tesis doctoral mientras se gana la vida como maestra jardinera, y Jo (Norma Kuhling), una atractiva y conflictuada asistenta social.

    Mara y Jo son dos veinteañeras de Brooklyn decididamente opuestas entre sí, pero que mantienen una amistad desde las épocas del secundario. La primera es morocha, bajita, responsable, contenida, cerebral; la segunda, alta, rubia, seductora, errática y proclive a las adicciones.

    Sallitt, sagaz observador y brillante director de actrices, describe sin cargar las tintas (con un humor asordinado y una bienvenida sobriedad cuando la historia adquiere ribetes trágicos) las muy diferentes maneras en que ambas encaran su paso definitivo hacia la adultez y la madurez. Con elementos propios del cine independiente neoyorquino y otros más ligados a la filmografía de Eric Rohmer o Maurice Pialat, Sallitt y sus dos prodigiosas actrices nos transportan a un universo tan sencillo como inteligente, tan luminoso como doloroso a la vez. Un cine sin estridencias, sin regodeos, sin artilugios innecesarios.


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  16. #2656
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    Jueves 28 de mayo de 2020

    El cazador: Inquietante ejercicio del terror.
    Paula Vázquez Prieto

    El cazador (Argentina/2020) Guion y dirección: Marco Berger / Fotografía: Mariano De Rosa / Edición: Marco Berger / Elenco: Juan Pablo Cestaro, Lautaro Rodríguez, Juan Barberini, Patricio Rodríguez / Distribuidora: Santa Cine / Duración: 91 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Ezequiel (Juan Pablo Cestaro) invita a un compañero de colegio a pasar un día en la pileta. Sus padres están de vacaciones y esa imprevista libertad es el terreno propicio para la exploración del deseo. A tientas, signado por el abismo del miedo y el descubrimiento, Ezequiel convierte los espacios en los que se mueve en territorios de conquista a través de insistentes miradas, de expresiones de duda, de palabras imposibles. El encuentro con Mono (Lautaro Rodríguez) en una plaza, un chico más grande que lo invita a la quinta de su primo, instala para Ezequiel un mundo de contornos extraños, marcado por la ilusión del amor, la atracción por el peligro, la afirmación de la propia consciencia.

    Luego de la melancólica Un rubio, con sus rituales cotidianos convertidos en gestas amorosas, Marco Berger delinea en El cazador su reverso: una película inquietante y perturbadora, audaz como ninguna otra en su filmografía, que convierte a la mirada en la clave de toda reflexión ética. La calidez de sus otros universos, habitados por cuerpos en el vértice del deseo, aquí se subvierte a partir de las constantes de un género como el terror, con sus espacios ominosos y sus sombras amenazantes.

    Berger demuestra una confianza absoluta en el relato, que le permite cambiar el punto de vista, afinar el encuadre a medida que gravitan las decisiones más difíciles y seguir a sus personajes sin nunca confinarlos, con la misma libertad que entrega a su espectador.


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    Última edición por Amadel; 30-05-2020 a las 22:06:06

  17. #2657
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    Lunes 1º de junio de 2020

    Mi niña: conflictos cancheros y chatos.
    Javier Porta Fouz.

    Mi niña (Mon bébé, Francia-Bélgica/2019). Dirección: Lisa Azuelos. Guión: Lisa Azuelos, Thierry Teston y Thaïs Alessandrin. Fotografía: Antoine Sanier. Edición: Baptiste Druot. Música: Yael Naim.Elenco: Sandrine Kiberlain, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Mickaël Lumière, Camille Claris. Duración: 87 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    ¿Por qué el cine con aspiraciones de conexión con el gran público era mucho mejor hace medio siglo que ahora? En esa pregunta hay una generalización, y también la habrá en esta posible respuesta: porque hace medio siglo –y más, y un poco menos también– ese cine no se preocupaba tanto por apelar al mínimo común denominador y solía ser más osado, con mayor vuelo: se permitía alguna sutileza, alguna posibilidad de que el espectador no tuviera todo de frente, masticado, digerido y eyectado hacia su rostro con exceso de claridad. Incluso hasta se permitía alguna oscuridad emocional, algo por fuera del plástico plano y sanitizado que, cada vez más, nos llega en formato de "cine convencional".

    Esta comedia dramática francesa, en la que una mamá de tres sufre ante la inminente partida hacia Canadá de la única hija que aún vive con ella es de esas que mezclan un poco de Sex and the City y meten varios flashbacks especulares y obvios, de esas que no se salen de los formatos ya gastados: música machacona, diálogos y guiños "cancheros" y pretendidamente sofisticados. Mi niña también conecta, seguramente de forma inconsciente, con El nido vacío, de Daniel Burman, y Vivir con alegría, de Palito Ortega, con Luis Sandrini. Esas dos películas eran más complejas y menos frontales que Mi niña, un film en el que fluyen los personajes, sus diálogos y sus nimios conflictos. El problema es que esos términos están abollados por la chatura autoimpuesta.


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  18. #2658
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    Jueves 4 de junio de 2020

    Gauchito Gil, de la guerra de la Triple Alianza a la devoción popular.
    Adolfo C. Martínez

    Gauchito Gil (Argentina/2019). Dirección, guion y edición: Fernando del Castillo. Director de actores: Alejandro Giles. Elenco: Claudio Da Passano, Roberto Vallejos, Paula Brasca. Fotografía: Mauricio Heredia, Directoras de arte: Gabriela Agüero y Aixa Torres. Música: Nicolás del Castillo. Duración: 90 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    En Corrientes, en la época de la guerra de la Triple Alianza, de la peste amarilla y de disputas armadas entre gauchos desertores y paisanos dispuestos a la lucha sin cuartel se destacó Antonio Mamerto Gil Núñez quien, desde su juventud, necesitó enfrentarse a las injusticias sociales y a la ley establecida por los militares. Este hombre solitario y siempre dispuesto a tender su mano a los necesitados vuelve de esa guerra en la que la Argentina, Brasil y Uruguay se enfrentaron al pueblo paraguayo y lo hace con el deseo de asentarse en sus pagos de Mercedes, pero la violencia vuelve a llamar a su puerta. Bautizado "Gauchito" Gil por quienes lo consideran un cálido sanador de niños y de mujeres, este hombre de honda ternura se convierte en un perseguido por el Estado, quienes ven en él a un peligroso enemigo.
    El paso de los años prosigue manteniendo vigente a ese gaucho ya convertido en leyenda y foco de la devoción popular, y con indudable emotividad el novel director Fernando del Castillo retrata a su personaje y a su entorno hasta convertirlos en un canto de amor, de amistad, de injusticia y, sobre todo, de libertad. Para ello contó con la muy buena actuación de Claudio Da Passano y con un equipo técnico que supo reinventar los variados y tristes escenarios por los que ese gauchito Gil transitó con sus poéticos sueños y sus duras realidades a cuesta.


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  19. #2659
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    Jueves 4 de junio de 2020

    En Reset: Fabricio Oberto no se rinde y vuelve a empezar.
    Diego Batlle.

    Reset: Volver a empezar (Argentina/2020) Dirección: Alejandro Hartmann Guion: Iván Tokman. Fotografía: Pigu Gómez Música: New Indians y Gonzalo Córdoba. Edición: César Custodio Duración: 87 minutos. Calificación: apta para todo público.

    Spoiler:
    SPOILER:
    El retiro es el momento más traumático para cualquier deportista de élite y ese es precisamente el punto de partida de Reset: Volver a empezar, documental de Alejandro Hartmann (AU3: Autopista Central, Escrito con sangre, Hospital público) sobre Fabricio Oberto.
    A los 45 años, este integrante de la Generación Dorada y campeón de la NBA con los San Antonio Spurs nos abre la puerta de su intensa vida persona l (recorre el país dando clínicas para jóvenes, hace deportes extremos que incluye, por ejemplo, escalar el Aconcagua, comenta partidos en ESPN, es el vocalista de la banda de rock New Indians), pero confiesa que aún añora aquellos tiempos de competencia y adrenalina.

    Oberto se va reencontrando con el entrenador (Rubén Magnano) y con los campañeros con los que ganó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 (Alejandro "Puma" Montecchia, Carlos Delfino, Rubén Wolkowyski, Hugo Sconochini, Pepe Sánchez, Luis Scola, Chapu Nocióni y Manu Ginóbili, entre otros) para recordar hitos y anécdotas de la Generación Dorada, pero también para compartir sensaciones sobre cómo lidiar con el inexorable final de la carrera profesional.

    Rodado entre 2016 y 2019 por un equipo técnico de brillantes profesionales, Reset es bastante más que un documental tributo: resulta una sensible, íntima e inteligente reflexión de alguien que se sobrepuso a múltiples dificultades (incluida una arritmia) y hoy buscar –como lo dice el subtítulo del film– volver a empezar, encontrar esa segunda oportunidad en la vida ya alejado de los focos y la gloria deportiva.


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  20. #2660
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    Jueves 4 de junio de 2020

    La fiesta silenciosa: atrapante thriller de venganza.
    Alejandro Lingenti

    La fiesta silenciosa (Argentina/2020). Dirección: Diego Fried y Federico Finkielstain. Guion: Nicolas Gueilburt, Luz Orlando Brennan, Diego Fried. Fotografía: Manuel Rebella. Edición: Mariana Quiroga. Elenco: Jazmín Stuart, Gerardo Romano, Esteban Bigliardi, Gastón Cocchiarale y Lautaro Bettoni. Distribución: Martín Aliaga y Aramos Cine. Calificación: apta para mayores de 16 años

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Las fiestas silenciosas tienen su propia historia. Nacieron informalmente en los años 80 y ya en los 90 se pusieron de moda, impulsadas por ecoactivistas enfocados en minimizar la contaminación acústica de la música bailable.
    Laura (Jazmín Stuart) se encuentra con una de esas particulares fiestas casi de casualidad y sin sospechar el explosivo desenlace de ese hallazgo fortuito. Llega a la estancia de su padre para celebrar su casamiento y de pronto queda envuelta en una pesadilla, narrada en tono de intenso thriller que mantiene la tensión en todo su recorrido en base a un trabajo de puesta en escena que aprovecha muy bien algunos recursos del cine de terror de bajo presupuesto.

    Aun cuando se notan trazos gruesos en el guion, la inventiva que revelan muchas de las escenas equilibra esas falencias. Más que aquello que se cuenta –la crónica de una violación y una sangrienta venganza posterior–, lo que funciona muy bien aquí es el cómo. No hay muchos datos sobre los personajes, salvo un par de pinceladas iniciales, que permitan prever sus extemporáneas reacciones. Ni tampoco las de un grupo de jóvenes victimarios transformados en presas de caza de una familia furiosa. Algunos flashbacks que vuelven sobre los sucesos que disparan esa cacería subrayan lo que cualquier espectador atento puede imaginar y morigeran un misterio que cuadraba muy bien en la trama.


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    Última edición por Amadel; 06-06-2020 a las 14:06:54

  21. #2661
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    Sábado 6 de junio de 2020

    Así es el thriller "La cacería"

    El thriller de acción se exhibirá hoy en AeroLife y en Autocine Club del Uruguay. Lo protagoniza Betty Gilpin y la dirige Craig Zobel
    BELÉN FOURMENT

    La película "La cacería", con Betty Gilpin. Foto: Difusión

    La cacería [***]

    Estados Unidos, 2020. Título original: The Hunt. Director: Craig Zobel. Guion: Nick Cuse y Damon Lindelof. Fotografía: Darran Tiernan. Con: Betty Gilpin, Hilary Swank, Emma Roberts, Ike Barinholtz, Wayne Duvall. Duración: 90 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Un tiroteo, las críticas del presidente estadounidense Donald Trump —que como otros republicanos, la encontró demasiado provocadora— y una pandemia: La cacería tuvo que sortear todos esos obstáculos para finalmente estrenarse online en la mayoría de los países y hoy, en modalidad autocine, en Uruguay. Es un thriller con toques de terror y momentos gore bien disfrutables para estómagos preparados, entre La purga, Los juegos del hambre y la sátira social.
    Una docena de extraños aparecen en un campo y pronto, entre referencias a Orwell y chispazos de comedia, se dan cuenta que son las presas de una misteriosa cacería. No se puede revelar mucho, pero una de las elegidas logra escapar y emprende una temeraria cruzada en la que exhibe toda su capacidad para la lucha (buena actuación de Betty Gilpin), y llegará al fondo de un asunto que incluye trolls de redes, intolerancia, discriminación e impunidad. El rostro de la villana se revela en el tramo final y es una buena sorpresa del film que en los créditos tiene a Damon Lindelof, cocreador de Lost y guionista de Watchmen.

    La cacería es de un humor incómodo, que no profundiza en los asuntos de peso —podría ser una gran sátira, no lo es— sino que los utiliza como excusa para darle rienda suelta a la acción. Arranca por todo lo alto y aunque su gracia decae, es más entretenida de lo que podría esperarse. Es visualmente atractiva y políticamente incorrecta.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/asi-t...os-semana.html
    Última edición por Amadel; 06-06-2020 a las 16:04:56

  22. #2662
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    Domingo 7 de junio de 2020

    "Cinco sangres", la nueva película de Spike Lee

    El maestro estadounidense vuelve a hablar de las desigualdades raciales en Estados Unidos, ahora centrándose en una historia de la guerra de Vietnam e incluye críticas a Donald Trump

    Spike Lee, a la izquierda, en el set en Tailandia con los protagonistas de “Cinco sangres”

    "Cinco sangres"/Título original Da 5 Bloods
    Año 2020
    Duración 154 min.
    País Estados Unidos
    Dirección Spike Lee
    Guion Spike Lee, Kevin Willmott (Historia: Danny Bilson, Paul De Meo, Matthew Billingsly)
    Música Terence Blanchard
    Fotografía Newton Thomas Sigel
    Reparto Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors, Jean Reno, Paul Walter Hauser, Veronica Ngo, Mélanie Thierry, Jasper Pääkkönen, Rick Shuster, Mav Kang, Alexander Winters, Devin Rumer, Casey Clark, Andrey Kasushkin

    Spoiler:
    SPOILER:
    Tristemente este parece el tiempo adecuado para una nueva película de Spike Lee, el director afroamericano que, desde la década de 1980, viene reflexionando sobre la despareja convivencia racial en Estados Unidos.

    Lee —quien tendría que estar presidiendo el jurado de Cannes si el coronavirus no hubiera obligado a suspenderlo— estrena este viernes en Netflix, Cinco sangres, un drama de veteranos de la guerra de Vietnam en tiempos de Donald Trump.

    La película sigue a cuatro ex soldados -interpretados por Delroy Lindo, Clarke Peters, Isiah Whitlock Jr. y Norm Lewis-que vuelven a Vietnam a por los restos de su líder de escuadrón, Stormin ‘Norman (Chadwick Boseman) y la promesa de un tesoro.

    La historia rinde homenaje a El tesoro de la Sierra Madre (1948), El puente sobre el río Kwai (1957) y Apocalypse Now (1979) y el drama que se desarrolla entre los hombres y entre sus rivales vietnamitas actuales, es una parábola moderna sobre lo perdurable de la guerra y las falsas promesas del individualismo estadounidense.

    Con Cinco sangres (el título original es Da 5 Bloods), Lee vio la oportunidad de explorar un lado de la experiencia negra en Vietnam que no se había mostrado en el cine, a pesar de las muchas películas clásicas que se han hecho sobre ese conflicto. El guión original, titulado The Last Tour y escrito por Danny Bilson y Paul De Meo, trataba sobre soldados blancos pero Lee y su habitual guionista Kevin Willmott (ambos recibieron el Oscar por Infiltrado en el KKKlan) comenzaron a reescribirlo en 2017, luego de que el director original Oliver Stone, saliera del proyecto.

    Ambos estaban particularmente interesados en la psicología de los soldados negros que lucharon en el extranjero por libertades que se les negaban en casa, un tema que Lee exploró en su película sobre la Segunda Guerra Mundial, Miracle at St. Anna (2008).

    “Todo lo que tenían era el uno al otro, y de eso surgió una verdadera unidad y hermandad”, dijo Willmott a The New York Times.

    Lee, nacido en 1957 en Atlanta, y el mayor de seis hermanos, creció viendo noticias sobre la guerra de Vietnam en televisión. Sus recuerdos más imborrables son de sus héroes denunciando el conflicto, incluidos el reverendo Martin Luther King Jr. y Muhammad Ali, a quien le quitaron su título mundial de boxeo por negarse a ser reclutado.

    La película incorpora imágenes documentales de ambos. Un montaje de apertura también presenta clips de Angela Davis, Malcolm X y Kwame Ture, cuyo movimiento de poder negro a fines de la década de 1960 coincidió con los años más álgidos de la guerra.

    El desenfoque de dónde termina la historia y comienza la historia es típico de Lee. Infiltrado en el KKKlan terminaba con imágenes de la violencia racista en Charlottesville, Virginia, en 2017, convirtiendo el horror ficticio en uno real. Lee utilizó una técnica similar en la apertura de su épica de 1992, Malcolm X, donde superpuso la voz de un incendiario Denzel Washington, como X, con un video de la golpiza policial de Rodney King.

    En Cinco sangres agregó otro dato coyuntural: el presidente Trump, un viejo enemigo de Lee. Un personaje central, Paul -interpretado Lindo, viejo compinche de Lee- es un defensor declarado de Trump y luce un gorro de “Make America Great Again”, el eslogan de campaña del presidente.

    Aunque la defensa del presidente por parte de Paul puede sorprender, Lee ya retrató personajes negros complejos. “Mi madre me enseñó a una edad temprana que los negros no son un grupo monolítico”, dijo Lee. “Para hacer que la historia sea dramática, dije:” ¿Qué sería lo más extremo que podríamos hacer con un personaje?”.

    Lee viene haciendo esta clase de cosas desde la década de 1980. Su Haz lo correcto de 1989 no solo es un clásico moderno sino una de los primeros ejemplos de un cine militante y reflexivo. Desde entonces está hablando de una grieta racial, sus causas y sus consecuencias. O sea no ha dejado de alertarnos de muchas cosas que ahora terminamos viendo.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/cinco...o-netflix.html
    Última edición por Amadel; 12-06-2020 a las 10:16:43

  23. #2663
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    Lunes 8 de junio de 2020

    Buen viaje: las experiencias lisérgicas de Sting, Ben Stiller y Carrie Fisher.
    Alejandro Lingenti

    Buen viaje: aventuras psicodélicas/Have a Good Trip: Adventures in Psychedelics (Estados Unidos, 2020). Dirección y guion: Donick Cary. Testimonios: Nick Offerman, Adam Scott, Sting, Carrie Fisher, Ben Stiller, Anthony Bourdain, Sarah Silverman, Deepak Chopra, ASAP Rocky, entre otros. Duración: 85 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Para formular un juicio justo sobre esta película hay que tomar en cuenta su verdadera naturaleza: no se trata de un documental científico -y ni siquiera sociológico- sobre el ácido lisérgico, como podría parecer a primera vista, sino de un especial dedicado a la comedia que lo usa apenas como punto de partida. En esa definición también están cifradas las fortalezas y debilidades de este film dirigido por Donick Cary -un experto en talk shows-, que es claramente más eficaz en algunos pasajes que en otros: sobresalen los sketches breves y dinámicos donde se lucen Adam Scott (el indolente Ed Mackenzie de Big Little Lies) y Brett Gelman (el despreciable Martin de Fleabag).

    La carta de presentación de la película, sin embargo, es la lista de celebridades que cuentan sus experiencias personales con el LSD, como es lógico si se tienen en cuenta el peso y la variedad de los nombres: Sting, Ben Stiller, Carrie Fisher, Antonhy Bourdain, Sarah Silverman, Deepak Chopra... El atractivo de esos testimonios depende en primera medida de los gustos personales (los admiradores de cada personaje valorarán seguramente las confesiones de su favorito), pero objetivamente hay algunos que son más entretenidos que otros. Fisher (la célebre princesa Leia de Star Wars) vive (vivía; murió en 2016) en una casa cuya ambientación parece inspirada en sus viajes de ácido y es una de las más disruptivas. Bourdain (se suicidó en 2018) también luce suelto y desprejuiciado. Sting propone una mirada más existencialista. Y Silverman, como buena comediante, remata con una línea que destila ironía: "Dicen que para disfrutar del ácido es mejor el campo, el bosque o la pradera. Yo siempre me drogué en Nueva York".

    La película estructura los relatos de sus estrellas bajo un paraguas "temático" sintetizado en un puñado de consejos livianos que van puntuando la narración ("no te mires al espejo", "hacelo siempre con amigos") y tiene un look general que provoca identificación inmediata porque recurre al imaginario más difundido de la experiencia lisérgica, reflejado en unas animaciones que remiten a las de Yellow Submarine, el largometraje del canadiense George Dunning protagonizado por unos Beatles de fantasía. También se beneficia de una banda sonora muy inspirada de Yo La Tengo, banda clave del rock alternativo norteamericano. Puede funcionar bien -con algunas intermitencias, eso sí- como pasatiempo, pero se trata finalmente de una idea con cierto potencial que fue desarrollada a medias.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2375292

  24. #2664
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    Lunes 8 de junio de 2020

    Los últimos días del crimen es un producto mecánico y sin sorpresas.
    Diego Batlle.

    Los últimos días del crimen (The Last Days of American Crime, Estados Unidos/2020) Dirección: Olivier Megaton Guion: Karl Gajdusek, basado en la novela gráfica homónima de Rick Remender y Greg Tocchini. Fotografía: Daniel Aranyó. Música: The Limiñanas y David Menke Edición: Mickael Dumontier Elenco: Edgar Ramírez, Michael Pitt y Anna Brewster Duración: 148 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular

    Un francés (Olivier Megaton) dirigió a un venezolano (Edgar Ramírez), un estadounidense (Michael Pitt) y una inglesa (Anna Brewster) en la transposición de una novela gráfica de culto rodada en Sudáfrica con fotografía de un catalán (Daniel Aranyó) y música de un alemán (David Menke). Si esta producción original de Netflix es, por lo tanto, un ejemplo contundente en cuanto a las posibilidades actuales de colaboración multinacional, su resultado artístico está muy lejos de ser propio de un seleccionado con lo mejor de cada origen.
    Los últimos días del crimen comienza describiendo un mundo dominado por la violencia y el caos. El delito ha llegado a tal extremo de descontrol que se anuncia la inminente puesta en práctica de un rígido sistema de seguridad y represión basado ya no tanto en el uso de la fuerza sino en el control permanente del ciudadano con la ayuda de la tecnología. Mientras muchos intentan –sin suerte– cruzar a último momento a Canadá (que aquí, como en El cuento de la criada, es vista como la salvación frente al desmadre estadounidense), aparece en escena el protagonista del film, Graham Bricke (Ramírez), un ladrón profesional y típico galán recio que intentará concretar un último gran golpe antes de que se venza el plazo y cambie para siempre el paradigma social.

    Con look y climas propios de film noir, este guion lleno de lugares comunes, personajes estereotipados y clichés del género escrito por Karl Gajdusek (Trespass, Oblivion: El tiempo del olvido, El aprendiz) unirá al parco Bricke con Kevin Cash (un desatado Pitt que, en la comparación, deja al Nicolas Cage de Mandy como un ejemplo de sobriedad y austeridad gestual). Si ambos son el agua y el aceite, pero eventuales opuestos complementarios, en el medio aparece Shelby Dupree (Brewster), la infaltable femme fatale que es novia de Cash, pero muy pronto se convertirá en amante de Bricke (a los pocos segundos de conocerse tendrán un encuentro íntimo en el baño de un bar).

    Los últimos días del crimen, con esa estilización visual tan propia del cine publicitario de los años 90 y marca de fábrica de Megaton (director formado en las huestes de Luc Besson y responsable de títulos como Exit, El transportador 3, Venganza despiadada y Búsqueda implacable 2 y 3), parece cumplir con el mandato de tantas recientes películas originales de Netflix: larga (dos horas y media), ruidosa (abundan las explosiones) y con estímulos permanentes (como para que el espectador no pierda la atención). El problema es que –aunque a una historia basada en una novela gráfica ya bastante elemental como la de Rick Remender y Greg Tocchini no puede pedírsele demasiada sutileza ni matices– aquí todo resulta incluso dentro de esos cánones y convenciones demasiado torpe, mecánico y sin sorpresas.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2375678
    Última edición por Amadel; 08-06-2020 a las 14:49:36

  25. #2665
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    Jueves 11 de junio de 2020

    Un buen día en el vecindario no es una película apta para escépticos.
    Diego Batlle.

    Un buen día en el vecindario (A Beautiful Day in the Neighborhood, Estados Unidos/2019) Dirección: Marielle Heller Guion: Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue Fotografía: Jody Lee Lipes Edición: Anne McCabe Música: Nate Heller. Elenco: Tom Hanks, Matthew Rhys, Susan Kelechi Watson, Chris Cooper, Enrico Colantoni y Maryann Plunkett Duración: 109 minutos Calificación: Apta para todo público

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena

    Fred Rogers es una figura mítica en la historia de la televisión estadounidense. Este hombre sereno, cálido y sabio condujo con muy pocas interrupciones entre 1968 y 2001 el popular ciclo Mister Rogers’ Neighborhood, que fascinó a varias generaciones de niños, niñas... y padres. Y, aunque Rogers (otra memorable actuación de Tom Hanks) es uno de los personajes centrales de Un buen día en el vecindario, ni siquiera es el verdadero protagonista. La tercera película de esa ascendente directora que es Marielle Heller tras las notables The Diary of a Teenage Girl (2016) y ¿Podrás perdonarme? (2018) está narrada desde el punto de vista de Lloyd Vogel (Matthew Rhys), un cínico periodista al que su editora de la revista Esquire le encarga en 1998 que escriba un perfil del animador.

    Vogel, un alma en pena que está en plena crisis con la paternidad (su esposa, interrpretada por Susan Kelechi Watson, acaba de tener un bebé) y con su padre ausente (Chris Cooper), es todo lo opuesto a esa bondad, humanismo y permanente actitud de buen samaritano que encarna Rogers. Sin embargo, contra todas las presunciones, nacerá entre ambos una relación muy emotiva y de comprensión mutua.

    No apta para escépticos, Un buen día en el vecindario -otra de las películas que la pandemia se llevó de las pantallas gigantes y ahora se puede recuperar en las hogareñas– es, como diría un viejo eslogan, un canto a la vida con sus aires de musical, sus títeres, su candidez y su inocencia. Bella, sincera, cuidada, sensible y precisa, se trata del homenaje que Rogers merecía. El talento de Heller y de Hanks, entre otros, lo hizo posible.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2377635

  26. #2666
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    Jueves 11 de junio de 2020

    Cumbia que vas de ronda: un fenómeno de alcance inusitado.
    Alejandro Lingenti.

    Cumbia que te vas de ronda (Argentina, Bolivia, México, España y Portugal, 2020). Dirección, fotografía y edición: Pablo Ignacio Coronel. Guion: Pablo Ignacio Coronel y Analía Bogado. Distribuidora: Rodeo Distribución. Calificación: apta para todo público. Duración: 87 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Después de debutar en la dirección con el documental Cumbia La Reina, dedicado al fenómeno del género tropical en la Argentina, Pablo Ignacio Coronel vuelve sobre el tema con un enfoque internacional: ahora la historia involucra el sueño de un viaje a Oriente, donde este tipo de música de gran popularidad entre personas de diferentes edades y clases sociales también tiene sus amantes, entusiastas como pocos. El relato arranca en Europa, más precisamente en Portugal, donde vive el realizador y también hay un evidente interés por un estilo que apunta básicamente a promover la diversión y el baile, e incluye escalas en Chile, Bolivia, Colombia, Perú y Brasil.
    ¿Es posible que la cumbia tiente en Japón, Vietnam, Filipinas y Camboya como lo hace en América Latina? Aunque parezca extraño, la respuesta es sí. Su encanto, su flexibilidad para adaptarse a diferentes contextos y fusionarse con otros ritmos y sobre todo su invitación a celebrar capturan rápido, igual que los testimonios que recoge la película de artistas reconocidos como Totó la Momposina (Colombia), Los Mirlos (Perú), Celso Piña (México) y Coco Barcala (Argentina), muy elocuentes en sus definiciones. Más que analizarla desde un punto de vista técnico, el film –que había sido seleccionado para la edición del Bafici que la cuarentena obligó a suspender– propone una mirada que la entiende como un fenómeno social cada vez más expandido.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2377637

  27. #2667
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    Jueves 11 de junio de 2020

    Cosa de hombres: una comedia anacrónica y pueril.
    Paula Vázquez Prieto.

    Cosas de hombres (Chile/2020). Dirección: Gabriela Sobarzo. Guion: Guillermo Amoedo. Fotografía: Antonio Quercia. Edición: Diego Macho Gómez. Elenco: Marcial Tagle, Boris Quercia, Pablo Zuñiga, Paz Bascuñan, Mirella Granucci. Duración: 101 minutos. Distribuidora: BF Paris.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    La comedia chilena Cosas de hombres nace de la usina de Nicolás López, director de la versión mexicana Hazlo como hombre (2017) y también de varios éxitos en Chile como Sin filtro (2016) y No estoy loca (2018). Todo ese universo parte de la misma premisa, poner en escena prejuicios culturales e imaginarios sociales desde el prisma de la sátira de costumbres. Pero las películas de López, sin demasiadas aspiraciones más allá que un relativo efectismo cómico y una buena recaudación, no consiguen ejercer ninguna crítica social.
    Esta remake, dirigida por Gabriela Sobarzo y en sintonía con la idiosincrasia chilena, se mueve en el mismo terreno. La historia de la salida del clóset de Santi (Boris Quercia), seguida por las reacciones homofóbicas de su mejor amigo Raúl (Marcial Tagle), acumula en su primera parte chistes previsibles sobre jabones en la ducha, terapias religiosas y un abanico de gags anacrónicos y sexistas. En su segunda parte intenta una tímida deconstrucción –que no le llega nunca al personaje de la esposa, cuya reacción ante la confesión de su marido es espeluznante-, sin riqueza dramática, apoyada en personajes que ni siquiera ofrecen en su caricatura una observación corrosiva.

    Más allá de las severas impugnaciones asociadas a la figura de López –acusado de abuso sexual en Chile, lo que originó resistencias al estreno de la película en Santiago-, Cosas de hombres no consigue demasiados méritos propios. La dirección de Sobarzo apenas maniobra con un material muy limitado desde su concepción, que confina el humor a un ejercicio de repetición de fórmulas ya vencidas.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2377632

  28. #2668
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    Viernes 12 de junio de 2020

    Spike Lee vuelve con un film de aventuras con contenido político.
    María Fernanda Mugica.

    5 Sangres (Da 5 Bloods, EE.UU. / 2020) / Dirección: Spike Lee / Guión: Danny Bilson, Paul De Meo, Kevin Willmott, Spike Lee / Fotografía: Newton Thomas Sigel / Elenco: Clarke Peters, Delroy Lindo, Jonathan Majors, Chadwick Boseman / Duración: 154 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    "Mientras no encuentren nada, la noble hermandad durará, pero cuando las pilas de oro empiecen a crecer… ahí es cuando comienzan los problemas". La advertencia de Howard, el personaje que encarna Walter Huston en El tesoro de Sierra Madre, resuena en 5 sangres, en la que cuatro veteranos de la guerra de Vietnam y el hijo de uno de ellos vuelven a ese país en busca del oro que dejaron atrás y del cuerpo del quinto integrante del grupo, que murió en una misión. Para algunos más que otros, también se trata de cerrar las heridas psicológicas y espirituales causadas por su participación en la guerra.

    La relación entre 5 sangres y el clásico de John Huston no es casual. Spike Lee hace un homenaje explícito al film y lo combina con referencias a Apocalypse Now, musicalizando un viaje en barco por la selva con La cabalgata de las valquirias, de Wagner, o poniendo un póster de la película en un boliche que visitan los protagonistas.

    La sutileza no es una preocupación para Lee, ni en sus homenajes cinematográficos, ni en su exposición de la historia afroamericana. Tampoco le teme al exceso. Lo importante es lograr un impacto que lleve su mensaje. Para eso utiliza varios recursos narrativos y estéticos: una puesta en escena ecléctica, con jump cuts que llaman la atención del espectador y cambios de formato que dividen el presente y el pasado. También con diálogos en los que se habla de pioneros y activistas afroamericanos, acompañados por sus fotos, que interrumpen la acción por unos segundos. El material de archivo es utilizado por el director, además, para construir una introducción para el film que pone de manifiesto su intención política.

    La película tiene la emoción de una búsqueda del tesoro, con conflictos de amistad y familiares, pero el núcleo de 5 sangres es la denuncia de la explotación de los afroamericanos en los Estados Unidos, desde los esclavos de las plantaciones, siguiendo con los soldados enviados a distintas guerras y hasta la brutalidad policial que atraviesa toda su historia. También se ocupa de mostrar las diferentes perspectivas y realidades dentro de la comunidad afroamericana, a través de cada personaje.

    Parecería que es el momento justo para el estreno de 5 sangres, luego de que se desatara en los Estados Unidos una ola de protestas contra el racismo, tras la muerte de George Floyd a manos de la policía. Sin embargo, la realidad es que lo que estalló en estos días existe hace mucho tiempo y Lee lo viene retratando con su cámara desde los años 80. Más allá del contexto, la grandilocuente potencia de 5 sangres consigue su propósito artístico y político.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2377704

  29. #2669
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    Viernes 12 de junio de 2020

    En Harriet, Cynthia Erivo brilla como una luchadora contra la esclavitud.
    Paula Vázquez Prieto.

    Harriet (Estados Unidos, 2019). Dirección: Kasi Lemmons. Guion: Gregory Allen Howard, Kasi Lemmons. Fotografía: John Toll. Montaje: Wyatt Smith. Elenco: Cynthia Erivo, Joe Alwyn, Clarke Peters, Leslie Odom Jr., Janelle Monáe, Vanessa Bell Calloway. Duración: 125 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Cuando el patrón de una granja en Maryland, hacendado blanco y padre de familia, niega a la joven Minty (Cynthia Erivo) la libertad postergada desde su nacimiento, la familia Ross se encoge de resignación. Sus hermanas habían sido vendidas a varias haciendas sureñas, su madre se extingue por el trabajo forzado a la espera de la liberación, su matrimonio está signado por la separación. Pero Minty no se resigna, ella recoge su frustración y se encamina al bosque para gritarle sus súplicas a Dios. Es ese diálogo místico el que alimenta su rebeldía, el que motiva su desafío a la esclavitud de su raza, el que insufla la valentía necesaria para la arriesgada escapatoria.
    La historia de Harriet Tubman, luchadora negra contra la esclavitud en Estados Unidos, se convierte en la película de Kasi Lemmons en un relato en primera persona, que le debe a la interpretación de la británica Erivo –por la que fue nominada al Oscar el pasado febrero en su doble rol de protagonista y compositora e intérprete de la canción original– su fuerza y su magnetismo. La mirada fija en el cielo, los desmayos de su infancia, el poder de sus premoniciones hacen de Minty/Harriet una extraña heroína, concebida a partir de esa dualidad entre el antes y el después del despertar de su poder. En el marco de un drama social, Lemmons utiliza las coordenadas de la épica, incluso incurre en algunos ecos modernos del cine de superhéroes, para pensar a su personaje en su distinción y liderazgo, para elevarla sobre sus compañeros de lucha a partir de una epifanía, de una extraordinaria revelación.

    El contexto de aquel 1849 en el que comienza la fuga de Minty, la llegada a Filadelfia y su trabajo como conductora estrella de la red antiesclavista conocida como el "ferrocarril subterráneo", y la posterior sanción de la ley contra los esclavos fugitivos son apenas pinceladas de fondo. La película extrema su corrección y eso la hace prolija pero nunca innovadora. La sensibilidad del tema dicta su cautela y el coro que acompaña a Minty en su tránsito a una nueva vida y una nueva identidad como Harriet nunca adquiere el suficiente brillo.

    Sin embargo, hay dos personajes con los que Harriet entabla vínculos activos. Uno es Marie, mujer negra libre de Filadelfia que la recibe a su llegada y la acompaña en su transformación, interpretada por la asombrosa Janelle Monáe, que le ofrece el impacto de su personalidad aún en sus breves apariciones. Y el otro es Gideon Brodess (Joe Alwyn), el hijo de su patrón, por quien rezó en la infancia y luego se convirtió en su perseguidor y encendida némesis. En ese juego de opuestos la película consigue destellos de una profundidad que parecía escapársele, vislumbrando en esa oscura historia en común el germen de la irrenunciable sublevación.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2373717

  30. #2670
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    Viernes 12 de junio de 2020

    "Be Water": el documental de Bruce Lee que sigue el viaje del guerrero.
    Alan Sepinwall.

    Be Water - Tres estrellas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Be Water, el nuevo documental de la serie 30 for 30 de ESPN, se abre con una audición en blanco y negro de su protagonista, la leyenda de las artes marciales Bruce Lee, de mediados de los años sesenta. Lee sigue en silencio las instrucciones de girar la cabeza en distintos ángulos, y el director le dice, desde fuera de cámara: "Ahora la cámara se va a alejar", e invita al protagonista a demostrar algunos trucos de kung-fu con un miembro del equipo técnico como objetivo teórico. Lee está absolutamente relajado, y relaja también a su público con un chiste de que hay que cuidarse de los accidentes, incluso en una prueba como esta. Se para con su postura típica, y de repente el brazo izquierdo explota en dirección al sparring con una velocidad que parece sobrehumana. Hace esto varias veces, de manera desquiciadamente rápida, y después el director le pide que haga una pausa y se vuelva a colocar como para que la cámara pueda capturar mejor sus increíbles movimientos.

    El director Bao Nguyen probablemente haya elegido empezar Be Water con esa secuencia como una forma eficiente de demostrar la magia y el carisma que caracterizó las cortas pero reveladoras carreras del protagonista de Operación Dragón, tanto en la actuación como en las artes marciales. También funciona como una suerte de señal de cómo operará el resto de la película. En gran medida es una crónica bastante convencional, si bien atractiva, de la vida de Lee, pero cada tanto pega tan rápido y tan fuerte, que te vas a preguntar de dónde salió tanta energía de repente.



    Luego de esta introducción, la película salta a 1971, cuando Lee volvió a Hong Kong (donde pasó la mayor parte de su infancia) para buscar el estrellato que no había conseguido en los Estados Unidos. Mientras escuchamos voces en off de su hija Shannon (quien lee cartas de su padre en otras escenas de la película), de su viuda Linda Lee Cadwell, de varios expertos en películas y sociología de la época, durante un par de minutos parece como si Be Water, como muchas otras películas de 30 for 30, fuera a enfocarse en un período corto de la vida de su protagonista. Pero no: se trata del típico dispositivo de las biopics que consiste en empezar cerca del fin para luego, como el director de la prueba de cámara de Lee, ir hacia atrás y ofrecer una imagen más amplia.

    El título sale del descubrimiento que hizo Lee cuando era joven de que el agua puede ser suave e inasible, pero también lo suficientemente poderosa en las circunstancias apropiadas como para penetrar la roca más dura del planeta. Muchos de sus comentarios de archivo a lo largo de la película refieren el agua, incluyendo la idea de las pequeñas olas que causa arrojar una pequeña piedra en una piscina. Be Water quiere mostrarte toda la piscina, y todas las olitas, remontándose no solo a la infancia de Lee en San Francisco, donde su padre viajaba como un famoso cantante de ópera cantonesa, sino también a la larga y difícil relación de la industria del entretenimiento americana con actores de ascendencia asiática, y el maltrato de los japoneses-americanos durante y después de la Segunda Guerra Mundial, entre muchos otros interesantes temas.

    La amplitud es admirable, y en gran medida necesaria para capturar al contexto de la creciente fama de Lee durante los sesenta, de su dificultad para triunfar en los Estados Unidos, y el impacto transformador que tuvo el puñado de films que rodó en los años anteriores a su shockeante muerte a los 32 años en 1973. Necesitamos, por ejemplo, ver clips de actores blancos en papeles asiáticos (John Wayne haciendo de Genghis Khan, Mickey Rooney como vecino de Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany’s, con los dientes salidos) para apreciar no solo la baja probabilidad que tenía Lee de pegarla, sino también las actitudes reinantes, las cuales hicieron que la Warner Bros. contratara al actor blanco David Carradine para hacer del protagonista chino-americano de Kung Fu, el drama de la televisión de los setenta, un proyecto que había concebido Lee como vehículo para sí mismo. Un antiguo ejecutivo de Warner explica, sin señales de arrepentimiento: "La idea era que el acento de Bruce iba a ser difícil para el público de la televisión estadounidense", y declara que el programa jamás se habría hecho con él en el papel de Kwai Chang Caine.

    Pero en su intento de mostrar todas las pequeñas olas asociadas con la breve vida de Lee, Be Water muchas veces es tan difusa como la sustancia de su título. Nguyen y sus entrevistados quieren hablar de muchas cosas, y muchos de ellos reciben un tratamiento demasiado acelerado como para hacerles justicia. La película ni siquiera intenta explorar la vida de Ip Man (también conocido como Yip Man) más allá de su papel como el tutor de Lee en el arte del Wing Chun. En ese caso, quizás Nguyen considerara que la serie de películas de Donnie Yen como Ip Man era un tema ya cubierto, pero tampoco es que la biografía de Lee jamás hubiera sido dramatizada o narrada en un documental. (Las imágenes de la prueba de cámara que abren Be Water ya aparecían en I Am Bruce Lee, de 2012).

    La película cuenta con una variedad impresionante de voces de toda la vida de Lee, incluyendo la de Kareem Abdul-Jabar, el jugador de la NBA, quien se entrenó con Lee cuando era estudiante en la UCLA, e hizo de uno de sus contrincantes en El juego de la muerte, la película inacabada. Todos permanecen fuera de cámara hasta el final, cuando Nguyen encuentra la manera más conmovedora de presentarlos. Por más agudos que sean los entrevistados cuando los escuchamos hablar -cuando se refiere al papel de Lee como Kato en Green Hornet, la serie de corta vida para ABC, el historiador y crítico Jeff Chang insiste: "Su presencia en la pantalla es una protesta en sí misma"-, Be Water es más potente cuando teje sus argumentos de manera visual. Las imágenes recogidas son notables, y no solo incluyen momentos famosos como Lee y el ex alumno Chuck Norris elongando antes de su climática pelea en El furor del dragón, sino también películas caseras, fotos familiares, y clips de su carrera menos conocida como actor infantil en Hong Kong. (Apareció en 20 películas antes de que sus padres lo mandaran a Estados Unidos para evitar que se metiera en problemas con pandillas). Cada vez que vemos imágenes de Lee en acción, resulta exasperante comprobar que el único que parecía saber usarlo en cámara era el propio Lee.

    A lo largo de la película, Lee es presentado como un hombre que derribó barreras, tanto entre artes marciales como entre razas. "La gente está separada por sus estilos", explica en un momento. Su arte marcial característico, el Jeet Kune Do, tomaba prestados elementos de muchas disciplinas, y él fue uno de los primeros maestros de kung-fu en Estados Unidos en aceptar estudiantes no chinos. Dos de ellos -uno afroamericano, el otro latino- se hicieron muy amigos de su joven sensei, y en las noches en que salían, Lee y sus amigos se intercambiaban a las novias para darse la mano, para mostrarle a los mundos una imagen de un mundo post-racial. El hecho de que él se casara con una mujer blanca era, dice Linda, "un reflejo de cómo se sentía sobre Estados Unidos", aunque el país fue mucho menos generoso con él en relación a su etnicidad.

    Como Lee es tan fascinante, Be Water jamás deja de ser atractiva. Ofrece un vistazo general sólido de la vida y el legado de Lee, en particular para aquellos que solo hayan visto la cara de Lee en remeras, o en una de las muchas películas influenciadas por él -por ejemplo, Uma Thurman luchando contra docenas de enemigos en Kill Bill con un traje inspirado en El juego de la muerte, de Lee-, o un Lee de ficción quedando en ridículo con Brad Pitt en Había una vez en Hollywood. Ambas películas de Quentin Tarantino estuvieron absolutamente influenciadas por Lee sin necesariamente dejarlo bien parado. (Kill Bill de hecho le da una oportunidad más a David Carradine para fingir que es un maestro de las artes marciales). Be Water ofrece una imagen mucho más completa de Lee -incluso tiene un segmento sobre él entrenando al elenco de The Wrecking Crew, la película de Sharon Tate que aparece tanto en Había una vez en Hollywood. Aunque sólo por momentos está a la altura de su increíble talento.


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