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Tema: Críticas de películas

  1. #2671
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    Lunes 15 de junio de 2020

    "Da 5 Bloods": la épica de Spike Lee sobre Vietnam suena como un grito de justicia racial.
    Peter Travers.

    "Da 5 Bloods" - 5 estrellas

    Spoiler:
    SPOILER:
    Spike Lee alcanza un nuevo pico en su carrera con esta película revolucionaria acerca de cuatro veteranos afroamericanos con daños emocionales que regresan a Vietnam en la época de Trump para recuperar el cuerpo de su compañero de armas; y quizás también una semblanza de sus antiguas identidades. Estrenada el 12 de junio en Netflix, Da 5 Bloods tiene un mensaje urgente acerca de nuestro momento presente. Lee no tenía la menor idea de que la película se estrenaría al mismo tiempo que el asesinato de George Floyd inspiraba a mucha gente a salir a la calle a protestar, pero él sabe en carne propia cómo se siente para los americanos negros tener el peso de una rodilla sobre el cuello. La justificada bronca de Lee en Do the Right Thing, Malcolm X y BlacKkKlansman se convierte aquí en un viento huracanado. Esta película es una granada. Pero también es un film absolutamente personal y conmovedor. Es un porro de Spike Lee, y también una lección de historia de Spike Lee. Preparate para aprender.

    Lee arranca la clase con imágenes de archivo que parecen hechas a medida para la actualidad: Está Muhammad Ali negándose a cumplir con un llamado al ejército que lo habría llevado a matar vietcong ("Ellos nunca me dijeron ‘nigger’. Ellos nunca me lincharon. Ellos no me tiran a los perros"). Está Malcolm X expresando lo que pasa cuando "agarrás a 20 millones de negros y los hacés pelear todas tus guerras, y recoger todo tu algodón, y no les das ninguna recompensa". Está Bobby Seale con todos los hechos y las cifras de los 186.000 negros que lucharon en la Guerra Civil y los 850.000 conscriptos de la Segunda Guerra, en respuesta a una promesa de libertad que jamás llegó. ("Y ahora acá estamos, con la Guerra de Vietnam, y lo único que vemos es brutalidad y racismo policial"). Las palabras de Kwame Toure retumban como un trueno: "Estados Unidos le declaró la guerra a los negros".

    El pasado, para Lee, es un prólogo en el que incendia el legado desmoralizador de Vietnam. El realizador tiene una bronca muy legítima por el rostro blanco que Hollywood le ha puesto a la guerra. Y en su adaptación de un guión de Danny Bilson y Paul De Meo sobre soldados blancos, que Oliver Stone, el realizador de Pelotón, originalmente iba a dirigir, Lee y su co-guionista habitual Kevin Willmott se aseguran de que la película evite todos los mitos sobre el heroísmo de los blancos. En la película, seguimos a cuatro "bloods" -así se llaman a sí mismos los soldados negros- que no están diseñados siguiendo la línea de John Wayne. Se conocen en un hotel en Ho Chi Minh para comenzar su misión. Son graciosos, feroces, y tienen sus defectos. Paul, interpretado con una intensidad incendiaria por Delroy Lindo, incluso vota a Trump; a sus colegas les causa rechazo ver a su hermano veterano, con su Trastorno de Estrés Post-Traumático, con un sombrero de Make America Great Again. "Estoy harto de que no me llegue el turno", dice, al hablar acerca del tema de la desposesión de los negros que recorre toda la película. Paul es demasiado orgulloso como para aceptar la caridad de Eddie (Norm Lewis), dueño de una concesionaria de autos que oculta su inminente bancarrota. Pero el vínculo entre estos hombres, junto a Otis (Clarke Peters) y Melvin (Isiah Whitlock Jr.), les corre realmente por las venas. Adoran a su antiguo líder caído en batalla, Stormin’ Norman, a quien vemos en flashbacks interpretado por Chadwick Boseman, la estrella de Pantera Negra. Hay que decir algo sobre esos flashbacks: los actores, ya mayores, no están rejuvenecidos digitalmente, al estilo de El irlandés, para sugerir sus momentos más jóvenes. En su lugar, Lee deja que el contraste ilustre la relación fantasmal que une su presente y su pasado.

    Lee prepara la escena con la ayuda de un rodaje en locaciones vibrantes en Tailandia y Vietnam, la fotografía del genial Newton Thomas Sigel (Rapsodia Bohemia), y una banda de sonido evocativa de Terence Blanchard que aumenta su resonancia con fragmentos de "What’s Going On", el fundamental disco de Marvin Gaye de 1971. "Estar acá de nuevo es un viaje frío como el hielo", dice Eddie. También es traumático, y la película se asegura de que lo sientas. Los bloods se reúnen en un bar/boliche llamado Apocalypse Now, donde unos viejos guías vietnamitas -alguna vez enemigos del Norte y el Sur- se invitan tragos y compiten para ofrecer tours de la tierra quemada que dejó lo que ellos llaman "la guerra americana". Hay carteles de franquicias de comida rápido iluminando las calles, señalando la victoria del capitalismo. Los bloods salen de fiesta, en un intento fútil de apaciguar su dolor. Whitlock Jr. te hace ver cómo el alcohol, los opiáceos y el adulterio no le hacen ningún favor a Melvin. Y Peters, ya muy bueno en The Wire, en el papel de Otis es directamente revelador: un antiguo médico que echaba mano de su propio suministro de drogas y aún así logró ser la autoridad luego de que el fuego enemigo se llevara a Norman. Cuando Otis se reúne con su antigua amante Tiên (Lê Y Lan) y se entera de que tienen una hija, queda tambaleando. Hay que felicitar a Lee por completar el costado vietnamita de la ecuación, muchas veces ignorado o demonizado por el cine mainstream. Los bloods contratan a un guía vietnamita, Vinh Tran (el maestro de las artes marciales Johnny Trí Nguyê~n), cuya familia fue absolutamente destruida por la guerra. Vinh no entiende por qué los bloods quieren que él los lleve solo hasta el borde de la selva, y no más allá.

    ¿Qué esconden? ¿Los bloods tienen algún motivo más egoísta, además de la recuperación del cuerpo de Norman? Cerca de la tumba de su líder, descubierta hace poco tiempo en imágenes satelitales, hay escondido un tesoro de barras de oro que el Tío Sam usaba para pagarles a los indígenas para que lucharan contra los Vietcong. Había sido idea de Norman esconder el oro -que oficialmente pertenece a Vietnam- y recuperarlo después, "en nombre de cada uno de los soldados negros que no pudieron volver a casa, y para los hermanos y hermanas robados de la Madre Africa y vendidos en Jamestown, Virginia, en 1619". También había sido Norman el que les enseñó a los bloods la historia negra. "El fue nuestro Malcolm y nuestro Martin", dice Otis, subrayando el impacto de cuando los jóvenes soldados se enteraron del asesinato del Dr. King en 1968.

    Los bloods entonces se dirigen a la selva, y los acompaña el hijo de Paul, David (un Jonathan Majors estelar), con la intención de mejorar la relación con su padre. Y cada uno tiene una batalla con su propia consciencia. ¿Usarán el oro para reparaciones negras, como habría querido Norman? ¿O para llenar sus propios bolsillos con ayuda de Desroche (Jean Reno, exudando egoísmo), un francés turbio que quiere ayudarlos a vender el oro y quedarse con una parte? Ni los terrores de la selva, ni sus serpientes, ni sus trampas, ni sus minas, ni un encuentro violento con una banda de oficiales vietnamitas, se compara con la batalla librada en la cabeza de cada uno de los bloods. Paul, decidido a conseguir su parte, y atormentado por las alucinaciones que le ocasiona la enfermedad y un secreto culposo, se corta solo, dejando a los otros tratando de hacer lo correcto. ¿Pero qué es lo correcto?

    Da 5 Bloods se agrega a The Treasure of the Sierra Madre, de John Huston, en la lista de las extrañas películas que logran mostrar cómo la avaricia puede llevar a la traición y a una guerra entre hermanos. La distorsión de la historia que hace Hollywood es una obsesión de Lee. Los bloods discuten sobre "las idiotas películas de Rambo" y "esos hijos de puta de Holly-weird que quieren volver al pasado y ganar la Guerra de Vietnam". Melvin dice que le encantaría "ver una película sobre un héroe de verdad", como Milton L. Olive III, el soldado de infantería de 18 años que saltó sobre una granada para salvar vidas, y se transformó así en "el primer hermano de ‘Nam en recibir la Medalla de Honor". Pero no hay nadie que haga esa película; ni tampoco una sobre Crispus Attucks, el primer caído americano en la Guerra de la Revolución. Lee se complicó cuando agregó mucho contenido en The Miracle de St. Anna, su película de 2008 sobre la ignorada contribución de los soldados negros en la Segunda Guerra. Acá no, y el tema recibe el enfoque que merece.

    Sorprendentemente, Da 5 Bloods es la primera película que considera Vietnam enteramente desde la perspectiva de soldados negros. Y Lee es un pionero que le otorga pasión y claridad a su retrato de los bloods como patriotas que sufrieron pérdidas desproporcionadas, en una guerra inmoral que no era la suya, y luego volvieron a un país que les negaba derechos civiles y los dejó alienados y perdidos. Lo que le otorga a la película su energía confrontativa es la inacabada línea de sacrificios negros. Lee terminaba BlacKkKlansman con una coda sobre la intolerancia que disparó el enfrentamiento letal en Charlottesville de 2017. En este caso, no concluye con la bronca inspirada por el asesinato de Floyd en Minneapolis. No es necesario. Es imposible ver Da 5 Bloods sin oír un grito que pide justicia racial reverberando en cada plano. Lee hizo más que una película conmovedora para nuestro momento presente. Hizo una para la historia.


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  2. #2672
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    Viernes 19 de junio de 2020

    Algo con una mujer: testigo en peligro.
    Alejandro Lingenti.

    Algo con una mujer (Argentina, 2020). Dirección y guion: Mariano Turek y Luján Loioco. Fotografía: Gustavo Biazzi. Edición: Nicolás Goldbart. Elenco: María Soldi, Mabel Vignau, Abel Ayala, Miriam Odorico. Calificación: apta para mayores de 16 años. Duración: 90 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Una amante de los policiales se transforma inesperadamente en protagonista importante de una trama perfecta para una buena ficción de ese género. Eso es exactamente lo que le pasa, de repente, como si se tratara de una oscura pesadilla, a Rosa, prolija modista y abnegada ama de casa que responde puntillosamente al canon de mujer sumisa de su época. Testigo de un asesinato del que sabemos poco y que, una vez consumado, dispara diversos interrogantes relacionados con el contexto en el que se produjo, Rosa es una dama refinada, misteriosa y bastante impredecible, todas características que María Soldi logra transmitir eficazmente con una interpretación muy ajustada.

    Adaptación de la obra teatral La Rosa, del experimentado dramaturgo santafesino Julio César Beltzer, esta historia cargada de tensiones y enigmas también focaliza en los dilemas de la militancia política (encarnados en el agobiado personaje de Manuel Vignau) y las filtraciones domésticas de la convulsión social de la Argentina de mediados de los 50, la época en la que el peronismo fue violentamente desalojado del poder y se consolidó en el país una disputa ideológica (la famosa grieta) que dura hasta hoy.

    La ambientación de época del film es consistente, y el trabajo de cámara y fotografía de Gustavo Biazzi revela solidez y una gran inventiva para apuntalar la trama.


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    Última edición por Amadel; 22-06-2020 a las 15:39:23

  3. #2673
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    Viernes 19 de junio de 2020

    El límite infinito prueba que no hay obstáculos para el espíritu humano.
    Diego Batlle

    El límite infinito (Argentina/2020). Dirección y edición: Pablo Aulita Guion: Sebastián Meschengieser. Producción: Juan José Campanella. Fotografía: Pablo Vieitez. Música: Emilio Kauderer Sonido: José Luis Díaz. Duración: 47 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Más allá de su trabajo como director de cine y televisión, Juan José Campanella sostiene un permanente interés por promover proyectos cuyo objetivo -además de lo puramente artístico- pasa por reivindicar casos de personas que han superado dificultades y limitaciones con la idea de concientizar en contra de todo tipo de discriminación. Lo había hecho como coproductor del corto de animación Ian, una historia que nos movilizará y lo potencia ahora desde su compañía 100 Bares con este mediometraje documental que exalta el caso excepcional del cordobés Jean Maggi.
    Si un guionista le presentara a un productor una historia de ficción sobre un niño postrado por una poliomielitis mal tratada, que sufrió distintas formas de bullying, que luego intentó ahogar sus penas con todo tipo de excesos, que tuvo un infarto a los 37 años y que ya en la madurez encontró a partir del acceso a una bicicleta adaptada la posibilidad de recorrer el mundo, convertirse en un deportista de élite (maratón de Nueva York, triatlones, cruce de cordilleras a caballo, esquí de nieve y acuático, abanderado en un juego olímpico), subir hasta los 5600 metros en la ruta del Himalaya y, así, reinventarse y poder además ayudar a los demás desde una fundación propia, es muy probable que la respuesta fuese "es demasiado exagerada e inverosímil".

    Pues bien, esa es la épica real que registra este documental que mixtura material de archivo familiar, registros tomados por colaboradores de Maggi (hoy de 57 años) durante la excursión de 2015 a la India para recorrer la carretera más alta del mundo en esa zona de fronteras que es Khardung La y testimonios recientes (como el de su esposa, que lo contuvo y estimuló incluso en los peores momentos de salud física y mental) registrados por el equipo liderado por el director Pablo Aulita.

    El documental es básico, sencillo y si se quiere convencional en su estructura, pero el énfasis aquí no está puesto en el regodeo estético sino en la reivindicación de un ejemplo de resiliencia, de superación frente a la tragedia, los traumas, los prejuicios y los condicionamientos en el que se combinan desde la fuerza de voluntad interior hasta el apoyo familiar y social. Así, aunque no haya grandes hallazgos formales o narrativos, es muy difícil no empatizar y no emocionarse en varios momentos con Jean Maggi y la historia de su límite infinito.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2382484

  4. #2674
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    Sábado 20 de junio de 2020

    "La red avispa"

    Dirigida por el prestigioso director francés Olivier Assayas, es una reconstrucción de un caso de espionaje cubano en las organizaciones anticastristas de Miami en la década de 1990
    FERNÁN CISNERO

    Edgar Ramírez, al centro, un espía cubano en Miami

    La red avispa * * *
    Título Original Wasp Network
    Escrita y dirigida por Olivier Assayas, inspirado en un libro de Fernando Morais. Fotografía: Yorick Le Saux, Denis Lenoir. Editor: Simon Jacquet. Música: Eduardo Cruz. Con: Penélope Cruz, Édgar Ramírez, Gael García Bernal , Wagner Moura, Ana de Armas, Leonardo Sbaraglia. Duración: 125 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Olivier Assayas empezó como crítico de cine pero incluso algo así se le puede perdonar con una filmografía que incluye algunas de las grandes películas francesas de los últimos 20 años. Ayer se estrenó su primera producción para Netflix, La red avispa, una prueba de su eclesticismo y, a todos nos pasa, su irregularidad.

    Pariente pobre de Carlos —la épica de Assayas sobre vida y obra del terrorista venezolano Ilich Ramírez Sánchez, El Chacal— La red avispa cuenta la historia de una red de espionaje cubano dentro de las organizaciones anticastristas en la década de 1990. Es un caso real que Assayas utiliza para mostrar el papel del héroe y los daños colaterales que provoca en su entorno más cercano.

    Allí están Edgar Ramírez como un piloto cubano disidente que deja en la isla a su esposa (Penélope Cruz) y a su pequeña hija y que se vincula a una organización anticastrista en Miami liderada por un tal José Basulto (un Leonardo Sbaraglia de acento caribeño). También están Juan Pablo Roque (Wagner Moura), un desertor estrella y Gael García Bernal como el jefe de la operación.

    Assayas es un gran director, como queda clarísimo en cosas tan diferentes como Las horas de verano o Personal Shopper, dos grandes películas de los últimos años. La red avispa, aunque interesante está lejos de esos antecedentes.

    El problema es la acumulación y que, a pesar de eso, siempre queda como algo sin mostrar o un dato que hubiera dado más profundidad. Quedan las actuaciones (Cruz está muy bien), un par de buenas ideas visuales y la sensación de que todo podría haber salido mucho mejor.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/red-a...o-netflix.html

  5. #2675
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    Domingo 21 de junio de 2020

    De qué se trata La bala perdida
    Marcelo Stiletano

    La bala perdida (Balle Perdue, Francia/2020). Dirección: Guillaume Pierret. Guion: Guillaume Pierret, Alban Lenoir y Kamel Guemra. Elenco: Alban Lenoir, Nicolas Duvauchelle, Ramzy Bedia, Stéfi Celma.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    La bala perdida es una grata e inesperada sorpresa en el proceloso mar de los lanzamientos de Netflix. Lanzada sin el despliegue y el ruido de marketing de otras novedades de la plataforma se encaramó muy rápido al tope de la lista de títulos más populares. Desde ese lugar debe corregir ante todo un precipitado equívoco: ser presentada y vista como la versión francesa de Rápidos y furiosos.

    Esa confusión podría corregirse con el tiempo si esta promisoria aparición encuentra tiempo y espacio para seguir a través de secuelas que ya empiezan a insinuarse. Es cierto que podría haber un par de puntos en común entre la exitosa saga automovilística de Hollywood y una producción francesa bastante más modesta, por momentos casi artesanal en su concepción por más que veamos aquí también unos cuantos coches destruidos en frenéticas persecuciones callejeras.

    Bien mirada, la trama de La bala perdida es propia de un policial clase B. A Lino, un experto mecánico, y a su hermano menor les sale muy mal el plan que elaboraron para robar joyas con un auto "preparado". La máquina se pasó de revoluciones y Lino (Alban Lenoir, una especie de Jason Statham francés) termina en la cárcel. Hasta que el jefe de una brigada antidrogas lo recluta para asistir a la policía desde su especialidad. Al lacónico Lino le agrada ese trabajo como potencial camino redentor y de a poco va asimilándose con ese nuevo mundo. Pero las cuentas pendientes de ese fallido golpe se mezclan con una trama de corrupción policial y Lino se ve arrastrado por esos planes.

    Todo empieza a complicarse y a hacerse cada vez más áspero, crudo y ultraviolento. Los personajes de esta historia casi circular empiezan a sentir que la vida vale para ellos poco y nada.

    La trama avanza sin desmayos, con letra concisa, escenas que nunca duran más que lo justo y personajes con motivaciones claras. Las precisas secuencias de acción están muy bien diseñadas y hay alguna, como la extensa pelea cuerpo a cuerpo entre Lino y varios adversarios en una seccional de policía, que roza la excelencia. En el medio están en tensión los temas de siempre (lealtades, traiciones, ambiciones, afectos genuinos) que cuando están expuestos con convicción y sin énfasis funcionan. Basta un ejemplo: nunca se nos muestra el momento del flechazo entre Lino y una de las integrantes de la brigada policial. Pero ante la primera pista ya podemos reconstruir sin necesidad de explicación alguna toda esa conexión.

    Por allí aparece algún exceso de imitación de los clisés hollywoodenses ya impuestos en el género, pero esa apelación a las fórmulas convive con giros y expresiones genuinamente francesas que le dan al cuadro un matiz distinto al habitual. Y con la duración justa: 90 minutos bien aprovechados y muy entretenidos.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2383410

  6. #2676
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    Lunes 22 de junio de 2020

    7500: terror a bordo y un sólido Joseph Gordon-Levitt.

    Diego Batlle.

    7500 (Alemania-Austria-Estados Unidos/2019).Dirección: Patrick Vollrath. Guion: Patrick Vollrath y Senad Halilbasic. Fotografía: Sebastian Thaler.Edición: Hansjörg Weissbrich. Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Omid Memar, Aylin Tezel, Carlo Kitzlinger, Murathan Muslu y Paul Wollin. Duración: 92 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    "Ojo por ojo y el mundo acabará ciego". Con esa cita de Mahatma Gandhi se abre esta atrapante ópera prima del alemán Patrick Vollrath. Y, si bien la película tiene como eje el intento de unos terroristas por secuestrar un avión, esa frase será el aspecto más político de un film que prescindirá de motivaciones o explicaciones sobre qué reivindicaciones buscan los atacantes.

    Lejos de apuestas más concientizadoras y de denuncia como Vuelo 93, de Paul Greengrass, 7500 es un exponente puro de cine de género que apuesta a la concentración dramática, la austeridad narrativa y un sólido manejo de la tensión y el suspenso. Tras una secuencia inicial de solo 180 segundos ambientada en el aeropuerto de Berlín y contada a través de imágenes de las cámaras de seguridad, la película transcurrirá íntegramente durante los siguientes 80 minutos dentro de la cabina de mando de un pequeño avión comercial. Un auténtico tour-de-force tanto para el equipo técnico como para el protagonista: Joseph Gordon-Levitt.

    Gordon-Levitt es Tobias Ellis, un piloto estadounidense de apenas 31 años que acompaña a un experimentado comandante aléman (Carlo Kitzlinger) en un aparentemente sencillo vuelo comercial de Berlín a París en el que también trabaja como azafata Gökce (Aylin Tezel), la pareja turco-germana de Tobias y madre de un niño de dos años. Pero, claro, al poco de despegar, cuatro terroristas islámicos intentan apoderarse del avión y allí comienza el conflicto principal de un film construido con indudable destreza y convicción por el debutante Vollrath, quien jamás traiciona las reglas que se impuso ni cede a tentaciones manipuladoras, sentimentalistas o demagógicas.

    Es cierto que durante la segunda mitad la película tiene algunos baches, pero jamás pierde el foco. En ese sentido, más allá de la impecable puesta en escena de Vollrath, buena parte del mérito hay que acreditárselo a un Gordon-Levitt (visto en la serie 3rd Rock from the Sun y en películas como 500 días con ella, El origen, 50/50, Looper: Asesinos del futuro, Lincoln, Entre sus manos, Batman: El caballero de la noche asciende y Snowden) siempre convincente en sus múltiples facetas que van desde el profesionalismo a la vulnerabilidad, sin perder jamás la nobleza y la empatía que su personaje requiere. Así, con una actuación ajustada y al servicio de las necesidades de la narración, colabora para que esta pequeña película original de Amazon Studios para su plataforma Prime Video se constituya en una bienvenida sorpresa.


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  7. #2677
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    Lunes 22 de junio de 2020

    Siente el ritmo, una película con mucha ternura y pocas sorpresas.
    Natalia Trzenko.

    Siente el ritmo /Feel the Beat (Estados Unidos, 2020). Dirección: Elissa Down. Guion: Michael Armbruster, Shawn Ku. Elenco: Sofia Carson, Donna Lynne Champlin,Enrico Colantoni, Wolfgang Novogratz, Brandon Kyle Goodman. Duración: 107 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Con la mira puesta en el publico infantil y preadolescente acostumbrado a ver películas y series ya sean de Disney, Nickelodeon o Netflix que hacen del talento artístico y los deseos de mostrarlo el centro del relato, Siente el ritmo es tan predecible como tierna. Claro que la fórmula conocida y la acumulación de clichés no son aptas para el público adulto que no esté familiarizado con estas historias dónde la sutileza no existe y el final feliz está asegurado desde el principio.

    En este caso, todo gira en torno a April, interpretada por Sofia Carson, conocida por su papel en los exitosos telefilms de Disney Los descendientes. April es una bailarina talentosa que apenas sobrevive en Nueva York yendo de audición en audición para finalmente conseguir un papel en Broadway. Como indica la receta en los primeros cinco minutos de la trama todo lo que puede salir mal sale pésimo y la chica no solo se queda sin el trabajo soñado sino que aparentemente sus posibilidades de conseguir alguno se reducen drásticamente.

    Humillada y con su departamento clausurado por falta de pago, la protagonista regresa a su pueblo natal en Wisconsin. Allí la espera su papá Frank (Enrico Colantoni) y los lugareños que celebran el regreso de la hija pródiga a la que creen una estrella del musical. Y una diva, si se trata de evaluar su éxito según los modos caprichosos, arrogantes y directamente odiosos con los que April visita el estudio de danza dónde tomó sus primeras clases.

    Allí la espera su maestra Barb (Donna Lynne Champlin) y un grupo de alumnas con más entusiasmo que habilidad en las que la protagonista ve la posibilidad de salvar su carrera. Siempre y cuando puedan ganar el concurso nacional de baile para el que no están preparadas ni interesadas en participar. Lo que vendrá después es fácil de imaginar: el carácter exigente de April no es el más adecuado para la enseñanza pero lentamente la ternura de las alumnitas y el cariño y la paciencia de Barb harán que el helado corazón de la bailarina empiece a derretirse.


    Aunque Carson es una bailarina talentosa sus habilidades como actriz no alcanzan para darle la frescura necesaria a un personaje adocenado cuyo arco dramático evoluciona a la par de sus peinados. Del recogido tirante al pelo suelto con ondas, April está lejos ser la adorable gruñona que el guion se esfuerza por presentar en la segunda mitad del film. Que de todos modos sí acierta con sus personajes infantiles y secundarios.

    Cuando el eje narrativo le presta atención a las pequeñas bailarinas y sus historias familiares la película suma emoción genuina y algo de necesario humor. La escena de la competencia en la que los padres de los participantes compiten gritando los pasos de ballet que sus hijos son capaces de ejecutar relevan que más allá de la fórmula y las convenciones a veces la ternura logra ser la estrella del espectáculo.


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  8. #2678
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    Jueves 26 de junio de 2020

    Bajo mi piel morena: la difícil vida de tres mujeres trans en el conurbano
    Alejandro Lingenti.

    Bajo mi piel morena (Argentina, 2019). Dirección y guion: José Celestino Campusano. Fotografía: Eric Elizondo. Edición: Horacio Florentín. Elenco: Morena Yfrán, Maryanne Lettieri, Belén D' Andrea, Emma Serna, Julián Siliberto, Ana Luzarth, Pablo Fazzari. Calificación: apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    Tres historias de vida se entrecruzan en la nueva película de José Campusano. Tres caminos difíciles que dicen mucho sobre la realidad cotidiana de las personas trans en los ambientes más ásperos del conurbano bonaerense, ese territorio sobre el cual el director viene trabajando obstinadamente desde la ficción hace años.
    El eje narrativo es el día a día de Morena (Morena Yfrán), trabajadora en una fábrica que sufre los prejuicios de algunos compañeros, pero también recibe el cariño de otros, es sostén de su madre anciana y también amiga solidaria siempre disponible para escuchar problemas ajenos y colaborar para intentar resolverlos. Sobre todo cuando se trata de las dificultades que atraviesan Claudia (Maryanne Lettieri), docente de Historia que pelea por ser respetada en la escuela secundaria donde dicta clases, y Myriam (Emma Serna), una prima que se dedica a la prostitución.
    Prolífico y capaz de abordar temas muy diferentes, Campusano ha mantenido en los últimos diez años un programa artístico claro, con el foco puesto en un contexto que el cine argentino masivo por lo general ignora o aborda con una mirada paternalista. Y ha ido puliendo notablemente su lenguaje cinematográfico, aun cuando por momentos esa caligrafía se debilite en algunos diálogos demasiado sentenciosos que suenan artificiales. Es apenas un detalle a corregir que no empaña su notoria personalidad como cineasta.


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    Última edición por Amadel; 03-07-2020 a las 20:23:41

  9. #2679
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    Miércoles 1º de julio de 2020

    Lina de Lima: una mirada original sobre una típica historia latinoamericana.
    María Fernanda Mugica.

    Lina de Lima
    (Chile-Argentina- Perú / 2019). Dirección: María Paz González. Guion: María Paz González. Fotografía: Benjamín Echazarreta. Elenco: Magaly Solier, Emilia Ossandón, Sebastián Brahm, Javiera Contador. Duración: 83 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    La vida de una mujer peruana que mantiene a su familia trabajando como empleada doméstica en una casa en Santiago de Chile parece un tema típico del cine latinoamericano. Lo original de Lina de Lima es la mirada precisa y cariñosa de su directora y la forma en la que cuenta esta historia, combinando un relato realista que muestra las actividades cotidianas de la protagonista con musicales llenos de color y brillo, en los que expresa su rico mundo interior y su propia cultura.
    La película presenta de forma inequívoca pero sutil las desigualdades económicas y sociales que sufre Lina, quien se sacrifica estando lejos de su hijo y trabajando mucho para darle algunos gustos. Pero no pone a la protagonista en el lugar de víctima, ni de heroína. La muestra como una mujer real a cargo de sus propios deseos, con mucha personalidad y sentido del humor, que lleva lo mejor que puede la soledad y encuentra diversión en pequeñas cosas, yendo a bailes y teniendo encuentros sexuales.

    Para lograr este profundo retrato, María Paz González no se guió por prejuicios y modelos repetidos sino que se acercó a mujeres que tienen vidas como la de Lina para conocerlas mejor y contar una historia genuina, desde una perspectiva con pura empatía y sin lástima. Esta intención se completa con la excelente interpretación de Magaly Solier, que toca la nota justa propuesta por el film, un trabajo nada sencillo, y se luce en los números musicales.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2388853

  10. #2680
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    Jueves 2 de julio de 2020

    Dulce familia: azucarada comedia mexicana.
    Adolfo C. Martínez

    Dulce familia (México/2020). Dirección: Nicolás López. Guion: Nicolás López, Guillermo Amoedo. Música: Manuel Riveiro. Fotografía: Antonio Quercia. Elenco: Florinda Meza, Fernanda Castillo, Regina Blandón, Vadhir Derbez, Paz Bascuñan, Vanessa Díaz. Duración: 100 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Verónica es una actriz madura, aunque todavía posee la suficiente sugestión como para conservar el éxito de ostros tiempos y es, a la vez, madre de tres muchachas que viven problematizadas existencias. Tamy, feliz propietaria de una pastelería, es parte de este trío femenino y, a punto de casarse, se someterá a todo tipo de torturas posibles para que en su inminente boda pueda usar el traje de novia de su madre. Una severa dieta será, según sus dos hermanas, la solución de su problema y así ellas se empeñarán en que Tamy comience a ponerse en línea aunque la principal razón parece ser "no desentonar" con su severa madre que, mientras tanto, tiene su propio desafío en el intento de mantenerse vigente como actriz.

    Entre idas y vueltas esta particular familia muestra las diferencias y, a la vez, su cálida necesidad de ayudarse en sus respectivas actitudes frente a las contingencias cotidianas. Con estos elementos el film se convierte en una divertida comedia a la que el director Nicolás López supo imponerle la suficiente simpatía. Florinda Meza (Doña Florinda en la recordada serie de Roberto Gómez Bolaños), Fernanda Castillo, Paz Bascuán y Regina Blandón aportan la necesaria simpatía para ubicarse en la piel de las protagonistas de este film que, con muy correctos elementos técnicos, transita por su azucarado y entretenido guión.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2388973

  11. #2681
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    Jueves 2 de julio de 2020

    Con dirección de Sabrina Moreno
    "Azul el mar": aquello que fue y ya no es
    Ezequiel Boetti

    "Azul el mar" fue estrenada en una de las secciones no competitivas del último Festival de Mar del Plata.

    Azul el mar 6 puntos
    Argentina, 2019.
    Dirección y guión: Sabrina Moreno.
    Duración: 67 minutos.
    Intérpretes: Umbra Colombo, Beto Bernuez, Martina Depascual Fernández, Nehuén Fritz, Margarita Garelik y Juan Cruz Solís



    Spoiler:
    SPOILER:
    Las vacaciones como el principio de un fin y, con ello, de una manera de sentir, de posicionarse frente a una vida distinta a la imaginada. Así podría resumirse el núcleo emocional y dramático de Azul el mar, el debut en la realización de largometrajes de la cordobesa Sabrina Moreno estrenado en el marco de una de las secciones no competitivas del último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La ciudad balnearia asomaba como el escenario ideal para su primera exhibición pública, en tanto aquellas playas y sus inoxidables hoteles setentosos operan como marco de la disolución definitiva del vínculo amoroso que unió a Lola (Umbra Colombo) y Ricardo (Beto Bernuez).
    Hasta la ciudad de los alfajores y los lobos marinos llega la pareja con sus cuatro hijos –un par adolescentes, los otros chicos– durante algún verano de la década de 1990, tal como se desprende de los planos iniciales que recorren distintos sectores céntricos y de la precisa ambientación de un film que se propone auscultar en la intimidad de una mujer cuyo mundo interno se asoma a un abismo. Un abismo metafórico que deviene en literal cuando ella se acerca a los acantilados cercanos al faro para observar la infinidad del océano. Como en Julia y el zorro, otra producción surgida de la inagotable cantera audiovisual cordobesa, vista en el festival costero del año anterior y también protagonizada por Colombo, Azul el mar habla sobre una mujer sola aun estando acompañada.

    Afincada en los recuerdos personales de la realizadora, a quien no cuesta imaginarla como una de esas chicas que disfruta las bondades marplatenses ajena a los problemas de sus padres, la película presenta, en sus primeros momentos, escenas típicas de una rutina familiar vacacional. Todo marcha por los cauces habituales de los tiempos dilatados del verano, con horas de arena y agua y otras tantas destinadas al paseo por espacios públicos. Pero en la habitación matrimonial del hotel las cosas son distintas. Hay un evidente malestar en Lola frente una situación que difícilmente hubiera elegido, por lo que aflora en ella un sentimiento de incomodidad y lejanía, como si su cabeza estuviera en un lugar distinto al de su cuerpo.
    Una incomodidad que lleva al relato a una zona donde conviven el presente y una serie de ensoñaciones que remiten a un pasado idílico, proyecciones de aquello que fue y ya no es. O de aquello que directamente nunca fue pero podría haber sido. Porque Lola es un personaje igual de ambiguo que la película. Moreno está atenta al detalle mínimo y encuentra su principal aliado en el enorme talento de Colombo, aunque también es una directora que, en su búsqueda de materializar esa abstracción que son los sentimientos, recurre a algunos motivos visuales reiterativos (los planos en cámara lenta del mar) y a situaciones de guion forzadas que llegan al extremo de sacar una muerte de la galera.


    https://www.pagina12.com.ar/275863-a...fue-y-ya-no-es

  12. #2682
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    Jueves 2 de julio de 2020

    "Siente el ritmo", un éxito con una historia predecible pero llena de encanto

    "Siente el ritmo", la película de Netflix protagonizada por Sofia Carson ("Los descendientes"), presenta la historia de una talentosa bailarina que debe reiniciar su carrera
    RODRIGO GUERRA

    "Siente el ritmo".

    Siente el ritmo Título original Feel the Beat
    Año 2020
    Duración 109 min.
    País Estados Unidos
    Dirección Elissa Down
    Guion Michael Armbruster, Shawn Ku
    Música Michael Yezerski
    Fotografía Amir M. Mokri
    Reparto
    Sofia Carson, Wolfgang Novogratz, Donna Lynne Champlin, Enrico Colantoni, Lidya Jewett, Johanna Colón, Shiloh Nelson, Carina Battrick, Ken Pak, Dennis Andres, Marissa Jaret Winokur, Rex Lee, Marcia Bennett, Brandon Kyle Goodman

    Spoiler:
    SPOILER:
    Siente el ritmo es una de esas películas en las que uno imagina cómo será el final con tan solo mirar los primeros minutos. Pero el encanto que transmiten los jóvenes personajes, sumado a la historia de superación a través del baile, hacen de la experiencia algo disfrutable.

    Con una trama ideada para un público infantil y preadolescente, Siente el ritmo se centra en la vida de April Dibrina (interpretada por Sofia Carson, conocida por su papel en Los descendientes), una talentosa bailarina que lucha por hacerse un nombre en la escena de Nueva York. La joven va de audición en audición con el objetivo de cumplir su sueño de obtener un papel protagónico en Broadway, hasta que una serie de eventos desafortunados la deja humillada y sin posibilidades de cumplir su sueño.

    Tras quedarse sin dinero y haber sido desalojada de su departamento, a April no le queda más opción que volver a New Hope, su pueblo natal (ubicado en Wisconsin). Sumida en la depresión, debe reencontrase con los lugareños, quienes celebran el regreso de la bailarina que se transformó en el orgullo del pueblo.

    Aunque April no llegó a convertirse en estrella, volvió a New Hope con la arrogancia propia de una diva. Por momentos odiosa y desconsiderada, se ve obligada a retomar el contacto con su primera maestra de baile, la señorita Barb, quien la invita a dar una charla en el estudio de danza donde tomó las primeras clases de su vida.

    Lo que comienza como una obligación, se termina convirtiendo en una oportunidad de retomar su sueño de llegar a Broadway. La señorita Barb la invita a participar de una competencia de baile llamada Dance, Dance, Dance, que tendrá como jurado a Welly Wong, uno de los productores más importantes de Broadway. Al darse cuenta de que esa es su oportunidad de redimirse, se pone al grupo de bailarinas al hombro, pero le espera un arduo trabajo.

    Y, cuando el eje narrativo se centra en las pequeñas bailarinas y en sus historias familiares, es donde aparece el verdadero encanto de Siente el ritmo. En las escenas dedicadas a las estudiantes, la película adopta momentos de ternura y le añade varias dosis de humor. Así, se puede ver cómo el grupo se dedica a superarse.

    Claro que también están los clichés, totalmente prescindibles. Entre ellos, el reencuentro entre la protagonista y su primer novio, a quien abandonó repentinamente para irse a probar suerte en Nueva York.

    Pero, cuando el foco está en la pista de baile y en la superación de las pequeñas bailarinas, es donde Siente el ritmo termina salvándose. Así, la película producida por Netflix termina brindando varios momentos disfrutables para ver junto a la familia.


    https://www.tvshow.com.uy/cine/sient...a-encanto.html

  13. #2683
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    Jueves 2 de julio de 2020

    Una austera historia de dolor y redención filmada en Chile.
    Marcelo Stiletano.

    Nadie sabe que estoy aquí (Chile/2020). Director: Gaspar Antillo. Guion: Gaspar Antillo, Josefina Fernández, Enrique Videla. Fotografía: Sergio Armstrong. Dirección de arte: Estefanía Larrain. Elenco: Jorge García, Luis Gnecco, Millaray Lobos, Alejandro Goic, Gastón Pauls.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: buena.

    El primer largometraje original producido en Chile por Netflix rinde tributo del principio al fin a un modelo que se impuso en el cine independiente de Estados Unidos. Historias que transcurren en lugares lejanos, con personajes que deciden voluntariamente aislarse del mundo y tomar distancia de situaciones traumáticas, con climas que se ponen deliberadamente al servicio de esas situaciones y con escenas que demoran también de manera intencionada la exposición de los motivos que llevan a esos personajes a instalarse allí, así como exponen todo lo que puede llegar a ocurrir para que eso pueda cambiar. De ese modo se abre un camino posible para la redención.

    El escenario de esta historia es Llanquihue, una lejana y tranquila región del sur de Chile privilegiada por una geografía pródiga en lagos y montañas. Allí, lejos de sus semejantes, trabajando junto a su tío de manera casi artesanal en una curtiembre de lana de ovejas, Memo vive casi en completo silencio el dolor de un episodio no superado de su niñez. Gracias a su privilegiada voz había conseguido una prueba en TV, pero su padre terminó convencido por un productor de que al chico no lo iba a ayudar su aspecto físico para abrirse camino en el mundo del entretenimiento. Entonces aceptó "venderle" la voz a a esa maquinaria y ella se encargaría de "colocarla" en otro cuerpo, más estilizado y en apariencia más atractivo para el público.

    Memo parece haber vivido esa instancia como una experiencia de bullying extremo que lo marcó a tal punto que casi no dice palabra. Cuando al fin se lo escucha habla con un acento tan enigmático como su origen. Y la reconciliación con el mundo se hace difícil por más que una joven pobladora trata de acercarse a él y entender lo que le pasa. Todo transcurre entre silencios, reproches, algunos pocos momentos de calma y una serie de flashbacks que, con parsimonia, nos ayudan a reconstruir la historia del protagonista e imaginar cómo podría llegar a reconciliarse con el mundo.

    La película, como se dijo, hace demasiadas concesiones a una fórmula que de tan usada garantiza un camino seguro,pero a la vez se asoma a una historia incómoda y expuesta a cualquier inmediato desborde con mucha delicadeza. La austera interpretación de Jorge García (el Hurley de la serie Lost) se suma a ese objetivo y contribuye a que el relato llegue con naturalidad y sin énfasis a sus momentos más fuertes. Dentro de un elenco que rinde a gran altura y en el que se vuelve a lucir el siempre magnífico Luis Gnecco, aparece al final y en un papel decisivo nuestro compatriota Gastón Pauls.


    http://servicios.lanacion.com.ar/her...-texto/2389706
    Última edición por Amadel; 03-07-2020 a las 00:08:03

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