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Tema: Críticas de películas

  1. #3361
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Un experimento impulsado por Jean-Gabriel Périot
    "Nuestras derrotas": tratar de entender el mundo

    El realizador francés partió de los episodios protagonizados por los "chalecos amarillos" y ciertas películas emblemáticas para llevar a un grupo de jóvenes a una notable reflexión fílmica.
    Luciano Monteagudo

    La modestia del planteo no impide un resultado ambicioso y logrado.

    Nuestras derrotas - 8 puntos
    Nos défaites, Francia, 2019.
    Dirección: Jean-Gabriel Périot
    Fotografía: Amine Berrada, Manon Fourneyron, Sophonie Ngokani Belkie.
    Música: David Georgelin.
    Duración: 94 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    “¿Habremos perdido la guerra o solamente unas batallas?” La pregunta que se plantea en letras de molde en el comienzo mismo de Nuestras derrotas, el documental del cineasta francés Jean-Gabriel Périot no tiene necesariamente una respuesta cuando concluye, 94 minutos después. Pero a la luz de los acontecimientos que sacudieron a Francia con el surgimiento de los llamados “chalecos amarillos”, se diría que este trabajo tan modesto en sus medios como sorpresivamente ambicioso y logrado en sus resultados consigue echar algo de luz sobre aquello que puede cambiar en las bases mismas de una sociedad.
    Presentado en el Forum del Cine Joven de la Berlinale 2019, el segundo largometraje de Périot después del extraordinario Una juventud alemana (2015) –también estrenado en Berlín y luego difundido en el Bafici y la Sala Lugones– parte de un taller que el propio Périot realizó con una decena de alumnos secundarios de un colegio de la localidad de Ivry-sur-Seine, al norte de París. Cuando se cumplía medio siglo del histórico Mayo del 68, Périot le propuso a esas chicas y muchachos recrear escenas de algunas de las películas emblemáticas de ese momento, desde La chinoise (1967), de Jean-Luc Godard, hasta La salamandra (1971), de Alain Tanner, pasando por documentales emblemáticos como Hasta pronto, espero (1967), de Chris Marker. En principio, se trata de un pequeño experimento: ver qué pasa hoy con esas imágenes y, sobre todo, con esos textos que los alumnos de la Francia multicultural actual deben interpretar. Y que hablan de cambiar el mundo.

    A diferencia de Una juventud alemana, que también trabajaba sobre la herencia de Mayo del 68 pero estaba íntegramente construida a partir de imágenes de archivo de las revueltas en Alemania Federal, aquí en Nuestras derrotas no se ve un solo fotograma de los films originales hasta el rodante final de créditos. Lo que aparece en pantalla refiere inequívocamente a esos materiales pero ahora reconstruidos de modo muy básico por los alumnos de Périot, un cineasta que entiende el documental como un modo de conocer el mundo. Y de interrogarse por las maneras de cambiarlo.

    ¿Qué es la política? ¿Qué son los sindicatos? ¿Para qué sirve una huelga? ¿Están de acuerdo con “la violencia como medio de acción”, como proponían los revolucionarios de La chinoise? Luego de representar sus papeles, esos adolescentes se ven confrontados a esas preguntas, para la mayoría de las cuales casi no tienen respuestas. O son muy imprecisas. O perezosas. O muy banales. Casi hasta la desesperanza, se podría pensar, considerando que la localidad de donde provienen fue históricamente un bastión del Partido Comunista Francés. Sin embargo, hay transparencia, hay honestidad y ocasionalmente breves destellos de belleza, como hubiera dicho Jonas Mekas. Porque unas preguntas disparan otras: sobre el futuro, sobre la vida soñada, sobre la felicidad.

    Cuando parece que el film está por concluir, surge de pronto una coda, una suerte de epílogo, filmado por Périot con los mismos adolescentes unos meses después, en diciembre del 2018. Las chicas y chicos representan ahora las imágenes de un video que se viralizó en las redes sociales y en las que se veía a jóvenes como ellos humillados por la policía, luego de haber sido detenidos en una manifestación. También ahora hay preguntas por parte del realizador: ¿qué sintieron al ver esas imágenes? ¿Se reconocieron en ellas? ¿Participaron de esas movidas estudiantiles? Y los mismos que unos meses antes les costaba articular una respuesta ahora hablan de solidaridad, de unión, de rebelión, incluso de amor y de belleza, como el poema de Heine que se cita en La salamandra y que esas chicas y chicos ahora dicen comprender: “Sí, será un hermoso día. El sol de la libertad calentará la tierra con más felicidad que toda la aristocracia de las estrellas. Una nueva generación se levantará, engendrada en abrazos elegidos libremente...”


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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Dirigida por Mark Williams
    "Venganza implacable", un Liam Neeson inexplicable

    En su "segunda vida" como actor de acción, el irlandés protagoniza una película con una trama que lo ubica más bien al borde del ridículo.
    Ezequiel Boetti

    Neeson es aquí Tom Carter, un ladrón de buen corazón.

    VENGANZA IMPLACABLE - 5 PUNTOS
    (Honest Thief / Estados Unidos, 2020)
    Dirección: Mark Williams
    Guion: Steve Allrich y Mark Williams
    Duración: 99 minutos
    Elenco: Liam Neeson, Robert Patrick, Jai Courtney, Kate Walsh y Jeffrey Donovan.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Liam Neeson encontró un segundo aire como actor con Búsqueda implacable (2008). El sorprendente éxito comercial, sumado al aplomo del irlandés de voz rasposa, le permitió dejar atrás una faceta asociada al prestigio, con Oscars incluidos, para convertirse en el que quizás sea el héroe del cine de acción más inesperado en lo que va del siglo XXI, un arquetipo que desde entonces ha explotado, con mejor o peor suerte, en al menos una decena de películas. Entre ellas hay algunas buenísimas (Una noche para sobrevivir) otras buenas (la mencionada Búsqueda implacable) y algunas que dejan bastante que desear (Caminando entre tumbas), en tanto se percibe una replicación desganada de los mismos tópicos de siempre.

    A estas alturas, Neeson constituye un personaje en sí mismo, alguien que va saltando de proyecto en proyecto poniéndose en la piel de un tipo acostumbrado a trompearse en los bajos fondos al que la culpa le insufla el deseo de hacer las cosas bien, pero las circunstancias lo llevan a embarrarse de nuevo. Una idea que Venganza implacable –no es una película de Neeson si no está palabra “implacable” en el título local– lleva al extremo del ridículo.En Búsqueda implacable era un agente jubilado de la CIA al que le secuestraban a su hija, obligándolo a recorrer media Europa para liquidar una organización dedicada al tráfico de mujeres. En Una noche para sobrevivir, un sicario perseguido por los pecados del pasado que debía remendar un error de su hijo, quien no tuvo que matar al hijo del capo de la mafia local. En Non-Stop: sin escalas, un agente federal que, viajando en un avión, empieza a recibir mensajes con amenazas sobre la seguridad de los pasajeros. Venganza implacable hace de Neeson un ladrón de buen corazón, llamado Tom Carter, que ha dedicado varias décadas a robar bancos, siempre sin disparar un tiro y entrando y saliendo sin que nadie lo note. Pero no gastó ni un dólar de los nueve millones que robó, porque su motivación es saldar viejas cuentas con el pasado familiar. Hasta que un día, este ladrón honesto del título original se enamora.

    Tanto se enamora, que no solo piensa en un retiro sino en entregarse a la policía para pagar su condena. Porque sus personajes podrán ser buenos o malos, ladrones, médicos, corredores de bolsa o policías, pero tienen un norte ético inquebrantable. El problema es en el que el FBI no todos comparten ese norte. Cuando llama para negociar su entrega y la del botín, nadie cree que ese hombre sea el ladrón. Hasta que da la ubicación de una baulera donde descansan tres millones de dólares, algo que los agentes a cargo de la pesquisa negarán a sus superiores para dividirlo entre ellos.

    Y entonces ocurre la magia: Carter termina aliándose al jefe del FBI para ayudar a detener a sus propios agentes. Cuesta creer lo que narra Venganza implacable, en parte por el absurdo de su propuesta, pero también porque todos los personajes están delineados con el trazo más grueso y esquemático del género, como si fuera un remedo tardío de aquel cine policial de los ’90 donde la basura estaba dentro de las instituciones y no en quienes supuestamente son villanos. Neeson: el villano más bueno del mundo


    https://www.pagina12.com.ar/368619-v...n-inexplicable
    Última edición por Amadel; 16-09-2021 a las 18:17:18

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  5. #3363
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    La película número 40 de Clint Eastwood
    "Cry macho", una balada arrastrada

    Autoconsciente, apelando a tiempos narrativos relajados y con fotografía y música acordes, el legendario actor y director vuelve a brillar en pantalla.
    Horacio Bernades

    Eastwood es Mike Milo, ex estrella del rodeo en una extraña aventura.

    Cry Macho - 8 PUNTOS
    EE.UU., 2021
    Dirección: Clint Eastwood
    Guion: Nick Schenk, sobre novela de N. Richard Nash
    Fotografía: Ben Davis
    Duración: 104 minutos
    Intérpretes: Clint Eastwood, Dwight Yoakam, Eduardo Minett, Natalia Traven, Fernanda Urréjola

    Spoiler:
    SPOILER:
    Cry Macho representa para Clint Eastwood una coda y un inicio. Sirve de coda al ciclo de refutación de la ley del revólver que tuvo como disparo de largada a Los imperdonables, e inicia una despedida que no sólo no es amarga sino que parecería no permitirse siquiera la melancolía, afrontando lo que queda con sabiduría zen. La de quien sabe que todo lo sólido se desvanece en el aire.

    Como en otras ocasiones, en su película nº 40 el otrora Hombre sin Nombre vuelve a hablar de sí mismo. Lo había hecho en su ópera prima, Play Misty for Me (1971), cuando a los 40 representó a un tipo que lucra con su fama y su pinta para llevarse a una mujer a la cama con falsas promesas. Lo hizo cuando ensalzó a su esposa Sondra Locke en Ruta suicida (1977). Lo hizo cuando mostró al cineasta como depredador en Cazador blanco, corazón negro (1990). Lo hizo cuando se mostró viejo por primera vez en Los imperdonables –¡hace casi 30 años!-, y de allí en más no dejó de mostrar el modo en que el tiempo pasaba en él, de película en película.
    En Cry Macho el ex Harry el Sucio aparece como nonagenario texano. El sombrero Stetson bien calzado, se define como un cowboy. Camina con dificultad, tiene los ojos semihundidos, mide varios centímetros menos que el metro 93 que Eastwood tuvo a los 30 y necesita dormir la siesta. Pero todavía puede, y ese tal vez sea el tema de la 55ª película que protagoniza. La trama es lo de menos. Ex estrella del rodeo (como Robert Mitchum en La mujer codiciada, de Nicholas Ray), años atrás Mike Milo sufrió una caída que lo dejó mucho tiempo fuera de las pistas y lo llevó a abusar de las pastillas y el alcohol. Volvió al ruedo, pero obviamente ya no está para esos trotes (literales). El día que llega tarde por enésima vez al trabajo, su jefe (el cantante country Dwight Yoakam, referencia no casual) lo despide, pero se trata de un despido paradójico: un minuto más tarde le encarga uno de esos favores que no se pueden rechazar.

    Milo deberá ir hasta Ciudad de México en su camioneta tan vieja como él, localizar allí al hijo que el jefe tuvo con una mujer mexicana, Rafael (Eduardo Minett), y traerlo de vuelta con él. Un encargo parecido al que le hacían en La mula, esta vez no por izquierda. O no tanto, porque cuando llegue a destino encontrará que la madre del chico (Fernanda Urréjola) es una especie de capamafia, rodeada de matones que no van a permitir que Rafo vuelva con el padre. Una pavada, que además hace agua por varios rincones: el encargo del jefe suena forzado, la mamá y sus secuaces parecen personajes de la serie Narcos que se equivocaron de película, que la señora (vestido rojo ceñido rojo, rematado en un tajo) se quiera llevar a la cama al nonagenario es pasmoso, y la relación de padre/abuelo sustituto viudo que Mike establece con Rafo es obvia (el chico, además, sobreactúa inocencia). Que también una viuda mexicana (Natalia Traven) se enamore de él a primera vista es más propio de los tiempos de Los puentes de Madison que de éste.

    Pero a esta altura Eastwood está más allá de cualquier artimaña argumental, y entonces todo eso vale tanto como un bledo. Lo que importa, lo que tiene peso (liviandad, mejor dicho) son los tiempos narrativos sueltos, relajados, distendidos, la fotografía de tono marrón oscuro -como corresponde a un ser que se va hundiendo en la noche-, la forma serena en que fluye la puesta en escena, el sentido del humor, la autoparodia sobre su personaje de toda la vida, el cuestionamiento radical del machismo, el registro de un plácido devenir que no se permite la mirada retrospectiva. Cry Macho es una balada arrastrada. El pianista aficionado sigue teniendo la sensibilidad de siempre por la música, que en esta ocasión metaforiza la doble patria de Mike (la natal y la adoptiva), abriendo y cerrando con un tema country y sumiendo el ensueño romántico de Mike en el desfachatado anacronismo del Trío Los Panchos y Eydie Gormé, haciendo ¡"Sabor a mí"! Parafraseando el “Estoy de vuelta” de Paul Newman en El color del dinero, Cry Macho tal vez sea la forma que tiene Eastwood de decir “Sigo acá”.


    https://www.pagina12.com.ar/368602-c...ada-arrastrada
    Última edición por Amadel; 17-09-2021 a las 16:44:47

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  7. #3364
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Escrita y dirigida por Michael Mohan
    "Los voyeristas": miradas con dobleces

    Con obvias referencias a Brian de Palma y de allí a Alfred Hitchcock, la película estadounidense propone una suerte de espejo donde el reflejo no siempre es confiable.
    Juan Pablo Cinelli

    El film presenta un final más inverosímil que inesperado.

    Los voyeristas - 5 puntos
    The voyeurs, Estados Unidos, 2021
    Dirección y guión: Michael Mohan
    Duración: 120 minutos
    Intérpretes: Sydney Sweeney, Justice Smith, Ben Hardy, Natasha Liu Bordizzo, Katharine King So.

    Spoiler:
    SPOILER:
    El travelling avanza con suavidad sobre una calle hacia la ochava, donde hay un local de lencería. Atraviesa la vidriera del negocio, en cuyo fondo las cortinas entreabiertas de un probador revelan el cuerpo de una mujer en ropa interior viéndose al espejo. La chica nota la intrusión y mirando a cámara cierra las cortinas con gesto ofendido. Enseguida, una versión empalagosa del clásico de Billy Idol “Eyes without a Face” suena en la secuencia de títulos de Los voyeristas, sobre una sucesión de planos detalle de iris, pupilas, escleróticas, párpados y pestañas. La intención es evidente: dejar bien claro que no solo la mirada, sino los ojos de quienes miran serán muy importantes en el desarrollo de esta película. Y sobre todo, que nadie está libre de ceder a la tentación de andar por ahí espiando la vida de los otros. En especial usted, el espectador.
    Lo que propone la película dirigida por Michael Mohan es un juego de miradas encadenadas que se sabe dónde empieza pero no dónde termina. El primer eslabón les corresponde a Pippa y Tom, que acaban de mudarse para comenzar la experiencia de vivir en pareja. La película los presenta con la candidez propia de la juventud, seguros de estar condenados a un destino de felicidad eterna. La primera noche, mientras cenan a oscuras, descubren que pueden ver todo lo que pasa en el departamento de enfrente, cuya superficie vidriada les ofrece el imprevisto show de la vida real. Allá, otra pareja de jóvenes que parecen sacados de una publicidad tienen sexo, mientras los protagonistas se preguntan si está bien quedarse mirando. Aunque al principio Tom parece el más interesado, será Pippa la que un día aparezca con un par de binoculares y ellos también terminarán haciendo el amor mientras espían.

    Intrigados por la vida ajena, Pippa y Tom se cuelan en una fiesta de disfraces para instalar un micrófono y así poder oír además de ver. Y lo que descubren es que no todo lo que brilla es oro. Al mismo tiempo, la hermosa vecina visita la óptica donde trabaja Pippa para hacerse un par de anteojos y la invita a tomar un café. Pippa cree que es una buena oportunidad para revelarle a ella los secretos que su marido le oculta.

    Con referencias obvias a Doble de cuerpo, de Brian De Palma (y de ahí a La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock), Los voyeristas también es un relato lleno de dobleces. Un laberinto de espejos donde cuesta distinguir la imagen real de su reflejo. Como en la película de De Palma, acá también el erotismo y el deseo forman parte de la ecuación, haciendo que los paralelos se vuelvan más evidentes. Sin embargo, el giro que toma Los voyeristas en su último tercio resulta más inverosímil que inesperado, haciendo que el dilema de la película, más moralista que moral, se corra de la simple curiosidad hacia un asunto bien distinto, tan cuestionable como tirado de los pelos.


    https://www.pagina12.com.ar/368614-l...s-con-dobleces

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  9. #3365
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Con dirección de Adam Robitel
    "Escape Room 2: Reto mortal": los desafíos continúan

    La película podría ser una remake de su predecesora, en tanto las situaciones que enfrentan los protagonistas son prácticamente las mismas. Lo único que cambia es la ambientación de los salones-trampa de los que deben escapar.
    Juan Pablo Cinelli

    Escape Room 2: Reto mortal.

    Escape Room 2: Reto mortal 5 puntos
    Escape Room: Tournament of Champions, Estados Unidos/Sudáfrica, 2021
    Dirección: Adam Robitel
    Guión: Will Honley, Maria Melnik, Daniel Tuch.
    Duración: 88 minutos
    Intérpretes: Taylor Russell, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Holland Rodell, Indya Moore, Isabelle Fuhrman, James Frain, Thomas Cocquerel.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Síntoma de los tiempos, el final de Escape Room: Sin salida (Adam Robitel, 2019), dejaba bien abierta la posibilidad de una secuela y así se lo señaló desde estas mismas páginas el día de su estreno. Dos años después, la obvia profecía se cumple con la llegada a las limitadas salas locales de una segunda parte: Escape Room 2: Reto mortal, también dirigida por Robitel, cuyo título original no hace referencia a ningún “reto mortal”, sino a un Tournament of Champions (torneo de campeones). La película de 2019 contaba la historia de un grupo de seis personas que eran invitados a participar de un escape room, un juego de ingenio en el que los jugadores son encerrados en un salón y deben encontrar dentro las pistas que les permitan salir de él. El asunto es que acá el juego se pasaba de claro a oscuro en el momento en que los participantes descubrían que se trataba de una trampa real, en la que si no eran capaces de resolver el enigma acabarían muertos, dejando un único sobreviviente: el ganador.

    Con similitudes a la saga de El juego del miedo, pero en una versión más lúdica que explícita (aunque no exenta de morbo y sadismo), la película terminaba con una pareja de jugadores salvando sus vidas y revelando una oscura empresa de apuestas clandestinas detrás del juego. El comienzo de esta segunda parte reúne a los sobrevivientes dispuestos a desenmascarar a esta organización y a sus responsables. Por supuesto, los dos jóvenes volverán a ser víctimas de un poder en las sombras que está más allá de su capacidad. Y una vez más acabarán encerrados con otras cuatro personas en una serie de trampas mortales de las que deberán escapar. En este caso se trata de un grupo compuesto por aquellos que alguna vez consiguieron “ganar” sus juegos, los sobrevivientes, y de ahí viene la ronda de campeones que menciona el título original.

    Escape Room: Reto mortal bien podría ser una remake de su predecesora, en tanto las situaciones que enfrentan los protagonistas son prácticamente las mismas. Lo único que cambia es la ambientación de los salones-trampa de los que deben escapar: en estos espacios mortales la película vuelve a poner en juego todo su ingenio. Esta vez se trata de un vagón de tren electrificado, un banco con un sistema de seguridad láser, una playa de arena movediza, un callejón donde llueve ácido y un baño sauna muy caliente. Si bien las situaciones se vuelven entretenidas a fuerza de tensión, no es menos cierto que, a diferencia de un buen policial, la resolución de cada enigma excluye casi por completo al espectador. Con pistas que casi nunca están a la vista y solo se aparecen como revelaciones ante los protagonistas, Escape Room pierde la oportunidad de convertirse también en un desafío para quienes pagaron la entrada. Y una vez más, todo queda servido para que la cosa termine en trilogía.


    https://www.pagina12.com.ar/368862-e...fios-continuan

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  11. #3366
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    "¡Queridos camaradas!", denuncias algo elementales

    La película de Andrei Konchalovsky parte de la sangrienta represión del gobierno de Khrushchev a una huelga obrera en 1962, pero sin ir mucho más allá de la superficie.
    Horacio Bernades

    La represión dejó al menos 26 muertos y 87 heridos.

    ¡Queridos camaradas! 5 PUNTOS
    Dorogie tovarishchi, Rusia, 2020
    Dirección: Andrei Konchalovsky
    Guion: Elena Kiseleva y A. Konchalovsky
    Duración: 121 minutos
    Intérpretes: Yuliya Vysotskaya, Vladislav Komarov, Andrey Gusev, Yuliya Burova, Sergei Erlish.

    Spoiler:
    SPOILER:
    En los primeros días de mayo de 1962, los trabajadores de la fábrica de locomotoras eléctricas de la ciudad de Novocherkassk, en el extremo suroeste de la Unión Soviética, iniciaron una huelga. La medida de protesta estaba motivada tanto por el aumento de las cotas de producción que exigía la administración central, como por una creciente carestía de los productos de primera necesidad. Un mes más tarde la huelga seguía, y el gobierno de Nikita Khrushchev decidió cortarla de cuajo. Las tropas del ejército cumplieron la orden al pie de la letra, dejando un saldo de 26 muertos civiles y 87 heridos. Eso según las cifras oficiales. En su monumental crónica Archipiélago Gulag, Aleksandr Solzhenitsyn invierte las cifras y consigna que los caídos fueron alrededor de 80.
    Coescrita y dirigida por Andrei Konchalovsky -veterano realizador de la legendaria Siberiada (1979), y también de la feroz Escape en tren (1985)-, ¡Queridos camaradas! construye, alrededor de esos hechos, la caída en la realidad de Lyuda Semina (Yuliya Vysotskaya), que tiene un cargo en la representación comunal del Partido. En la secuencia introductoria Lyuda se queja del aumento en el costo de los alimentos, que se suma a un racionamiento cada vez más estricto. Añora aquellos dorados tiempos de Stalin en que los precios en lugar de subir bajaban. Viuda de un héroe de guerra y con una hija que decide sumarse a los manifestantes, los hechos convertirán a esta comunista convencida en mater dolorosa, removiendo la tierra en busca de Svetka, al tiempo que la KGB la investiga por su sospechoso parentesco. A su alrededor, militares venidos de la capital ponen en la mira a las autoridades locales, que no supieron prevenir la rebelión, arrancando a los testigos declaraciones en las que juran no haber visto nada.

    El tener por protagonista a una funcionaria da a Konchalosvky carnet de paso a las oficinas del poder. Allí, enviados del gobierno central interrogan a los representantes de las fuerzas armadas locales como si se tratara de un juicio extraoficial, y los funcionarios hacen declaraciones de fe soviética, a la medida de lo que sus superiores esperan. Claro que a esta altura de la historia universal, que desborda de documentación sobre la represión, masacres y conjuras de silencio orquestadas por Stalin y sus sucesores, nada de lo que muestra ¡Queridos camaradas! provoca sorpresa. De hecho, las filmaciones oficiales de “juicios” montados para dar una fachada legal a las purgas (ver, sin ir más lejos, la increíble El proceso, estrenada hace unos meses) provocan una conmoción que el film de Konchalovsky está lejos de producir, en tanto lo que narra no es otra cosa que lo esperable.

    Filmada en la clase de blanco y negro que la tecnología digital de alta resolución está en condiciones de ofrecer y receptora del Premio Especial del Jurado en Venecia 2020, ¡Queridos camaradas! recurre a resortes dramáticos tan elementales como pueden serlo la celebración de una fiesta en las mismas calles ensangrentadas días antes, la propaganda oficial que machaca la televisión o la ironía amarga con la que Lyuda entona un himno que exalta la grandeza de la URSS. No lo hace sola sino en compañía de quien resulta su más fiel ladero. Se trata de un asombroso agente “blando” de la KGB, tan culposo por la gigantesca operación de ocultamiento que no duda en tenderle la mano a la angustiada funcionaria. Para subrayar que el núcleo de la historia es el amor de una madre por su progenie, Konchalovsky se ve en la necesidad de insertar, en medio de una escena cualquiera, la imagen de una perra que amamanta con amor a sus cachorros.


    https://www.pagina12.com.ar/368861-q...go-elementales

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    Venganza implacable: Liam Neeson, un ladrón arrepentido que necesita nuevas ideas

    La película, que vuelve a tenerlo como un héroe de acción septuagenario, es tan derivativa como su título, la acción es de mediano octanaje y la trama, predecible e irrazonable a la vez
    Hernán Ferreirós



    Venganza implacable (Honest Thief, EE.UU./2020). Dirección: Mark Williams. Guion: Steve Allrich y Mark Williams. Fotografía: Shelly Johnson. Edición: Michael P. Shawver. Elenco: Liam Neeson, Jai Courtney y Kate Walsh. Duración: 98 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    En un famoso ensayo titulado “Nuestro pobre individualismo”, Borges argumentaba que ciertos policiales norteamericanos no funcionaban en nuestro país porque el argentino tiende a desconfiar de la ley y a identificarse con el delincuente. Si eso es cierto, esta película no tiene chance alguna, dado que Liam Neeson interpreta allí a un experto en reventar cajas fuertes que decide entregarse a la justicia por amor y devolver los 9 millones de dólares que logró en sus robos de guante blanco a instituciones bancarias cuyo prontuario probablemente sea peor que el suyo propio.
    La improbabilidad de que su pareja prefiera a un delincuente reformado y pobre a uno reformado y rico no lo desalienta. En su encuentro con el FBI, los oficiales ven en este insólito arranque de honestidad una oportunidad de salir de perdedores y no solo le roban el dinero sino que hieren gravemente a su chica (Kate Walsh de Grey’s Anatomy). Tal cosa da pie al esperado momento en que el casi septuagenario actor se convierte en una máquina imbatible de destruir malhechores y tiene la oportunidad de enunciar una amenaza mortal en su tono shakespeariano. En este caso, la deficiente “Oficial Nivens, voy a por usted” no puede competir con la célebre de Búsqueda implacable, el policial que a los 56 años convirtió a Neeson en una estrella de acción. Esta película es tan derivativa como su título, la acción es de mediano octanaje y la trama, predecible e irrazonable a la vez. En la última década, los thrillers de Neeson no decayeron tanto como para que se entregue a la justicia pero por éste, al menos, debería devolver el botín.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...s-nid16092021/
    Última edición por Amadel; 16-09-2021 a las 19:03:02

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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Fidel niño valiente: un niño, su caballo y un sueño misionero

    El film de Mario Verón utiliza actores no profesionales para construir su relato ambientado en el mundo de las carreras cuadreras
    Adolfo C. Martínez



    Fidel niño valiente (Argentina-Paraguay/2020). Dirección y guion: Mario Verón. Fotografía: Pablo Bruzzone. Edición: Javier Di Pasquo. Música: Lucas Guinot. Elenco: Fidel Cantero, Érico Cantero, Enrique “Yuka” Caballero. Duración: 74 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Fidel es un niño que se acerca a la adolescencia y desde su Paraguay natal viaja a las entrañas de la selva de Misiones para conocer otros lugares y otras personas. Allí se acerca a otros niños lugareños con los que comienza una amistad y, además, halla a un caballo apodado El Che por los campesinos del lugar por su fuerza y por su hidalguía. Es así como Fidel, con ese equino que ya se convirtió en su inseparable compañero, decide participar en carreras cuadreras que le permitirán conseguir dinero para enviar a su madre, que lo espera ansiosamente en el país vecino. El muchacho, que jinetea con enorme habilidad teniendo como amuleto el nombre de Maradona en la espalda de su remera, se abre paso en la pista improvisada sobre la rojiza tierra y, lentamente, halla en los habitantes del lugar a sus más entusiastas seguidores.Con estos emotivos elementos el director Mario Verón (Neike y Te olvidaste de mí) logró relatar una historia cálida y sencilla que muestra la forma en que el protagonista y su caballo luchan para lograr el ansiado triunfo y la admiración de quienes lo rodean. Rodada con actores no profesionales, el film halla en Fidel Cantero a un protagonista que supo manejar con habilidad esa aventura que habla de amistad y de amor hacia ese caballo que logrará convertirse en un héroe en medio de la algarabía de todo un pueblo.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...o-nid16092021/

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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "CRY MACHO"
    Una película sin conflicto, casi un homenaje en vida
    Mariano Casas Di Nardo



    "Cry Macho"
    (Estados Unidos, 2021). Dirección: Clint Eastwood. Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Actores: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Fernanda Urrejola. Duración: 93 minutos. Clasificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Buena

    No está mal cada tanto volver a lo tradicional, al viejo cine de road movie, sobre todo si su protagonista no es un héroe de TikTok ni un rapero intrépido haciendo su primera incursión en la pantalla grande, sino el mismísimo Clint Eastwood a sus 91 años. El problema es que se queda en eso como único valor y el filme sólo se sostiene por la presencia del legendario y sucio Harry. Más como un homenaje en vida que otra cosa.

    "Cry Macho" es la adaptación al cine de la novela homónima de N. Richard Nash, publicada en 1975 y que cuenta la vida de una ex estrella del rodeo norteamericano que como devolución de gentilezas por un favor en un pasado que desconocemos va desde Texas hasta México a buscar a Rafo (Eduardo Minett), el hijo descarrilado de su poco claro empleador.

    El filme rompe con muchos prejuicios y desorienta positivamente. Primero, no muestra a México como el inframundo sino que le saca a relucir algunos valores. Luego, el personaje de Mike Milo no encontrará, por suerte, en este hijo perdido a un doble de Iván, el Terrible, y ya su final nos convence de que valió la pena transitar la hora y media que por momentos se hace tan pesada como el andar cansino de su protagonista.

    Entre su rostro que casi siempre está a escondidas (o a contraluz) y un reparto insípido, uno no sabe de qué agarrarse para mantenerse, aunque el acompañamiento de la actriz mexicana Natalia Traven como Marta le da aire a una atmósfera seca y arenosa de sosegado calor.

    CINE PEQUEÑO

    El Eastwood director queda lejos de lograr esa emoción de sus últimos trabajos, como 'La mula', 'Sully: hazaña en el Hudson', 'Francotirador', y mucho más lejos de su inolvidable 'Million Dollar Baby'. Pero es válido también este cine pequeño, con pocos datos, de nulo conflicto, casi sin villanos; dentro de una historia sin aires de grandeza ni espectacularidad.


    https://www.laprensa.com.ar/506744-U...vida.note.aspx
    Última edición por Amadel; 17-09-2021 a las 16:45:52

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     macahe

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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "UNDINE"
    Drama poético y desgarrador
    Manuel Germano

    Las influencias literarias del director quedan plasmadas con sutileza en el filme.

    "Undine" (Alemania-Francia, 2021) Dirección y guion: Christian Petzold. Fotografía: Hans Fromm. Actores: Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz. Duración: 91 minutos. En el marco del Festival de Cine Alemán.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Muy buena

    'Undine', la última película de Christian Petzold ('En tránsito' -2018-, 'Barbara' -2012-) llegó a nuestro país esta semana en el marco del 21º Festival de Cine Alemán y el próximo jueves se estrenará en cartelera. El guionista y director alemán de 61 años nos presenta aquí un sólido drama romántico tan poético como desgarrador.

    Undine es el título de la película y también el del personaje central de este relato, una historiadora que ama pero no es correspondida como lo desea. Sin embargo, pese a lo que ese sentimiento pudiera producirle, el destino la cruza con un hombre con el cual se funde en una relación profunda e intensa en la cual se siente plena.

    Petzold se toma su tiempo para reflejar la relación entre Undine y Christoph, interpretados por los extraordinarios Paula Beer y Franz Rogowski. Durante la primera parte, el filme bucea en los matices de este vínculo, para virar hacia un desenlace donde el director expone una arista más dramática y poética.

    Cargada de metáforas y sutilezas, 'Undine' mantiene un ritmo tal que el espectador se adentra en la particular sintonía de la historia desde el primer momento. Los planos, la fotografía y la música generan climas únicos que acompañan la trama.

    Paula Beer compone un personaje femenino susceptible y fuerte. Los primeros planos le muestran al espectador la expresión de los ojos de este rol complejo que la actriz encarna con compromiso y entrega.

    MITO Y LITERATURA

    'Undine' tiene una carga poética interesante desde su concepción pues el personaje obedece a un mito (ondina significa 'ninfa acuática de espectacular belleza'). Petzold afirmó que se inspiró en un capítulo de un libro de Peter Von Matt (escritor suizo ganador del Premio Johann Peter Hebel) en el que se relata la historia de una criatura acuática.

    Las influencias literarias del director se plasman con sutileza y compromiso. Petzold desarrolla el romance y visibiliza el drama con claridad, a la vez que permite que el espectador reflexione sobre lo poético que resulta el mensaje en la historia.

    Es una película bella, de gran fuerza narrativa y con dos personajes muy potentes. Petzold convoca con 'Undine' a los cinéfilos y amantes de la literatura, y también a quienes quieran emocionarse con una historia de amor única y desgarradora.


    https://www.laprensa.com.ar/506739-D...ador.note.aspx

  20. Los siguientes 2 usuarios agradecen el post de Amadel:

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  21. #3371
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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "La noche mágica", hablando de cosas importantes en una comedia imprevisible

    La película con Natalia Oreiro y Diego Peretti llegó a los cines y con un planteo lliviano se va metiendo sin prisa pero sin pausa en un debate muy actual

    La noche mágica


    La noche mágica * * *
    Origen Argentina, 2021
    Director Gastón Portal
    Guion: Portal y Javier Castro Albano
    Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.
    Música: Pablo Borghi.
    Con: Natalia Oreiro, Diego Peretti, Esteban Bigliardi, Pablo Rago, Isabela Palópilo, Laura López Boyano, Hernán Jimenez.
    Duración: 93 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    No puede decirse que en su debut como director, el productor televisivo, Gastón Portal no haya tomado riesgos. La noche mágica, su ópera prima, es riesgosa pero eso no es suficiente.

    La presencia de Natalia Oreiro y Diego Peretti haría pensar en una comedia y por ahí arranca el asunto: hay un enredo que involucra a una mujer, su marido, su amante y un copador que coinciden en Noche Buena. La situación amerita un buen gag cuando el amante (Pablo Rago) se hace pasar por cómplice para que el marido (Esteban Bigliardi) no sospeche.

    Pero al rato eso se cancela y la película gira hacia un suspenso policial y, finalmente, hacia un drama puro. Conviene no revelar nada porque uno de los valores posibles de La noche mágica es, justamente, su imprevisibilidad. Peretti y Oreiro están a la altura de papeles exigentes.
    La puesta en escena limitada a una casa y tres habitaciones, revela un aspecto teatral que Portal aprovecha. Cumple con los requisitos del nuevo cine argentino: es un universo de una prosperidad burguesa filmado con una prolijidad burguesa.

    Esa indecisión —premeditada pero fallida— por afiliarse a un género y revelaciones que pretenden hacerla profunda, terminan dando la impresión que La noche mágica quiera abarcar tanto que cuando apreta lo hace con decisiones estéticas y éticas que dan para el debate. Si iban por ahí: lo consiguiero


    https://www.elpais.com.uy/tvshow/cin...revisible.html

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     Chorni,  macahe

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