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Tema: Críticas de películas

  1. #3361
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Un experimento impulsado por Jean-Gabriel Périot
    "Nuestras derrotas": tratar de entender el mundo

    El realizador francés partió de los episodios protagonizados por los "chalecos amarillos" y ciertas películas emblemáticas para llevar a un grupo de jóvenes a una notable reflexión fílmica.
    Luciano Monteagudo

    La modestia del planteo no impide un resultado ambicioso y logrado.

    Nuestras derrotas - 8 puntos
    Nos défaites, Francia, 2019.
    Dirección: Jean-Gabriel Périot
    Fotografía: Amine Berrada, Manon Fourneyron, Sophonie Ngokani Belkie.
    Música: David Georgelin.
    Duración: 94 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    “¿Habremos perdido la guerra o solamente unas batallas?” La pregunta que se plantea en letras de molde en el comienzo mismo de Nuestras derrotas, el documental del cineasta francés Jean-Gabriel Périot no tiene necesariamente una respuesta cuando concluye, 94 minutos después. Pero a la luz de los acontecimientos que sacudieron a Francia con el surgimiento de los llamados “chalecos amarillos”, se diría que este trabajo tan modesto en sus medios como sorpresivamente ambicioso y logrado en sus resultados consigue echar algo de luz sobre aquello que puede cambiar en las bases mismas de una sociedad.
    Presentado en el Forum del Cine Joven de la Berlinale 2019, el segundo largometraje de Périot después del extraordinario Una juventud alemana (2015) –también estrenado en Berlín y luego difundido en el Bafici y la Sala Lugones– parte de un taller que el propio Périot realizó con una decena de alumnos secundarios de un colegio de la localidad de Ivry-sur-Seine, al norte de París. Cuando se cumplía medio siglo del histórico Mayo del 68, Périot le propuso a esas chicas y muchachos recrear escenas de algunas de las películas emblemáticas de ese momento, desde La chinoise (1967), de Jean-Luc Godard, hasta La salamandra (1971), de Alain Tanner, pasando por documentales emblemáticos como Hasta pronto, espero (1967), de Chris Marker. En principio, se trata de un pequeño experimento: ver qué pasa hoy con esas imágenes y, sobre todo, con esos textos que los alumnos de la Francia multicultural actual deben interpretar. Y que hablan de cambiar el mundo.

    A diferencia de Una juventud alemana, que también trabajaba sobre la herencia de Mayo del 68 pero estaba íntegramente construida a partir de imágenes de archivo de las revueltas en Alemania Federal, aquí en Nuestras derrotas no se ve un solo fotograma de los films originales hasta el rodante final de créditos. Lo que aparece en pantalla refiere inequívocamente a esos materiales pero ahora reconstruidos de modo muy básico por los alumnos de Périot, un cineasta que entiende el documental como un modo de conocer el mundo. Y de interrogarse por las maneras de cambiarlo.

    ¿Qué es la política? ¿Qué son los sindicatos? ¿Para qué sirve una huelga? ¿Están de acuerdo con “la violencia como medio de acción”, como proponían los revolucionarios de La chinoise? Luego de representar sus papeles, esos adolescentes se ven confrontados a esas preguntas, para la mayoría de las cuales casi no tienen respuestas. O son muy imprecisas. O perezosas. O muy banales. Casi hasta la desesperanza, se podría pensar, considerando que la localidad de donde provienen fue históricamente un bastión del Partido Comunista Francés. Sin embargo, hay transparencia, hay honestidad y ocasionalmente breves destellos de belleza, como hubiera dicho Jonas Mekas. Porque unas preguntas disparan otras: sobre el futuro, sobre la vida soñada, sobre la felicidad.

    Cuando parece que el film está por concluir, surge de pronto una coda, una suerte de epílogo, filmado por Périot con los mismos adolescentes unos meses después, en diciembre del 2018. Las chicas y chicos representan ahora las imágenes de un video que se viralizó en las redes sociales y en las que se veía a jóvenes como ellos humillados por la policía, luego de haber sido detenidos en una manifestación. También ahora hay preguntas por parte del realizador: ¿qué sintieron al ver esas imágenes? ¿Se reconocieron en ellas? ¿Participaron de esas movidas estudiantiles? Y los mismos que unos meses antes les costaba articular una respuesta ahora hablan de solidaridad, de unión, de rebelión, incluso de amor y de belleza, como el poema de Heine que se cita en La salamandra y que esas chicas y chicos ahora dicen comprender: “Sí, será un hermoso día. El sol de la libertad calentará la tierra con más felicidad que toda la aristocracia de las estrellas. Una nueva generación se levantará, engendrada en abrazos elegidos libremente...”


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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Dirigida por Mark Williams
    "Venganza implacable", un Liam Neeson inexplicable

    En su "segunda vida" como actor de acción, el irlandés protagoniza una película con una trama que lo ubica más bien al borde del ridículo.
    Ezequiel Boetti

    Neeson es aquí Tom Carter, un ladrón de buen corazón.

    VENGANZA IMPLACABLE - 5 PUNTOS
    (Honest Thief / Estados Unidos, 2020)
    Dirección: Mark Williams
    Guion: Steve Allrich y Mark Williams
    Duración: 99 minutos
    Elenco: Liam Neeson, Robert Patrick, Jai Courtney, Kate Walsh y Jeffrey Donovan.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Liam Neeson encontró un segundo aire como actor con Búsqueda implacable (2008). El sorprendente éxito comercial, sumado al aplomo del irlandés de voz rasposa, le permitió dejar atrás una faceta asociada al prestigio, con Oscars incluidos, para convertirse en el que quizás sea el héroe del cine de acción más inesperado en lo que va del siglo XXI, un arquetipo que desde entonces ha explotado, con mejor o peor suerte, en al menos una decena de películas. Entre ellas hay algunas buenísimas (Una noche para sobrevivir) otras buenas (la mencionada Búsqueda implacable) y algunas que dejan bastante que desear (Caminando entre tumbas), en tanto se percibe una replicación desganada de los mismos tópicos de siempre.

    A estas alturas, Neeson constituye un personaje en sí mismo, alguien que va saltando de proyecto en proyecto poniéndose en la piel de un tipo acostumbrado a trompearse en los bajos fondos al que la culpa le insufla el deseo de hacer las cosas bien, pero las circunstancias lo llevan a embarrarse de nuevo. Una idea que Venganza implacable –no es una película de Neeson si no está palabra “implacable” en el título local– lleva al extremo del ridículo.En Búsqueda implacable era un agente jubilado de la CIA al que le secuestraban a su hija, obligándolo a recorrer media Europa para liquidar una organización dedicada al tráfico de mujeres. En Una noche para sobrevivir, un sicario perseguido por los pecados del pasado que debía remendar un error de su hijo, quien no tuvo que matar al hijo del capo de la mafia local. En Non-Stop: sin escalas, un agente federal que, viajando en un avión, empieza a recibir mensajes con amenazas sobre la seguridad de los pasajeros. Venganza implacable hace de Neeson un ladrón de buen corazón, llamado Tom Carter, que ha dedicado varias décadas a robar bancos, siempre sin disparar un tiro y entrando y saliendo sin que nadie lo note. Pero no gastó ni un dólar de los nueve millones que robó, porque su motivación es saldar viejas cuentas con el pasado familiar. Hasta que un día, este ladrón honesto del título original se enamora.

    Tanto se enamora, que no solo piensa en un retiro sino en entregarse a la policía para pagar su condena. Porque sus personajes podrán ser buenos o malos, ladrones, médicos, corredores de bolsa o policías, pero tienen un norte ético inquebrantable. El problema es en el que el FBI no todos comparten ese norte. Cuando llama para negociar su entrega y la del botín, nadie cree que ese hombre sea el ladrón. Hasta que da la ubicación de una baulera donde descansan tres millones de dólares, algo que los agentes a cargo de la pesquisa negarán a sus superiores para dividirlo entre ellos.

    Y entonces ocurre la magia: Carter termina aliándose al jefe del FBI para ayudar a detener a sus propios agentes. Cuesta creer lo que narra Venganza implacable, en parte por el absurdo de su propuesta, pero también porque todos los personajes están delineados con el trazo más grueso y esquemático del género, como si fuera un remedo tardío de aquel cine policial de los ’90 donde la basura estaba dentro de las instituciones y no en quienes supuestamente son villanos. Neeson: el villano más bueno del mundo


    https://www.pagina12.com.ar/368619-v...n-inexplicable
    Última edición por Amadel; 16-09-2021 a las 18:17:18

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  5. #3363
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    La película número 40 de Clint Eastwood
    "Cry macho", una balada arrastrada

    Autoconsciente, apelando a tiempos narrativos relajados y con fotografía y música acordes, el legendario actor y director vuelve a brillar en pantalla.
    Horacio Bernades

    Eastwood es Mike Milo, ex estrella del rodeo en una extraña aventura.

    Cry Macho - 8 PUNTOS
    EE.UU., 2021
    Dirección: Clint Eastwood
    Guion: Nick Schenk, sobre novela de N. Richard Nash
    Fotografía: Ben Davis
    Duración: 104 minutos
    Intérpretes: Clint Eastwood, Dwight Yoakam, Eduardo Minett, Natalia Traven, Fernanda Urréjola

    Spoiler:
    SPOILER:
    Cry Macho representa para Clint Eastwood una coda y un inicio. Sirve de coda al ciclo de refutación de la ley del revólver que tuvo como disparo de largada a Los imperdonables, e inicia una despedida que no sólo no es amarga sino que parecería no permitirse siquiera la melancolía, afrontando lo que queda con sabiduría zen. La de quien sabe que todo lo sólido se desvanece en el aire.

    Como en otras ocasiones, en su película nº 40 el otrora Hombre sin Nombre vuelve a hablar de sí mismo. Lo había hecho en su ópera prima, Play Misty for Me (1971), cuando a los 40 representó a un tipo que lucra con su fama y su pinta para llevarse a una mujer a la cama con falsas promesas. Lo hizo cuando ensalzó a su esposa Sondra Locke en Ruta suicida (1977). Lo hizo cuando mostró al cineasta como depredador en Cazador blanco, corazón negro (1990). Lo hizo cuando se mostró viejo por primera vez en Los imperdonables –¡hace casi 30 años!-, y de allí en más no dejó de mostrar el modo en que el tiempo pasaba en él, de película en película.
    En Cry Macho el ex Harry el Sucio aparece como nonagenario texano. El sombrero Stetson bien calzado, se define como un cowboy. Camina con dificultad, tiene los ojos semihundidos, mide varios centímetros menos que el metro 93 que Eastwood tuvo a los 30 y necesita dormir la siesta. Pero todavía puede, y ese tal vez sea el tema de la 55ª película que protagoniza. La trama es lo de menos. Ex estrella del rodeo (como Robert Mitchum en La mujer codiciada, de Nicholas Ray), años atrás Mike Milo sufrió una caída que lo dejó mucho tiempo fuera de las pistas y lo llevó a abusar de las pastillas y el alcohol. Volvió al ruedo, pero obviamente ya no está para esos trotes (literales). El día que llega tarde por enésima vez al trabajo, su jefe (el cantante country Dwight Yoakam, referencia no casual) lo despide, pero se trata de un despido paradójico: un minuto más tarde le encarga uno de esos favores que no se pueden rechazar.

    Milo deberá ir hasta Ciudad de México en su camioneta tan vieja como él, localizar allí al hijo que el jefe tuvo con una mujer mexicana, Rafael (Eduardo Minett), y traerlo de vuelta con él. Un encargo parecido al que le hacían en La mula, esta vez no por izquierda. O no tanto, porque cuando llegue a destino encontrará que la madre del chico (Fernanda Urréjola) es una especie de capamafia, rodeada de matones que no van a permitir que Rafo vuelva con el padre. Una pavada, que además hace agua por varios rincones: el encargo del jefe suena forzado, la mamá y sus secuaces parecen personajes de la serie Narcos que se equivocaron de película, que la señora (vestido rojo ceñido rojo, rematado en un tajo) se quiera llevar a la cama al nonagenario es pasmoso, y la relación de padre/abuelo sustituto viudo que Mike establece con Rafo es obvia (el chico, además, sobreactúa inocencia). Que también una viuda mexicana (Natalia Traven) se enamore de él a primera vista es más propio de los tiempos de Los puentes de Madison que de éste.

    Pero a esta altura Eastwood está más allá de cualquier artimaña argumental, y entonces todo eso vale tanto como un bledo. Lo que importa, lo que tiene peso (liviandad, mejor dicho) son los tiempos narrativos sueltos, relajados, distendidos, la fotografía de tono marrón oscuro -como corresponde a un ser que se va hundiendo en la noche-, la forma serena en que fluye la puesta en escena, el sentido del humor, la autoparodia sobre su personaje de toda la vida, el cuestionamiento radical del machismo, el registro de un plácido devenir que no se permite la mirada retrospectiva. Cry Macho es una balada arrastrada. El pianista aficionado sigue teniendo la sensibilidad de siempre por la música, que en esta ocasión metaforiza la doble patria de Mike (la natal y la adoptiva), abriendo y cerrando con un tema country y sumiendo el ensueño romántico de Mike en el desfachatado anacronismo del Trío Los Panchos y Eydie Gormé, haciendo ¡"Sabor a mí"! Parafraseando el “Estoy de vuelta” de Paul Newman en El color del dinero, Cry Macho tal vez sea la forma que tiene Eastwood de decir “Sigo acá”.


    https://www.pagina12.com.ar/368602-c...ada-arrastrada
    Última edición por Amadel; 17-09-2021 a las 16:44:47

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  7. #3364
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Escrita y dirigida por Michael Mohan
    "Los voyeristas": miradas con dobleces

    Con obvias referencias a Brian de Palma y de allí a Alfred Hitchcock, la película estadounidense propone una suerte de espejo donde el reflejo no siempre es confiable.
    Juan Pablo Cinelli

    El film presenta un final más inverosímil que inesperado.

    Los voyeristas - 5 puntos
    The voyeurs, Estados Unidos, 2021
    Dirección y guión: Michael Mohan
    Duración: 120 minutos
    Intérpretes: Sydney Sweeney, Justice Smith, Ben Hardy, Natasha Liu Bordizzo, Katharine King So.

    Spoiler:
    SPOILER:
    El travelling avanza con suavidad sobre una calle hacia la ochava, donde hay un local de lencería. Atraviesa la vidriera del negocio, en cuyo fondo las cortinas entreabiertas de un probador revelan el cuerpo de una mujer en ropa interior viéndose al espejo. La chica nota la intrusión y mirando a cámara cierra las cortinas con gesto ofendido. Enseguida, una versión empalagosa del clásico de Billy Idol “Eyes without a Face” suena en la secuencia de títulos de Los voyeristas, sobre una sucesión de planos detalle de iris, pupilas, escleróticas, párpados y pestañas. La intención es evidente: dejar bien claro que no solo la mirada, sino los ojos de quienes miran serán muy importantes en el desarrollo de esta película. Y sobre todo, que nadie está libre de ceder a la tentación de andar por ahí espiando la vida de los otros. En especial usted, el espectador.
    Lo que propone la película dirigida por Michael Mohan es un juego de miradas encadenadas que se sabe dónde empieza pero no dónde termina. El primer eslabón les corresponde a Pippa y Tom, que acaban de mudarse para comenzar la experiencia de vivir en pareja. La película los presenta con la candidez propia de la juventud, seguros de estar condenados a un destino de felicidad eterna. La primera noche, mientras cenan a oscuras, descubren que pueden ver todo lo que pasa en el departamento de enfrente, cuya superficie vidriada les ofrece el imprevisto show de la vida real. Allá, otra pareja de jóvenes que parecen sacados de una publicidad tienen sexo, mientras los protagonistas se preguntan si está bien quedarse mirando. Aunque al principio Tom parece el más interesado, será Pippa la que un día aparezca con un par de binoculares y ellos también terminarán haciendo el amor mientras espían.

    Intrigados por la vida ajena, Pippa y Tom se cuelan en una fiesta de disfraces para instalar un micrófono y así poder oír además de ver. Y lo que descubren es que no todo lo que brilla es oro. Al mismo tiempo, la hermosa vecina visita la óptica donde trabaja Pippa para hacerse un par de anteojos y la invita a tomar un café. Pippa cree que es una buena oportunidad para revelarle a ella los secretos que su marido le oculta.

    Con referencias obvias a Doble de cuerpo, de Brian De Palma (y de ahí a La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock), Los voyeristas también es un relato lleno de dobleces. Un laberinto de espejos donde cuesta distinguir la imagen real de su reflejo. Como en la película de De Palma, acá también el erotismo y el deseo forman parte de la ecuación, haciendo que los paralelos se vuelvan más evidentes. Sin embargo, el giro que toma Los voyeristas en su último tercio resulta más inverosímil que inesperado, haciendo que el dilema de la película, más moralista que moral, se corra de la simple curiosidad hacia un asunto bien distinto, tan cuestionable como tirado de los pelos.


    https://www.pagina12.com.ar/368614-l...s-con-dobleces

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  9. #3365
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Con dirección de Adam Robitel
    "Escape Room 2: Reto mortal": los desafíos continúan

    La película podría ser una remake de su predecesora, en tanto las situaciones que enfrentan los protagonistas son prácticamente las mismas. Lo único que cambia es la ambientación de los salones-trampa de los que deben escapar.
    Juan Pablo Cinelli

    Escape Room 2: Reto mortal.

    Escape Room 2: Reto mortal 5 puntos
    Escape Room: Tournament of Champions, Estados Unidos/Sudáfrica, 2021
    Dirección: Adam Robitel
    Guión: Will Honley, Maria Melnik, Daniel Tuch.
    Duración: 88 minutos
    Intérpretes: Taylor Russell, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Holland Rodell, Indya Moore, Isabelle Fuhrman, James Frain, Thomas Cocquerel.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Síntoma de los tiempos, el final de Escape Room: Sin salida (Adam Robitel, 2019), dejaba bien abierta la posibilidad de una secuela y así se lo señaló desde estas mismas páginas el día de su estreno. Dos años después, la obvia profecía se cumple con la llegada a las limitadas salas locales de una segunda parte: Escape Room 2: Reto mortal, también dirigida por Robitel, cuyo título original no hace referencia a ningún “reto mortal”, sino a un Tournament of Champions (torneo de campeones). La película de 2019 contaba la historia de un grupo de seis personas que eran invitados a participar de un escape room, un juego de ingenio en el que los jugadores son encerrados en un salón y deben encontrar dentro las pistas que les permitan salir de él. El asunto es que acá el juego se pasaba de claro a oscuro en el momento en que los participantes descubrían que se trataba de una trampa real, en la que si no eran capaces de resolver el enigma acabarían muertos, dejando un único sobreviviente: el ganador.

    Con similitudes a la saga de El juego del miedo, pero en una versión más lúdica que explícita (aunque no exenta de morbo y sadismo), la película terminaba con una pareja de jugadores salvando sus vidas y revelando una oscura empresa de apuestas clandestinas detrás del juego. El comienzo de esta segunda parte reúne a los sobrevivientes dispuestos a desenmascarar a esta organización y a sus responsables. Por supuesto, los dos jóvenes volverán a ser víctimas de un poder en las sombras que está más allá de su capacidad. Y una vez más acabarán encerrados con otras cuatro personas en una serie de trampas mortales de las que deberán escapar. En este caso se trata de un grupo compuesto por aquellos que alguna vez consiguieron “ganar” sus juegos, los sobrevivientes, y de ahí viene la ronda de campeones que menciona el título original.

    Escape Room: Reto mortal bien podría ser una remake de su predecesora, en tanto las situaciones que enfrentan los protagonistas son prácticamente las mismas. Lo único que cambia es la ambientación de los salones-trampa de los que deben escapar: en estos espacios mortales la película vuelve a poner en juego todo su ingenio. Esta vez se trata de un vagón de tren electrificado, un banco con un sistema de seguridad láser, una playa de arena movediza, un callejón donde llueve ácido y un baño sauna muy caliente. Si bien las situaciones se vuelven entretenidas a fuerza de tensión, no es menos cierto que, a diferencia de un buen policial, la resolución de cada enigma excluye casi por completo al espectador. Con pistas que casi nunca están a la vista y solo se aparecen como revelaciones ante los protagonistas, Escape Room pierde la oportunidad de convertirse también en un desafío para quienes pagaron la entrada. Y una vez más, todo queda servido para que la cosa termine en trilogía.


    https://www.pagina12.com.ar/368862-e...fios-continuan

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  11. #3366
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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    "¡Queridos camaradas!", denuncias algo elementales

    La película de Andrei Konchalovsky parte de la sangrienta represión del gobierno de Khrushchev a una huelga obrera en 1962, pero sin ir mucho más allá de la superficie.
    Horacio Bernades

    La represión dejó al menos 26 muertos y 87 heridos.

    ¡Queridos camaradas! 5 PUNTOS
    Dorogie tovarishchi, Rusia, 2020
    Dirección: Andrei Konchalovsky
    Guion: Elena Kiseleva y A. Konchalovsky
    Duración: 121 minutos
    Intérpretes: Yuliya Vysotskaya, Vladislav Komarov, Andrey Gusev, Yuliya Burova, Sergei Erlish.

    Spoiler:
    SPOILER:
    En los primeros días de mayo de 1962, los trabajadores de la fábrica de locomotoras eléctricas de la ciudad de Novocherkassk, en el extremo suroeste de la Unión Soviética, iniciaron una huelga. La medida de protesta estaba motivada tanto por el aumento de las cotas de producción que exigía la administración central, como por una creciente carestía de los productos de primera necesidad. Un mes más tarde la huelga seguía, y el gobierno de Nikita Khrushchev decidió cortarla de cuajo. Las tropas del ejército cumplieron la orden al pie de la letra, dejando un saldo de 26 muertos civiles y 87 heridos. Eso según las cifras oficiales. En su monumental crónica Archipiélago Gulag, Aleksandr Solzhenitsyn invierte las cifras y consigna que los caídos fueron alrededor de 80.
    Coescrita y dirigida por Andrei Konchalovsky -veterano realizador de la legendaria Siberiada (1979), y también de la feroz Escape en tren (1985)-, ¡Queridos camaradas! construye, alrededor de esos hechos, la caída en la realidad de Lyuda Semina (Yuliya Vysotskaya), que tiene un cargo en la representación comunal del Partido. En la secuencia introductoria Lyuda se queja del aumento en el costo de los alimentos, que se suma a un racionamiento cada vez más estricto. Añora aquellos dorados tiempos de Stalin en que los precios en lugar de subir bajaban. Viuda de un héroe de guerra y con una hija que decide sumarse a los manifestantes, los hechos convertirán a esta comunista convencida en mater dolorosa, removiendo la tierra en busca de Svetka, al tiempo que la KGB la investiga por su sospechoso parentesco. A su alrededor, militares venidos de la capital ponen en la mira a las autoridades locales, que no supieron prevenir la rebelión, arrancando a los testigos declaraciones en las que juran no haber visto nada.

    El tener por protagonista a una funcionaria da a Konchalosvky carnet de paso a las oficinas del poder. Allí, enviados del gobierno central interrogan a los representantes de las fuerzas armadas locales como si se tratara de un juicio extraoficial, y los funcionarios hacen declaraciones de fe soviética, a la medida de lo que sus superiores esperan. Claro que a esta altura de la historia universal, que desborda de documentación sobre la represión, masacres y conjuras de silencio orquestadas por Stalin y sus sucesores, nada de lo que muestra ¡Queridos camaradas! provoca sorpresa. De hecho, las filmaciones oficiales de “juicios” montados para dar una fachada legal a las purgas (ver, sin ir más lejos, la increíble El proceso, estrenada hace unos meses) provocan una conmoción que el film de Konchalovsky está lejos de producir, en tanto lo que narra no es otra cosa que lo esperable.

    Filmada en la clase de blanco y negro que la tecnología digital de alta resolución está en condiciones de ofrecer y receptora del Premio Especial del Jurado en Venecia 2020, ¡Queridos camaradas! recurre a resortes dramáticos tan elementales como pueden serlo la celebración de una fiesta en las mismas calles ensangrentadas días antes, la propaganda oficial que machaca la televisión o la ironía amarga con la que Lyuda entona un himno que exalta la grandeza de la URSS. No lo hace sola sino en compañía de quien resulta su más fiel ladero. Se trata de un asombroso agente “blando” de la KGB, tan culposo por la gigantesca operación de ocultamiento que no duda en tenderle la mano a la angustiada funcionaria. Para subrayar que el núcleo de la historia es el amor de una madre por su progenie, Konchalovsky se ve en la necesidad de insertar, en medio de una escena cualquiera, la imagen de una perra que amamanta con amor a sus cachorros.


    https://www.pagina12.com.ar/368861-q...go-elementales

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    Venganza implacable: Liam Neeson, un ladrón arrepentido que necesita nuevas ideas

    La película, que vuelve a tenerlo como un héroe de acción septuagenario, es tan derivativa como su título, la acción es de mediano octanaje y la trama, predecible e irrazonable a la vez
    Hernán Ferreirós



    Venganza implacable (Honest Thief, EE.UU./2020). Dirección: Mark Williams. Guion: Steve Allrich y Mark Williams. Fotografía: Shelly Johnson. Edición: Michael P. Shawver. Elenco: Liam Neeson, Jai Courtney y Kate Walsh. Duración: 98 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    En un famoso ensayo titulado “Nuestro pobre individualismo”, Borges argumentaba que ciertos policiales norteamericanos no funcionaban en nuestro país porque el argentino tiende a desconfiar de la ley y a identificarse con el delincuente. Si eso es cierto, esta película no tiene chance alguna, dado que Liam Neeson interpreta allí a un experto en reventar cajas fuertes que decide entregarse a la justicia por amor y devolver los 9 millones de dólares que logró en sus robos de guante blanco a instituciones bancarias cuyo prontuario probablemente sea peor que el suyo propio.
    La improbabilidad de que su pareja prefiera a un delincuente reformado y pobre a uno reformado y rico no lo desalienta. En su encuentro con el FBI, los oficiales ven en este insólito arranque de honestidad una oportunidad de salir de perdedores y no solo le roban el dinero sino que hieren gravemente a su chica (Kate Walsh de Grey’s Anatomy). Tal cosa da pie al esperado momento en que el casi septuagenario actor se convierte en una máquina imbatible de destruir malhechores y tiene la oportunidad de enunciar una amenaza mortal en su tono shakespeariano. En este caso, la deficiente “Oficial Nivens, voy a por usted” no puede competir con la célebre de Búsqueda implacable, el policial que a los 56 años convirtió a Neeson en una estrella de acción. Esta película es tan derivativa como su título, la acción es de mediano octanaje y la trama, predecible e irrazonable a la vez. En la última década, los thrillers de Neeson no decayeron tanto como para que se entregue a la justicia pero por éste, al menos, debería devolver el botín.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...s-nid16092021/
    Última edición por Amadel; 16-09-2021 a las 19:03:02

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    Jueves 16 de septiembre de 2021

    Fidel niño valiente: un niño, su caballo y un sueño misionero

    El film de Mario Verón utiliza actores no profesionales para construir su relato ambientado en el mundo de las carreras cuadreras
    Adolfo C. Martínez



    Fidel niño valiente (Argentina-Paraguay/2020). Dirección y guion: Mario Verón. Fotografía: Pablo Bruzzone. Edición: Javier Di Pasquo. Música: Lucas Guinot. Elenco: Fidel Cantero, Érico Cantero, Enrique “Yuka” Caballero. Duración: 74 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena

    Fidel es un niño que se acerca a la adolescencia y desde su Paraguay natal viaja a las entrañas de la selva de Misiones para conocer otros lugares y otras personas. Allí se acerca a otros niños lugareños con los que comienza una amistad y, además, halla a un caballo apodado El Che por los campesinos del lugar por su fuerza y por su hidalguía. Es así como Fidel, con ese equino que ya se convirtió en su inseparable compañero, decide participar en carreras cuadreras que le permitirán conseguir dinero para enviar a su madre, que lo espera ansiosamente en el país vecino. El muchacho, que jinetea con enorme habilidad teniendo como amuleto el nombre de Maradona en la espalda de su remera, se abre paso en la pista improvisada sobre la rojiza tierra y, lentamente, halla en los habitantes del lugar a sus más entusiastas seguidores.Con estos emotivos elementos el director Mario Verón (Neike y Te olvidaste de mí) logró relatar una historia cálida y sencilla que muestra la forma en que el protagonista y su caballo luchan para lograr el ansiado triunfo y la admiración de quienes lo rodean. Rodada con actores no profesionales, el film halla en Fidel Cantero a un protagonista que supo manejar con habilidad esa aventura que habla de amistad y de amor hacia ese caballo que logrará convertirse en un héroe en medio de la algarabía de todo un pueblo.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...o-nid16092021/

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     macahe

  17. #3369
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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "CRY MACHO"
    Una película sin conflicto, casi un homenaje en vida
    Mariano Casas Di Nardo



    "Cry Macho"
    (Estados Unidos, 2021). Dirección: Clint Eastwood. Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Actores: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Fernanda Urrejola. Duración: 93 minutos. Clasificación: apta para mayores de 13 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Buena

    No está mal cada tanto volver a lo tradicional, al viejo cine de road movie, sobre todo si su protagonista no es un héroe de TikTok ni un rapero intrépido haciendo su primera incursión en la pantalla grande, sino el mismísimo Clint Eastwood a sus 91 años. El problema es que se queda en eso como único valor y el filme sólo se sostiene por la presencia del legendario y sucio Harry. Más como un homenaje en vida que otra cosa.

    "Cry Macho" es la adaptación al cine de la novela homónima de N. Richard Nash, publicada en 1975 y que cuenta la vida de una ex estrella del rodeo norteamericano que como devolución de gentilezas por un favor en un pasado que desconocemos va desde Texas hasta México a buscar a Rafo (Eduardo Minett), el hijo descarrilado de su poco claro empleador.

    El filme rompe con muchos prejuicios y desorienta positivamente. Primero, no muestra a México como el inframundo sino que le saca a relucir algunos valores. Luego, el personaje de Mike Milo no encontrará, por suerte, en este hijo perdido a un doble de Iván, el Terrible, y ya su final nos convence de que valió la pena transitar la hora y media que por momentos se hace tan pesada como el andar cansino de su protagonista.

    Entre su rostro que casi siempre está a escondidas (o a contraluz) y un reparto insípido, uno no sabe de qué agarrarse para mantenerse, aunque el acompañamiento de la actriz mexicana Natalia Traven como Marta le da aire a una atmósfera seca y arenosa de sosegado calor.

    CINE PEQUEÑO

    El Eastwood director queda lejos de lograr esa emoción de sus últimos trabajos, como 'La mula', 'Sully: hazaña en el Hudson', 'Francotirador', y mucho más lejos de su inolvidable 'Million Dollar Baby'. Pero es válido también este cine pequeño, con pocos datos, de nulo conflicto, casi sin villanos; dentro de una historia sin aires de grandeza ni espectacularidad.


    https://www.laprensa.com.ar/506744-U...vida.note.aspx
    Última edición por Amadel; 17-09-2021 a las 16:45:52

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     LevyE,  macahe

  19. #3370
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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "UNDINE"
    Drama poético y desgarrador
    Manuel Germano

    Las influencias literarias del director quedan plasmadas con sutileza en el filme.

    "Undine" (Alemania-Francia, 2021) Dirección y guion: Christian Petzold. Fotografía: Hans Fromm. Actores: Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz. Duración: 91 minutos. En el marco del Festival de Cine Alemán.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Muy buena

    'Undine', la última película de Christian Petzold ('En tránsito' -2018-, 'Barbara' -2012-) llegó a nuestro país esta semana en el marco del 21º Festival de Cine Alemán y el próximo jueves se estrenará en cartelera. El guionista y director alemán de 61 años nos presenta aquí un sólido drama romántico tan poético como desgarrador.

    Undine es el título de la película y también el del personaje central de este relato, una historiadora que ama pero no es correspondida como lo desea. Sin embargo, pese a lo que ese sentimiento pudiera producirle, el destino la cruza con un hombre con el cual se funde en una relación profunda e intensa en la cual se siente plena.

    Petzold se toma su tiempo para reflejar la relación entre Undine y Christoph, interpretados por los extraordinarios Paula Beer y Franz Rogowski. Durante la primera parte, el filme bucea en los matices de este vínculo, para virar hacia un desenlace donde el director expone una arista más dramática y poética.

    Cargada de metáforas y sutilezas, 'Undine' mantiene un ritmo tal que el espectador se adentra en la particular sintonía de la historia desde el primer momento. Los planos, la fotografía y la música generan climas únicos que acompañan la trama.

    Paula Beer compone un personaje femenino susceptible y fuerte. Los primeros planos le muestran al espectador la expresión de los ojos de este rol complejo que la actriz encarna con compromiso y entrega.

    MITO Y LITERATURA

    'Undine' tiene una carga poética interesante desde su concepción pues el personaje obedece a un mito (ondina significa 'ninfa acuática de espectacular belleza'). Petzold afirmó que se inspiró en un capítulo de un libro de Peter Von Matt (escritor suizo ganador del Premio Johann Peter Hebel) en el que se relata la historia de una criatura acuática.

    Las influencias literarias del director se plasman con sutileza y compromiso. Petzold desarrolla el romance y visibiliza el drama con claridad, a la vez que permite que el espectador reflexione sobre lo poético que resulta el mensaje en la historia.

    Es una película bella, de gran fuerza narrativa y con dos personajes muy potentes. Petzold convoca con 'Undine' a los cinéfilos y amantes de la literatura, y también a quienes quieran emocionarse con una historia de amor única y desgarradora.


    https://www.laprensa.com.ar/506739-D...ador.note.aspx

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     Chorni,  macahe

  21. #3371
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    Viernes 17 de septiembre de 2021

    "La noche mágica", hablando de cosas importantes en una comedia imprevisible

    La película con Natalia Oreiro y Diego Peretti llegó a los cines y con un planteo lliviano se va metiendo sin prisa pero sin pausa en un debate muy actual

    La noche mágica


    La noche mágica * * *
    Origen Argentina, 2021
    Director Gastón Portal
    Guion: Portal y Javier Castro Albano
    Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.
    Música: Pablo Borghi.
    Con: Natalia Oreiro, Diego Peretti, Esteban Bigliardi, Pablo Rago, Isabela Palópilo, Laura López Boyano, Hernán Jimenez.
    Duración: 93 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    No puede decirse que en su debut como director, el productor televisivo, Gastón Portal no haya tomado riesgos. La noche mágica, su ópera prima, es riesgosa pero eso no es suficiente.

    La presencia de Natalia Oreiro y Diego Peretti haría pensar en una comedia y por ahí arranca el asunto: hay un enredo que involucra a una mujer, su marido, su amante y un copador que coinciden en Noche Buena. La situación amerita un buen gag cuando el amante (Pablo Rago) se hace pasar por cómplice para que el marido (Esteban Bigliardi) no sospeche.

    Pero al rato eso se cancela y la película gira hacia un suspenso policial y, finalmente, hacia un drama puro. Conviene no revelar nada porque uno de los valores posibles de La noche mágica es, justamente, su imprevisibilidad. Peretti y Oreiro están a la altura de papeles exigentes.
    La puesta en escena limitada a una casa y tres habitaciones, revela un aspecto teatral que Portal aprovecha. Cumple con los requisitos del nuevo cine argentino: es un universo de una prosperidad burguesa filmado con una prolijidad burguesa.

    Esa indecisión —premeditada pero fallida— por afiliarse a un género y revelaciones que pretenden hacerla profunda, terminan dando la impresión que La noche mágica quiera abarcar tanto que cuando apreta lo hace con decisiones estéticas y éticas que dan para el debate. Si iban por ahí: lo consiguiero


    https://www.elpais.com.uy/tvshow/cin...revisible.html

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  23. #3372
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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Mélanie Laurent dirige y protagoniza el film

    "El baile de las locas", en Amazon Prime Video: drama histórico y feminista
    Diego Brodersen



    EL BAILE DE LAS LOCAS, 5 puntos
    Le bal des folles; Francia, 2021
    Dirección: Mélanie Laurent.
    Guion: Mélanie Laurent y Christophe Deslandes.
    Duración: 114 minutos.
    Intérpretes: Lou de Laâge, Mélanie Laurent, Emmanuelle Bercot, Benjamin Voisin, Cédric Kahn

    Spoiler:
    SPOILER:
    Hay una escena cerca del comienzo de El baile de las locas que cristaliza parte de su esencia: en estricto montaje paralelo, dos mujeres se quitan el corsé que mantuvo los cuerpos moldeados (amortajados) durante gran parte del día. Basado en una novela de la escritora Victoria Mas, el quinto largometraje como realizadora de la francesa Mélanie Laurent (su carrera como actriz incluye el recordado rol de heroína en Bastardos sin gloria) describe sin anestesia ni sutilezas el vínculo entre ciertas prácticas de la neurología “moderna” y el rol de la mujer hacia finales del siglo XIX. Para ello, crea en la figura de Eugénie (Lou de Laâge, la protagonista de Las inocentes) a una joven de familia acomodada inquieta e inteligente que le escapa a la idea del matrimonio, transformada a la fuerza en víctima de esas prácticas científicas con algo de martirologio. Internada por su familia en la clínica La Pitié Salpêtrière, la joven pasa a ser la nueva adición en la fila de “histéricas” que pueblan sus pabellones y pasillos –las locas del título–, en los cuales conviven mujeres seniles, muchachas con síndrome de Down y pacientes con problemas psicológicos de diversos grados de severidad, todas juntas y entreveradas.

    Las torturas travestidas de tratamiento médico incluyen los baños en agua helada y el aislamiento en celdas oscuras y húmedas durante semanas, entre otras delicias que hoy serían consideradas criminales. Pero entre el staff de médicos y enfermeras se encuentra Geneviève (la propia Laurent, que así se reserva el rol coprotagónico), quien de a poco comenzará a entablar una relación con Eugénie marcada por la empatía, primero, y la más estricta sororidad más tarde, para utilizar dos términos de moda que nunca se verbalizan en los diálogos. El baile de las locas –cuyo título aparentemente metafórico es explicitado en el clímax narrativo– atraviesa sus casi dos horas bajo las formas del drama histórico y feminista convencional, con una reconstrucción de época precisa, actuaciones usualmente afiladas y la problemática central demasiado a flor de piel. Tal vez el principal problema del relato sea la forma en la cual entrelaza la universalidad de sus temas (sus denuncias) con un elemento de tonos fantásticos que la historia insiste en hacer pasar por espirituales.
    La razón por la cual la protagonista es internada en la clínica es clara desde las primeras escenas: Eugénie puede ver y escuchar a los muertos. Desde luego, nadie le cree. Mucho menos su padre, que al fin y al cabo es quien toma la drástica decisión de “curarla” (al menos el hermano menor intenta comprender las posibles razones de esa extraña conducta). El film deja en claro, más temprano que tarde, que ella sí es capaz de entablar contacto con el Más Allá, generando un particular chisporroteo en el discurso del film que la narración no logra conciliar del todo. ¿Es entonces ella la única cuerda en la institución y por esa razón merece un trato distinto? El resto, la obsesión de los hombres por controlar el cuerpo y la mente de las mujeres, por someter aquello que no se termina de comprender, por abusar de una posición de poder transmitida de generación en generación, es directo y diáfano.


    https://www.pagina12.com.ar/370107-e...ama-historico-

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  25. #3373
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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Ópera prima del bonaerense Juan Pablo Félix

    "Karnawal": drama familiar con dosis de contenido social

    El film intenta entrelazar varios mundos cinematográficos y lo logra en cierta medida, sin mucha sordidez ni sacarina.
    Diego Brodersen

    La película fue filmada en gran medida en la provincia de Jujuy.

    KARNAWAL
    6 puntos
    Argentina/Chile/Brasil/México/Bolivia/Noruega, 2020
    Dirección y guion: Juan Pablo Félix.
    Duración: 97 minutos.
    Intérpretes: Alfredo Castro, Martin López Lacci, Mónica Lairana, Diego Cremonesi, Adrián Fondari.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Los festejos del carnaval norteño podrán ser el trasfondo de la historia de Cabra, pero lo que realmente le interesa al personaje pertenece por origen a regiones mucho más llanas: el malambo. La ópera prima del bonaerense Juan Pablo Félix no es, como afirma un extracto crítico propuesto por la gacetilla de prensa, “un Billy Elliot gaucho y estepario”, aunque el guion no les hace asco a los tradicionales esquemas de suspenso del tipo “¿llegará o no llegará el protagonista a tiempo al concurso de baile?”. Pero eso ocurre cerca del final de Karnawal y es un detalle secundario. Antes, Cabra (el actor debutante y bailarín de malambo profesional Martín López Lacci) cruza la frontera entre Villazón y La Quiaca portando un pequeño paquete que debe transportar ilegalmente. Sólo después de llegar a destino cae el adolescente en la cuenta de su contenido: un arma de fuego ilegal. Félix dispone de entrada las coordenadas de su película, un drama familiar con dosis de contenido social y un colorido atractivo, cortesía de las secuencias documentales en las cuales los trajes carnavalescos brillan con todos sus oropeles.

    La relación de Cabra con su madre no atraviesa el mejor momento. Peor aún es la que mantiene con su nuevo novio, un gendarme que, a partir de una mirada dura y palabras ídem, parece dispuesto a enderezar al muchacho, que podría estar a un paso de descarrilar su vida. Mónica Lairana y Diego Cremonesi aportan profesionalismo en un reparto de rostros reconocibles, completado con la presencia del chileno Alfredo Castro como el padre de Cabra. Un hombre a quien todos llaman El Corto, un reo de pelo largo que anda disfrutando de sus primeras salidas provisorias antes de obtener la libertad. El inesperado pedido de El Corto de que un viejo auto que parecía abandonado le sea devuelto (primer toque de diseño del guion) posibilita el reencuentro de esa familia separada años atrás, fuente de conflictos nuevos y redivivos; también de la resurrección de anhelos que estuvieron en punto muerto durante mucho tiempo.
    Filmada en gran medida en la provincia de Jujuy, con paradas en paisajes de Tilcara, Humahuaca, San Salvador y otros parajes turísticos (y no tanto), Karnawal avanza firme y decidida en su descripción de personajes y pequeñas conflagraciones vinculares, con pequeños desvíos en los ensayos de una coreografía que ofrecen la oportunidad para el lucimiento del actor-bailarín. Castro, en tanto, suma un nuevo personaje a su galería de roles pintorescos y/o extremos (tal vez se trate del actor latinoamericano más versátil de los últimos tiempos), aunque los intentos de acercamiento de El Corto a su hijo tienen como resultado indefectible el rechazo, corolario de años de separación y abandono. Félix sabe alternar los planos más generales con los detalles de acción y reacción de los actores, apoyado en la notable dirección de fotografía de Ramiro Civita, que hace uso de los paisajes agrestes y urbanos sin caer en el abuso pictórico.

    Es en el tercer acto, signado por el retorno en la trama de aquel revolver mal habido, cuando la historia comienza a correr el riesgo del despiste. Una persecución nocturna algo forzada –por lógica interna y, sobre todo, enfrentada a la férrea construcción de uno de los personajes– ofrece un nuevo frente de tormenta entre los miembros del cuarteto central, al tiempo que la película coquetea con el policial sin policías. Karnawal intenta así reunir y entrelazar varios mundos cinematográficos, y lo logra en cierta medida, evitando al mismo tiempo tanto el exceso de sordidez como el de sacarina.


    https://www.pagina12.com.ar/370085-k...ntenido-social

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     macahe

  27. #3374
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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Documental de Adriana Yurcovich y Mariana Turkieh

    "Mari", entre las buenas intenciones y lo éticamente discutible
    Ezequiel Boetti



    5 - MARI
    (Argentina/2021)
    Dirección y guion: Mariana Turkieh y Adriana Yurcovich
    Edición: Mariana Turkieh y Xi Chen
    Duración: 78 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    Llama la atención que una película cargada de buenas intenciones sea tan extraña y éticamente discutible. La Mari del título de este documental, dirigido a cuatro manos por Adriana Yurcovich y su hija Mariana Turkieh, es la empleada doméstica de la amplia casa familiar de las directoras, ubicada en el barrio de Palermo. Hace 30 años que Mari trabaja ahí, según cuenta la voz en off de Yurcovich al inicio del film, pero su vida es un misterio. Hasta que un día llega con un pedido inesperado: quedarse a vivir con ellos porque acaba de dejar la precaria vivienda que compartía con su marido en Laferrere, corazón de la zona más desprotegida del partido de La Matanza.

    Ese hombre se llama Oscar y, coinciden vecinos y Mari, no es precisamente tranquilo. Por el contrario, es un típico golpeador celoso y violento, de esos que esperan hasta que llegue la mujer para reprocharle tardanzas e intentos de independencia. La gota que rebalsó el vaso, luego de varias trompadas y amenazas con cuchillos, fue un candado puesto en el portón de la casa. Oriunda de un pequeño pueblo de Santiago del Estero, y con una etapa educativa que terminó a sus 10 años, cuando tuvo que salir a trabajar, Mari se fue con la promesa interna de no volver.
    Yurcovich y su marido, una pareja de intelectuales con un abultado poder adquisitivo visible en cada metro cuadrado de su casa, atienden al llamado de su empleada y le arman una habitación donde estaba la oficina de Adriana, puntapié para que las codirectoras inicien un rodaje que consiste, básicamente, en registrar la nueva vida de Mari. Una vida que incluye la posibilidad de reencontrarse con todo aquello que había dejado de lado, desde amistades y vida social hasta el estudio.

    Que nunca termine de quedar claro si la actitud gentil del matrimonio se debe a un acto humanista de solidaridad o una curiosidad interclasista, a una suerte de experimento de campo observacional sobre los usos y costumbres de los sectores más humildes de la población -aquel que pasa largas horas diarias viajando desde el conurbano profundo hasta sus puestos laborales porteños- dota al documental de una ambigüedad notoria, en tanto entre quien filma y la filmada se establece un vínculo atravesado por una dinámica de poder clara. En un momento, por ejemplo, con Mari cursando una escuela primaria nocturna, ella le pide al marido de Yurcovich que le firme el boletín. Él responde, en chiste, que no se lo va firmar porque estuvo saliendo de noche.

    Con una banda sonora destinada a reforzar los momentos de mayor emotividad –que la película equipara a los de superación personal de su objeto de estudio– y una urgencia formal que coquetea con la desprolijidad, Mari tiene su acto central en una visita –¿o excursión antropológica? – hasta Laferrere para hablar con el marido. Allí comprueban, efectivamente, que se trata de psicópata. La película, sin embargo, piensa en ese hombre como una excepcionalidad, como una rareza zoológica al que ni siquiera las imágenes de Mari en la marcha de Ni Una Menos logran ubicar en un contexto sociocultural donde la violencia machista sigue manifestándose a diario.


    https://www.pagina12.com.ar/370108-m...nte-discutible

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  29. #3375
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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Noveno largometraje del alemán Christian Petzold
    "Undine": extraña y trágica fábula moderna

    Esta una historia de amor está planteada desde una extrañeza que nunca rompe la cáscara realista que la cubre.
    Juan Pablo Cinelli

    La historia avanza a partir de situaciones vinculadas con el agua.

    Undine 8 puntos
    Alemania/Francia, 2020
    Dirección y guión: Christian Petzold
    Duración: 91 minutos
    Intérpretes: Paula Beer, Franz Rogowski, Maryan Zaree, Jacob Matschenz, Anne RFatte-PolleRafael Stachowiak.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Un hombre y una mujer están sentados en un bar, la situación es incómoda. Ella mira a ninguna parte, como si buscara algo en su interior, mientras él la observa con pena, sin saber bien qué hacer. Johannes acaba de dejar a Undine y ambos lucen afectados. En ese momento él recibe un llamado que decide no atender y ella pregunta si era la otra. Johannes se levanta para irse y Undine le recuerda que prometió amarla para siempre: está dolida y solo le sale el reproche. De golpe los papeles se invierten. Ya sin lágrimas, Undine le avisa que si la deja tendrá que matarlo. Johannes se sienta otra vez, humillado. Ella le explica que ahora tiene que ir a trabajar, pero que él se va a quedar ahí sentado, esperando, y que cuando vuelva va a decirle que aún la ama. Ahora es Undine la que mira a los ojos y Johannes el que baja la mirada. Ella se va. Él se queda.

    Extraño: ese es el adjetivo que mejor define al relato de Undine, noveno largometraje de Christian Petzold. Una extrañeza que el cineasta alemán va introduciendo en la película de forma dosificada, sin romper nunca la cáscara realista que la cubre, pero sin esconderla nunca. Como con los buenos magos, acá el truco está hecho a la vista del auditorio, lo cual no quiere decir que todos los misterios que se plantean vayan a ser resueltos durante el desarrollo de la historia.

    A contramano de lo que pudiera pensarse a partir de aquella primera secuencia, en la que la violencia acaba ocupando el centro del drama, Undine es una película de amor. Un amor intenso, único, más grande que la vida y, por eso mismo, capaz de llegar al extremo. Alguno dirá, y tendrá razón, que no es amor aquello que se consigue bajo amenaza. No lo es, claro que no. Pero eso en este caso tiene una explicación sencilla: la verdadera historia de amor de Undine, película y protagonista, todavía está por empezar. Y cuando lo haga, será de un modo no menos extraño.
    Undine regresa al bar después de su trabajo como guía en un museo urbanístico de la ciudad de Berlín, pero no encontrará a Johannes. En su lugar conocerá a Christoph, un buzo industrial que se presenta de forma tan torpe como inusual y, por accidente, ambos terminarán en el suelo y empapados por el agua de una enorme pecera que se rompe de forma casi sobrenatural. Ahí es donde el verdadero amor se revelará ante Undine. Pero Petzold lo hará avanzar a partir de situaciones siempre vinculadas con el agua, que de a poco irán abonando la aparición de un elemento fantástico de raíz folklórica: en la mitología del norte de Europa, Ondina (o Undine) es una joven que tras sufrir por amor fue convertida en una ninfa acuática. El cineasta logra conectar eso con el origen de Berlín, cuyo nombre proviene del eslavo y significa “pantano”.

    Petzold va moldeando con elegancia su trágica fábula moderna. El trabajo sobre la banda de sonido resulta particularmente potente, usando una musicalización muy marcada, basada en piezas de piano que subrayan la atmósfera melancólica, pero que el director suele interrumpir de manera abrupta a caballo del montaje. A pesar de su radicalidad, el recurso fluye de forma natural, haciendo que sus quiebres, nunca obvios, vayan alimentando una creciente sensación de ruptura, que se hace más tangible a medida que la narración avanza.

    Por medio del montaje Petzold también entrega algunos hallazgos interesantes en el terreno visual. Ahí se destaca el inspirado fundido que reúne el plano detalle de una maqueta con el edificio real que esta representa. El truco, utilizado para que Undine imagine a Johannes esperando sentado en la mesa del bar del comienzo, funde realidad y representación, en lo que parece ser una nota al pie sobre el cine mismo, sus formas y el modo en que funciona en la mirada del espectador esa ilusión de estar viendo la vida misma en una pantalla.


    https://www.pagina12.com.ar/370090-u...fabula-moderna

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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    El cineasta cierra la historia de "Un hombre y una mujer"

    "Los años más bellos de una vida", de Claude Lelouch: fin de una inesperada trilogía

    Juan Pablo Cinelli



    Los años más bellos de una vida 5 puntos
    Les plus belles années d'une vie, Francia, 2019
    Dirección: Claude Lelouch
    Guión: Valérie Perrin, Claude Lelouche y diálogos adicionales de Pierre Uytterhoeven.
    Duración: 90 minutos
    Intérpretes: Jean-Louis Trintignant, Anouk Aimeé, Souad Amidou, Antoine Sire, Mónica Bellucci.

    Spoiler:
    SPOILER:
    El estreno de Los mejores años de una vida, la 49° película de la filmografía de Claude Lelouch (que no es la última), demanda volver hasta los años ’60, sobre la que tal vez sea su obra magna. Se trata de Un hombre y una mujer (1966), una de esos títulos míticos que abundan en el cine francés de esa época. Los motivos sobran. La inolvidable historia de amor entre dos jóvenes viudos, él corredor de carreras y ella guionista, que Lelouch registró con la potencia realista y emotiva que caracterizaba a la nouvelle vague. La química de su extraordinaria pareja protagónica, integrada por Jean-Louis Trintignant y Anouk Aimeé. Las cuatro nominaciones a los Oscar: ganó en las categorías de Película Extranjera y Guión Original, mientras que Lelouch y Aimeé se quedaron con las ganas en las de Director y Actriz Protagónica. Y, claro, la melodía compuesta por Francis Lai, una de las más reconocibles de la historia del cine.

    Tan potente resultó la fórmula, que 20 años después Lelouch volvió sobre ella en Un hombre y una mujer: Segunda parte (1986), donde la guionista convertida en productora vuelve a buscar al piloto para filmar una película basada en aquel romance trunco. En 2019, el francés reincidió por tercera vez, para contar el ocaso de los protagonistas, a quienes el paso del tiempo les ha sumado dramas, pero que no ha conseguido borrar la marca que en ellos dejó ese vínculo. De eso se trata Los mejores años de una vida, en la que el hombre ahora está internado en un geriátrico, padece un incipiente Alzheimer y solo recuerda con claridad a aquella mujer. Sin embargo, la película peca de nostálgica, exhibiendo una candidez que no le hace honor al original. La necesidad de recurrir de manera excesiva a intercalar material del film de 1966 revela el escaso peso dramático de la nueva historia, que se limita a reproducir lo que otros dramas sobre la tercera edad ya han puesto en escena con insistencia.
    La inesperada trilogía de Lelouch busca articular en el tiempo el devenir de una historia de amor de la misma forma en que Richard Linklater lo hizo en la saga que comienza en 1995 con Antes del amanecer. Pero lo hace de forma menos orgánica, como si se tratara de capas que se acumulan una sobre otras antes que como eslabones lógicos de una cadena. A diferencia de la de Linklater, cuyos capítulos están separados por períodos de nueve años (que volverán a cumplirse en 2022, ya que la última, Antes de la medianoche, es de 2013, aunque no hay anuncios de una cuarta parte), la prolongación de los tres títulos de Lelouch se presenta más bien azarosa, a pesar de que las referencias internas entre ellas son claras. Como si el regreso sobre ese universo fuera más una necesidad (o un capricho) de su creador que la consecuencia lógica de una continuidad narrativa. Incluso, tensando un poco la cosa, hasta se podría calificar a Los años más bellos de una vida como una película de explotación.


    https://www.pagina12.com.ar/370099-l...uch-fin-de-una

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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Dieudo Hamadi filmó su documental con cámara en mano
    "Kinshasa Makambo": el Congo en estado de tensión

    El film está narrado desde el punto de vista de quienes resistieron la tercera candidatura de Joseph Kabila.
    Horacio Bernades



    KINSHASA MAKAMBO 7 PUNTOS
    República Democrática del Congo/Francia/Suiza/Alemania/Qatar/Noruega
    Dirección y guion: Dieudo Hamadi
    Duración: 75 minutos

    Spoiler:
    SPOILER:
    En el apartado de Wikipedia correspondiente a la República Democrática del Congo, la entrada “Cultura” incluye referencias a la música, gastronomía, turismo y deportes de ese país del centro de África. Ninguna que refiera a cine. De ese origen es sin embargo el autor de films de no ficción Dieudo Hamadi, que no resulta desconocido en el circuito de festivales de cine internacionales. Nacido en 1987 y abocado a la realización de documentales políticos, Hamadi cuenta a la fecha con cinco films, de los cuales los más recientes, Kinshasa Makambo y Downstream to Kinshasa (conocido también por su título en francés, En route pour le milliard) fueron parte de la Berlinale 2018 y Cannes 2020. Éstas son las que ahora estrena la plataforma Mubi, que en su momento programó las tres primeras películas de Hamadi. De ellas se comenta Kinshasa Makambo, dado que Downstream to Kinshasa no se presenta con subtítulos en español.

    El opus 4 de Hamadi transcurre en los meses previos a la elección presidencial congolesa de 2016, en las que el presidente Joseph Kabila, en el poder durante una década, se postula para un tercer mandato. Lo cual es anticonstitucional. Ante esta situación, sectores de la población reclaman su renuncia, con una organización que por lo que puede verse es entusiasta pero no del todo amalgamada, y que incluye marchas, movilizaciones, quema de vehículos y enfrentamientos con la policía. En la más violenta de esas confrontaciones, que tuvo lugar el 19 de setiembre de 2016, se registraron diecisiete muertos. Narrada desde el punto de vista de un grupo de resistentes -del cual, tal como indica alguna referencia a cámara, el realizador parece formar parte-, para estructurar el relato Hamadi elige seguir a tres protagonistas. Uno de ellos acaba de salir de prisión, otro viene de una experiencia como trabajador indocumentado en Estados Unidos, el tercero está de vuelta en Kinshasa luego de una temporada en su ciudad natal.
    Con algunos fragmentos que se perciben guionados y “actuados”, Kinshasa Makambo tiene lugar en dos espacios: las calles, que los grupos de manifestantes toman con frecuencia, y los interiores donde se reúnen a discutir política y estrategia. Las escenas callejeras incluyen corridas y piedrazos, mientras que en sus reuniones los militantes comienzan mostrando unidad, para dar paso a grietas cada vez más visibles. De allí tal vez el “makambo” del título, que en idioma lingala quiere decir “dolor de cabeza”. Expresando en términos de puesta en escena el lugar que ocupa el realizador en relación con lo que narra, en ambas series narrativas la cámara es una protagonista más, frecuentemente llevada en mano por el propio Hamadi, sobre todo en exteriores. Sigue a los protagonistas con travellings hacia adelante, mientras que en las escenas de corridas el camarógrafo pierde control del dispositivo, generándose sacudones visuales en los que la forma se hace una con aquello que documenta.

    Un brusco corte en el relato abre en él una cisura, tal como sucede con la oposición al gobierno de Kabila. Ese corte se manifiesta durante un enorme acto de masas cuyo principal orador es Étienne Tshisekedi, líder octogenario que propone una salida dialoguista. Algunes manifestantes lo presionan para endurecer su posición y esas dos posturas signarán de allí en más la interna de los militantes, alineados en bandos cada vez más opuestos. El film de Hamadi vira de una primera parte en la que da la sensación de que “el grueso del pueblo” marcha unido contra el gobierno, a una segunda mitad donde esa unidad se resquebraja. Renegando de resoluciones tranquilizadoras, Hamadi deja esa escisión tal como parece haber quedado en los hechos: en estado de tensión.


    https://www.pagina12.com.ar/370104-k...ado-de-tension

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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    Dirigida por David Bruckner, con Rebecca Hall

    "La casa oscura", nueva versión del mito del que vuelve de entre los muertos
    Horacio Bernades



    LA CASA OSCURA 5 PUNTOS
    The Night House, EE.UU./Gran Bret., 2021
    Dirección: David Bruckner
    Guion: Ben Collins y Luke Piotrowski
    Duración: 107 minutos
    Intérpretes: Rebecca Hall, Sarah Goldberg, Vondie Curtis-Hall, Evan Jonigkeit

    Spoiler:
    SPOILER:
    En su ópera prima El ritual (2017), el británico David Bruckner mostraba capacidad para desarrollar personajes y plantear una dinámica entre ellos, calibraba con justeza la pendulación del relato entre lo doméstico y lo inquietante y se lanzaba finalmente de cabeza a lo sobrenatural, encarnado en una entidad poco o nada frecuentada por el género. Hollywood tomó nota y lo llamó. De técnica pulida y presupuesto medio, La casa oscura parecería ser la pista de lanzamiento a un proyecto más ambicioso que la industria le ha encomendado: la remake de Hellraiser, clásico del género en los 80. El paladar de Hollywood no es afín a menúes que se salgan de la norma, por lo cual a aquella primera cocción con impronta propia la sucede una en la que el cocinero se limita a servir, con la mayor prolijidad posible, la clase de cena ante la cual nadie se pregunta quién la preparó.

    Nueva versión del mito del que vuelve de entre los muertos, La casa oscura tiene por protagonista a la docente de secundaria Beth (Rebecca Hall), cuyo marido acaba de suicidarse. Como corresponde, Beth vive en una casa aislada junto a un lago, con un único vecino en las inmediaciones, el paternal Mel (Vondie Curtis-Hall). Tiene una colega y amiga, Claire (la rubia Sarah Goldberg, memorable en su papel de Sally en la genial serie Barry), su contrapeso realista a partir del momento en que Beth empieza con eso de que oye ruidos raros por la noche. Sucede lo que pasa de El bebé de Rosemary para acá: revolviendo entre las cosas del marido, la protagonista encuentra unos planos, mensajes, anotaciones y libros raros, en este caso bastante menos inquietantes que los escritos de Steven Marcato.
    Filmada como por un aprendiz aplicado que se cuida de no embarrarla, evitando caer al menos en el efectismo visual al uso (ver Maligno), aquel pasaje de lo ordinario a lo extraordinario, que Bruckner lograba tan bien en su film previo, aquí parece estacionarse en el plano de lo craso. Los secretos que ocultaba la figura del marido son más de alcoba que del otro mundo (aunque una vuelta de tuerca final quiera llevarlos sin mucha convicción hacia allí), y los miedos que sufre Beth, en lugar de poner los pelos de punta parecen peinar con aliño sus noches en vela. Pesa tan poco esa fuerza de lo desconocido que en las buenas películas de terror funciona como agujero negro, que sus angustias, soledad, temores y algún exceso alcohólico parecen los de una viuda cualquiera. Por supuesto que el hecho de que la protagonista esté interpretada por una actriz tan sensible como Rebecca Hall ayuda a que el espectador se interese por lo que le pasa a su personaje. El problema es que a su personaje le pasa poco.


    https://www.pagina12.com.ar/370347-l...vuelve-de-entr

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    Jueves 23 de septiembre de 2021

    "Duro de cuidar 2": una comedia de acción a toda velocidad
    Crítica de la película que protagoniza Ryan Reynolds, Salma Hayek, Samuel L. Jackson y Morgan Freeman que ya se estrenó en los cines uruguayos
    Fernán Cisnero

    Imagen promocional de la película "Duro de cuidar 2". Foto: Difusión


    Duro de cuidar 2 [**]
    Director: Patrick Hughes
    Con:Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Salma Hayek, A. Banderas, M. Freeman.
    Estados Unidos, 2021.
    Título Original: The Hitman’s Wife’s Bodyguard.
    Guion: Tom O’Connor, Brandon y Phillip Murphy.
    Fotografía: Terry Stacey.
    Duración: 100 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Lo mejor que tiene para ofrecer Duro de cuidar 2 (un título sencillamente horrible y previsible) es Ryan Reynolds, uno de los grandes comediantes del cine de Hollywood. Lo viene demostrando hace tiempo con el tono humorístico de Deadpool y lo confirmó este año en Free Guy, que no está mal y en la que consigue dar dimensión humana a una película de acción inhumana y al borde de la sobredosis de esteroides.

    Es decir, Duro de cuidar 2 es algo bruta, repleta de muertes a quemarropa, palabrotas y mucha conducta errática que por lo visto causa gracia en estos días. Sería peor sin Reynolds.
    Acá vuelve a interpretar a Michael Bryce, un guardaespaldas caído en desgracia, tal como lo habíamos dejado al final de Duro de cuidar, que se estrenó en 2017. Vuelve a cruzarse con Darius Kincaid (Samuel L. Jackson) y con su esposa, la inestable y letal Sonia (Salma Hayek), y a pesar del recelo entre ellos, deberán cooperar para salvar a Europa de la desaparición tecnológica promovida por un magnate griego llamado Aristóteles, e interpretado por un Antonio Banderas que va por la caricatura. Por ahí también aparece Morgan Freeman.
    El camino hacia salvar el mundo está cargado de peleas imposibles, una cantidad de muertes a nivel de masacre, elaborados insultos en varios idiomas y un montón de sinsentidos que no parecen ir en desmedro de lo que se quiere hacer. El director, Patrick Hughes, ya había mostrado su método para mostrar todo eso (planos y montaje estridentes) de la manera que se lleva ahora.Algunos chistes funcionan bien aunque hay que encontrarlos entre la pila de muertos y los accidentes espectaculares. Conviene, para eso, seguir a Reynolds: él esconde lo mejor de este invento.


    https://www.elpais.com.uy/tvshow/cin...velocidad.html
    Última edición por Amadel; 23-09-2021 a las 19:46:15

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    Viernes 24 de septiembre de 2021

    Infidelidad mortal, un thriller modesto y remanido


    Una pareja de adúlteros es asediada por el marido de ella en este juego del gato y el ratón del que lo mejor que se puede decir es que no busca engañar al espectador con falsas promesas de profundidad
    Guillermo Courau



    Infidelidad mortal (An Affair To Die For, EE.UU./2019). Dirección: Víctor García. Guion: Elliott San. Fotografía: Eloi Molí. Edición: Luis de la Madrid. Elenco: Claire Forlani, Nathan Cooper, Titus Welliver, Jake Abel, Melina Matthews. Duración: 83 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Regular.

    Una mujer casada inventa un viaje de trabajo para poder encontrarse con su amante, también casado. La cita furtiva es en un hotel de lujo con el imponente paisaje de Aspen como marco; y de yapa, un juego erótico de bienvenida que incluye esposas, una venda en los ojos y mucha sensualidad.El fin de semana se complica cuando la pareja descubre que es controlada por el marido engañado, que ha puesto cámaras en la habitación y los somete a un juego de gato y ratón, donde no se puede confiar en nadie. La aventura prohibida se vuelve una lucha de vida o muerte.
    De planteo modesto y remanido, la trama de este film de suspenso dirigido por el ignoto Víctor García seguramente podría funcionar bien en el papel -más específicamente en esas novelas de aeropuertos, de tapas provocadoras y título sugerente-, pero en pantalla se nota tanto el esfuerzo por sostenerle el engaño al espectador que la curiosidad inicial rápidamente se convierte en apatía. Los caminos se cruzan, quien puede ser no es, o sí, o tal vez... mientras uno mira de reojo el reloj para saber si todavía falta mucho.Entre un reparto que cumple hasta por ahí nomás, Claire Forlani (¿Conoces a Joe Black?, CSI: New York) se corre del estereotipo de este tipo de propuestas, por edad y dotes actorales aportándole a la protagonista un destello de credibilidad ausente en el resto del elenco. Tanto en lo explícito de su título, como en su planteo casi teatral y sus magros resultados, Infidelidad mortal es absolutamente honesta. Lo que en sí mismo no significa que sea bueno.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...o-nid23092021/

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  41. #3381
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    'Non odiare’: la huella del adiestramiento paternal
    Se ve siempre con interés, y Mancini tiene la noble idea de ahuyentar el fácil maniqueísmo entre educaciones buenas y malas



    Spoiler:
    SPOILER:

    Javier Ocaña

    Que la vida nos coloca a veces ante caprichosas tesituras y golpes del destino no hay quien lo dude. Que Mauro Mancini, director y coguionista de la película italiana No odiarás, ha ideado una de las más extremas, tampoco: un cirujano de origen judío que, mientras hace deporte, es testigo de un brutal accidente y tiene la oportunidad de salvar la vida del moribundo ocupante del coche, un hombre con la cruz gamada de los nazis tatuada por medio cuerpo.

    La responsabilidad por nuestros actos la podemos portar como pluma que apenas agota o como insuperable mochila llena de piedras. Y el remordimiento por lo sucedido es lo que lleva al médico interpretado con dolor y convicción por Alessandro Gassman a un posterior acercamiento a la familia del fascista. La primera mitad de No odiarás mantiene siempre el tipo. En la segunda, sin embargo, aunque la dirección, el ritmo y el tono sigan siendo sólidos y contundentes, se acumulan unas cuantas decisiones argumentales de dudosa calidad: principalmente el cliché de la deuda económica pendiente que deben afrontar los jóvenes huérfanos, repetida hasta la saciedad en infinidad de películas, y también la prestidigitación narrativa que arrastra hasta la segunda oportunidad y a la posible redención del protagonista.

    De todos modos, pese a las suspicacias que conllevan el par de giros argumentales, No odiarás se ve siempre con interés, y Mancini tiene la noble idea de ahuyentar el fácil maniqueísmo entre educaciones buenas y malas, sin resquicios, con una potente secuencia que ejerce de prólogo y el posterior lastre educativo y mental en la personalidad del judío. La huella indeleble del terrible adiestramiento de ciertos padres hacia sus hijos.


    https://elpais.com/cultura/2021-09-24/no-odiaras-la-huella-del-adiestramiento-paternal.html

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  43. #3382
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    Domingo 26 de septiembre de 2021

    Profundo dilema de la existencia humana
    "¿Cuánto vale la vida?"
    Mariano Casas Di Nardo

    ("Worth", Estados Unidos, 2020). Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Actores: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan. Duración: 118 minutos. Clasificación: apta para mayores de 13 años

    Michael Keaton y Stanley Tucci brindan actuaciones memorables.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Muy buena

    Cuando uno se dispone a ver `¿Cuánto vale la vida?', más o menos sabrá a qué se enfrenta. Un filme biográfico que cuenta el momento en que el Gobierno estadounidense, a través del bufete del abogado Kenneth Feinberg, intenta indemnizar a las familias de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre.

    Pero lo más abrumador no es la pregunta inicial sino las repreguntas. ¿Vale más la vida de un gerente de empresa que la de un repartidor de café? ¿La vida de un hombre soltero vale menos que la de un padre de familia tipo? ¿Hay vidas que valen 300 mil dólares y otras que no pueden valer menos de 12 millones de dólares?

    A la semana de los fatídicos acontecimientos del 11S, el Gobierno norteamericano, en pos de cuidar a las compañías aéreas de posibles demandas y de contener a los familiares de las víctimas, comienza un plan llamado Fondo de Compensación para las Víctimas del Once de Septiembre. Para ello consiguen los servicios del abogado Feinberg (Michael Keaton), quien tiene la tarea no menor de decirle a cada familiar directo cuánto vale la vida de su ser querido. Un algoritmo similar al de una compañía de seguros, que toma como base el sueldo neto de la víctima y variables como su estado civil, su inyección en la económica, su futuro, su presente, sus herederos, etc. En ese abanico de posibilidades hay desde magnates, indocumentados, homosexuales, padres ejemplares y no tanto.

    MEMORABLE

    La directora Sara Colangelo, a partir de un guion de Max Borenstein, intenta ser lo más objetiva posible. Y para lograrlo, la actuación de Michael Keaton es vital. Por momentos es el diablo, en otros es un mártir. Lo odiamos pero técnicamente, qué otra posibilidad tiene. Y para confrontarlo ética y actoralmente, un inmenso trabajo de Stanley Tucci quien como Charles Wolf hace de un líder espontáneo que junto a los desorientados familiares busca solo un poco de dignidad ante tanto cálculo. La escena de ellos dos debatiendo, uno con la tristeza a cuestas, el otro con la ley y el sentido común, es memorable.

    Sin tanto ruido, con poco márketing pero con maestría, calidad y actuaciones admirables, `¿Cuánto vale la vida?' se convierte en lo mejor de Netflix de las últimas semanas. Un filme que nos interpela y nos hace reflexionar sobre lo mucho que somos para los que nos quieren y lo poco que representamos para los que no.


    https://www.laprensa.com.ar/507067-P...mana.note.aspx
    Última edición por Amadel; 26-09-2021 a las 01:41:26

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  45. #3383
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    La víctima frente al verdugo
    Crítica ★★★★☆ de «Maixabel», de Icíar Bollaín.


    España, 2021. Título original: «Maixabel». Dirección: Icíar Bollaín. Guion: Icíar Bollaín, Isa Campo. Producción: Juan Moreno, Guillermo Sempere, Koldo Zuazua. Productoras: Kowalski Films, Feel good Media, ETB, Movistar+, TVE. Fotografía: Javier Agirre. Música: Alberto Iglesias. Montaje: Nacho Ruiz Capillas. Reparto: Blanca Portillo, Luis Tosar, María Cerezuela, Urko Olazabal, Tamara Canosa, Arantxa Aranguren, Mikel Bustamante, Bruno Sevilla, Jone Laspiur.



    Spoiler:
    SPOILER:

    José Martín León

    i por algo se ha caracterizado el cine de Icíar Bollaín ha sido por dar voz a quien, muchas veces, no la han tenido. Con una carrera de más de 25 años como realizadora –como actriz había debutado en una de las obras maestras de nuestro celuloide, El sur (Víctor Erice, 1984), a la tierna edad de dieciséis años, y, desde entonces se habían sucedido notables trabajos en obras como Tierra y libertad (Ken Loach, 1995), Leo (José Luis Borau, 2000) o Nos miran (Norberto López Amado, 2002)– que comenzó brillantemente con la fresquísima Hola, ¿estás sola? (1995), Bollaín ha demostrado una gran sensibilidad a la hora de tratar temas “incómodos” en sus películas, de esos por los que muchos espectadores preferirían mirar hacia otro lado para no querer ver unas realidades que, lamentablemente, están presentes en cada esquina de nuestra sociedad. En Flores de otro mundo (1999) mostró las dificultades que un puñado de mujeres inmigrantes vivían para integrarse en España. En Te doy mis ojos (2003) –su película más aclamada y redonda hasta la fecha– removió conciencias con el durísimo retrato de una mujer maltratada por su marido (un impresionante Luis Tosar que, en su calidad de actor fetiche de la directora, se atrevió a poner rostro a uno de los personajes más monstruosos de nuestro cine, visceral encarnación de la violencia machista que cada año acaba con tantas vidas en todo el mundo). En Mataharis (2007), También la lluvia (2010) –que abordó el tema de la Guerra Boliviana del Agua, marcando paralelismos con la brutal colonización del siglo XVI–, Katmandú: un espejo en el cielo (2011), El olivo (2016), Yuli (2018) o La boda de Rosa (2020), todas cargadas, en mayor o menor manera, de buenas dosis de denuncia social o política, sus protagonistas seguían siendo personajes fuertes e inconformistas, enfrentados a situaciones injustas y circunstancias adversas que no lograban achantarles en sus plausibles empeños. Icíar Bollaín eleva muchísimo más la apuesta en su último largometraje, Maixabel (2021), que llega a las salas de cine después de recibir el aplauso de quienes la disfrutaron en el Festival de San Sebastián, donde se llevó el Premio Cine Vasco.

    Lo que cuenta Maixabel no es fácil. No lo es para todas aquellas familias que han perdido a alguien víctima de la violencia de ETA, evidentemente. Son heridas que nunca terminan de cicatrizar, que continúan abiertas once años después de que la banda terrorista comunicara un alto el fuego general que había dejado un reguero de 854 cadáveres y más de 3000 heridos a lo largo de cinco décadas de terror. “El pueblo que no conoce su historia, está condenado a repetirla”. Esta sentencia tan certera, aboga por la importancia de la memoria histórica para no volver a cometer en el futuro los errores que marcaron el pasado, y es en eso, exactamente, en lo que la película de Bollaín pretende hacer hincapié. Un largo capítulo de la historia de España que, al igual que la triunfal miniserie para HBO Patria (Félix Viscarret, Óscar Pedraza, 2020), Bollaín vuelve a poner de actualidad, no con la intención de reabrir odios y reproches, sino para apostar por el diálogo con el fin de acercar posturas, aun cuando estas no pueden estar más lejanas e irreconciliables, en beneficio de una convivencia futura más llevadera. Maixabel pone en imágenes una historia real, enclavada en 2014, poco conocida y muy necesaria para entender que la empatía y la capacidad del ser humano para perdonar y dejar el odio atrás, para comenzar de nuevo a construir, no conocen límites. La de varios asesinos arrepentidos y desvinculados de la banda terrorista mientras cumplían condena en una cárcel de Álava, que se prestaron voluntarios para participar en encuentros con víctimas de su violencia, a quienes responderían cualquier pregunta que quisieran hacerles. Desde su contundente prólogo, la directora y su coguionista Isa Campo dejan claro que su intención no es la de restar atrocidad al asesinato a sangre fría que los terroristas (Ibon Etxezarreta, Luis Carrasco y Xabier Makazag) cometieron aquel 29 de julio de 2000, cuando se acercaron al político socialista Juan María Jaúregui por la espalda en una cafetería de Tolosa y le dispararon dos tiros en la nuca. De hecho, vemos a los asesinos vanagloriarse de ello y cómo se encararon con los jueces durante su procesamiento, ante la mirada de la desconsolada viuda.

    Esta mujer, la Maixabel del título, es la gran protagonista de la cinta. Una persona rota por el dolor de haber perdido a su esposo cuando este había viajado hasta Tolosa para celebrar sus bodas de plata. Pero, también, una mujer valiente y abierta a sentarse ante los verdugos, mirarles a los ojos y escuchar lo que tienen (y necesitan) decirle. Blanca Portillo está admirablemente contenida en una de esas interpretaciones que nacen desde el respeto y la admiración hacia la persona real a quien rinde homenaje. Sus miradas navegan con maestría desde la indignación y la rabia hasta la compasión, mostrando a una Maixabel Lasa frágil y cercana en sus escenas familiares –maravillosa la contribución de la joven María Cerezuela en el papel de la hija, sobre todo en ese dramático momento en que, sin palabras, recibe la noticia de la muerte de su padre, lanzando un grito desgarrador capaz de encoger el alma del espectador– y a otra más entera y fuerte en sus careos, primero con Luis Carrasco (Urko Oloazabal, magistral en su pulso interpretativo ante la gran Portillo), y, finalmente (y ya fuera de las paredes de la prisión), con Ibon Etxezarreta, personaje que le ofrece a Luis Tosar una nueva oportunidad de demostrar por qué es uno de los grandes actores de nuestro cine. Ambos intérpretes, Oloazabal y Tosar, consiguen el reto de humanizar a estos asesinos que una vez lucharon por una causa nacionalista e independentista en la que creían, pero que nunca se pararon a pensar en los monstruosos métodos. Resulta chocante oírles explicar cómo, antes de su proceso de autocrítica y aceptación de la culpa, no se sentían responsables de ese dolor, escudándose en que sus crímenes no respondían a cuestiones personales, sino que eran objetivos, para ellos anónimos, que se les encargaba hacer desaparecer, sin más. Escucharles confesar que echaban a suertes a quién le correspondería apretar el gatillo en cada misión y cómo ese hacerlo era considerado un privilegio, es algo capaz de indignar y herir la sensibilidad de cualquiera. Pero lo hacen como un acto de sinceridad a alma descubierta, no temiendo dibujar el monstruo que una vez fueron ante la viuda de su víctima para buscar un perdón más fácil.



    Más allá del trasfondo político que hay detrás de la historia, que, como su directora dice, daría para muchas películas más, lo que ofrece Maixabel es algo mucho más universal. Habla de personas y de los caminos que tienen que recorrer para sanar sus heridas. Víctimas y verdugos deben recorrer sus diferentes viajes, las primeras para encontrar un sentido a una barbarie que, desde luego, no la tiene, y los segundos, para tratar de enmendar, dentro de lo posible, parte del daño causado, una vez que se han convertido en unos despojos de la sociedad en la que son señalados como traidores por sus ex compañeros de ETA y odiados por el resto. Una historia de arrepentimiento, perdón y redención no demasiado alejada de la ofrecida por Tim Robbins en aquella magnífica Pena de muerte (1995), donde el asesino encarnado por Sean Penn, en el corredor de la muerte, expiaba sus culpas mediante las conversaciones que mantenía con la monja que le dio su Oscar a Susan Sarandon. Ambos relatos cuentan cómo, en última instancia, el mayor enemigo de estos criminales, son ellos mismos, y cómo los años entre cuatro paredes hacen que realicen un exámen de conciencia que les hace sentirse más próximos a sus víctimas y avergonzarse enormemente de lo que hicieron. Maixabel es una obra más que difícil, espinosa, susceptible a crear encendidos debates en unos tiempos en los que el diálogo se está volviendo a perder en nuestro país, pero regala un hermoso mensaje de esperanza en el ser humano que merece prevalecer por encima de cualquier otra lectura errónea que se le pueda hacer. Bollaín ha alcanzado una madurez como directora total, tanto en el trabajo con los actores (todos y cada uno de los secundarios están perfectos), como en el modo en que afronta las escenas más cruciales (las dos reuniones de la protagonista con sus victimarios, jugando al plano/contraplano para exprimir cada gesto estas personas) y la sutileza con la que refleja el tormento interior de sus criaturas –no solo en esa prodigiosa escena en la que Tosar recorre en coche unas calles en las que cada lugar le recuerda los crímenes cometidos, con esos sonidos de disparos o explosiones resonando en su cabeza, sino también en aquellas más intimistas que Ibon comparte con su madre, donde detecta en la cansada mirada de la anciana cuánto dolor creó a su familia–. Esta es una de las grandes películas del año, una lección de gran cine que se aleja de cualquier afán manipulador para emocionar al espectador y, al mismo tiempo, invitar a la reflexión.



    https://www.elantepenultimomohicano.com/2021/09/critica-maixabel.html

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    Miércoles 29 de septiembre de 2021

    ¿Cuánto vale la vida? expone con sobriedad varios dilemas sobre los efectos del 11-S


    El film parte de la historia real del perito encargado de determinar las compensaciones económicas a los familiares de las víctimas del atentado, y crece hasta dimensionar la tragedia de una forma tan auténtica como trágica
    Marcelo Stiletano

    Amy Ryan, una de las piezas más sólidas del elenco de ¿Cuánto vale una vida?, película de Netflix

    ¿Cuánto vale la vida? (Worth, EE. UU./2020). Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Música: Nico Muhly. Edición: Julia Bloch. Elenco: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Laura Benanti, Tate Donovan. Duración: 118 minutos.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Buena.

    ¿Cuánto vale la vida? pone en perspectiva nuestra memoria del hecho y nos lleva a compartir la pregunta más complicada que surge después de la reacción inmediata frente a los atentados: ¿qué resarcimiento tiene para sus deudos una vida irremediablemente perdida? Es un interrogante que se prolonga en el tiempo y deja en claro, cuando se cotejan opciones y posibilidades, que no habrá nunca una solución justa.
    En el caso de un atentado de las dimensiones del que sufrió Nueva York hace dos décadas aparece también la necesidad de atender cada experiencia particular, un planteo que se enfrenta a los imperativos de la ley. ¿Debemos legislar en sentido general para sentar un precedente indiscutido (y correr el riesgo de ser injustos con algunos) o inclinarnos hacia la atención de cada caso, alternativa que podría dilatar las soluciones hasta el infinito?.
    La película expone estos dilemas desde la mirada de algunos de sus protagonistas reales. El más importante es Kenneth Feinberg, el perito especializado (special master) designado por el gobierno de los Estados Unidos tras el 11-S con el fin de elaborar un fondo de compensación para las víctimas y lograr la conformidad de sus seres más cercanos y herederos. Feinberg es un exitoso abogado, muy versado en números, pero tiene tanta habilidad para su tarea profesional como desapego hacia las situaciones que pueden alterar esa lógica. También es un fervoroso melómano, detalle que irá adquiriendo un sentido muy particular a lo largo del relato.
    Las dos horas de ¿Cuánto vale la vida? narran el viaje de Feinberg hacia ese territorio más humanizado sobre todo con la ayuda de Charles Wolf, un abogado que perdió a su esposa en los atentados y al principio está dispuesto a llevar los cuestionamientos al plan de indemnización oficial hasta las últimas consecuencias. En el medio aparecen algunas historias humanas cargadas de sensibilidad y otros personajes ciertamente más codiciosos.
    El mayor mérito del relato reside en la elección de un tono sobrio y recatado para narrar la tragedia (el momento en que se revela el atentado para Feinberg dentro de un vagón de tren, sin una sola imagen de las torres, es excelente), así como en el exacto vínculo que se va estableciendo entre dos personajes muy distantes que se esfuerzan por entenderse, interpretados con la mesura y el compromiso adecuados por Michael Keaton y Stanley Tucci. El rostro estoico y contenido de la magnífica Amy Ryan es otro eficaz antídoto contra la tendencia que a veces aparece en el guion de querer cargar demasiado las tintas en los aspectos más sensibles de un hecho que reaparece con mucha fuerza durante estos días en nuestra memoria.



    https://www.lanacion.com.ar/espectac...s-nid03092021/
    Última edición por Amadel; 29-09-2021 a las 18:49:08

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    Jueves 30 de septiembre de 2021

    Escrita y dirigida por Sarah Adina Smith
    "Aves del paraíso": amor-odio danzado

    Aun con obvias referencias a películas similares centradas en el mundo del ballet, la realizadora construye un film más cercano a lo adolescente, un relato de crecimiento retorcido.
    Diego Brodersen

    El film recuerda a Suspiria de Dario Argento y El cisne negro, de Darren Aronofsky.

    AVES DEL PARAÍSO - 6 PUNTOS
    Birds of Paradise; Estados Unidos, 2021
    Dirección y guion: Sarah Adina Smith.
    Duración: 113 minutos.
    Intérpretes: Kristine Froseth, Diana Silvers, Caroline Goodall, Eva Lombay, Jacqueline Bisset, Daniel Camargo.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Las reseñas de Aves del paraíso insisten en señalar el parentesco con dos largometrajes famosos: Suspiria, de Dario Argento (y, por lógica consecuencia, la pseudo remake de Luca Guadagnino) y El cisne negro, de Darren Aronofsky. Es lógico, ya que ambos transcurren, como el film de Sarah Adina Smith, en el competitivo mundo del ballet, en todos los casos atravesados por circunstancias fuera de lo común, aunque no necesariamente sobrenaturales. Pero en el fondo, más allá de los elementos compartidos –conceptos narrativos ligados a los traumas psicológicos o detalles del diseño de producción–, Birds of Paradise es esencialmente una teen movie recubierta con varias capas de maldad y algo de sordidez. Mucho menos un neo giallo o una investigación sobre psiquis fracturadas que un comentario ligero, pero visualmente sustancioso, del peligroso encuentro entre dos estudiantes de danza cuya relación de amor/odio va más allá del enfrentamiento artístico en la pista de baile.A poco de llegar a una prestigiosa academia parisina de danza, la nueva alumna Kate Sanders (Diana Silvers) se agarra literalmente de las mechas con Marine Durand (Kristine Froseth), situación coronada por sendas bofetadas, de esas que dejan marcas. A pesar de ser ambas estadounidenses, las chicas no podrían tener un origen más diverso; la primera hija de un esforzado vendedor de cemento, la otra criada por la mismísima embajadora de los EE. UU. en Francia. Que el hermano gemelo de Marine, excelso bailarín, se haya tirado al río desde un puente tiempo atrás, tiene (y bastante) que ver con esa pelea y también con todo lo que sobrevendrá. Aunque las protagonistas, más pronto que tarde, dejarán las inquinas para iniciar un vínculo de amistad con mucho de simbiótico, aunque no es este el momento ni el lugar para revelar el grado metafórico o literal de esa particularidad.

    Mientras avanzan los ensayos para un concurso que podría terminar con un contrato en el Ballet de la Ópera de París, siempre bajo la mirada atenta de la directora de la institución –una profesora tan curtida como viperina, interpretada con ligero sarcasmo por Jacqueline Bisset–, la historia entrelaza realidades con fantasías, pas de deux con pactos y traiciones de bambalinas, confesiones a la luz del velador con salidas a un boliche alucinógeno, y señales del paso a la adultez con recuerdos de infancia. Además de una fábula sobre un pajarillo y la creación del día y la noche que ofrece la excusa ideal para el título del film. Aves del paraíso avanza sin sorprender y su recargado estilo parece muchas veces querer ocultar cierta falta de sustancia. A pesar de ello, en tiempos de películas y series que parecen el escupitajo de algoritmos audiovisuales y no el producto creativo de personas de carne y hueso, Sarah Adina Smith logra crear un relato de crecimiento retorcido, con tonalidades de pesadilla, que mantiene el interés sin echar mano a trucos obvios de guionista.


    https://www.pagina12.com.ar/371544-a...r-odio-danzado
    Última edición por Amadel; 30-09-2021 a las 02:17:26

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  51. #3386
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    Jueves 30 de septiembre de 2021

    Acertada precuela de la exitosa serie
    "Los santos de la mafia", los Soprano antes del diván

    Con el creador David Chase y un director avezado en la serie, los orígenes de la familia muestran la misma diversidad de matices, al punto de hacer escasas las dos horas de metraje.
    Ezequiel Boetti

    Más que protagonista, aquí Tony Soprano es testigo silencioso del ascenso de la famiglia.

    LOS SANTOS DE LA MAFIA - 7 PUNTOS
    (The Many Saints of Newark / Estados Unidos, 2021)
    Dirección: Alan Taylor
    Guion: David Chase y Lawrence Konner
    Duración: 120 minutos
    Elenco: Alessandro Nivola, Jon Bernthal, Vera Farmiga, John Magaro, Billy Magnussen, Ray Liotta, Michael Gandolfini y Corey Stoll

    Spoiler:
    SPOILER:
    ¿Cuándo empezó la era dorada de las series? ¿En qué momento asumieron el trono del consumo audiovisual del siglo XXI? Si con Lost el formato demostró ser muy gauchito para el consumo compulsivo, imponiendo con ella la idea de “maratonear” años antes de que se acuñara el concepto, Los Soprano marcó un hito apostando menos al impacto y a los ganchos narrativos que prometían resolverse en el capítulo siguiente (lo que en inglés se llama cliffhanger) que a la progresiva construcción de un universo complejo y poblado por personajes con matices, además de un desarrollo narrativo profundo y sin apremios –toda una subversión del frenetismo asociado a la pantalla chica– de las situaciones que enfrentaba el clan del mafioso Tony Soprano. Algo similar ocurre con Los santos de la mafia, la precuela filmada 22 años después del inicio de la serie creada por David Chase, quien aquí oficia como coguionista y productor.
    Como en la serie, hay hombres y mujeres corridos de lo arquetípico, criaturas atravesadas por una particular visión del progreso, las dinámicas sociales y los vínculos familiares, cuyos conflictos se esconden bajo una coraza impenetrable. Lo que no hay es tiempo: dos horas quedan cortísimas para una película que, antes que complementar lo previo, persigue el objetivo de abrir nuevos horizontes, como si se tratara de un extenso prólogo de una serie por venir. Una muy distinta a la que fue. Es cierto que hay guiños, referencias y relaciones directas entre Los Soprano y Los santos de la mafia. Tan cierto como que la película de Alan Taylor (director de nueve episodios de la serie, además de tanques del tamaño de Terminator Génesis y Thor: Un mundo oscuro) es autónoma y presenta un ideario mucho más cercano al universo de gánsteres ítalo-americanos de Martin Scorsese o El padrino, con las relaciones de poder de la famiglia como ejes centrales de conflicto, que al de la serie que sirve como origen.

    Incluso Tony –que en su etapa adolescente es interpretado por Michael Gandolfini, hijo del actor fallecido en 2013– ni siquiera es protagonista. Es, más bien, un testigo silencioso de los tejes y manejes del clan, además del dueño del punto de vista que adopta el relato. Desde allí observa cómo su tío Dickie (Alessandro Nivola) construye las bases de un imperio. Bases no exentas de sangre, en tanto las cosas se resuelven a los tiros o las trompadas. Casi todo, en realidad, se resuelve así en la zona de Nueva Jersey donde transcurre la acción. Que corran los últimos años de la agitada década de 1960 y primeros de la de 1970 sirve, además, para colar varios apuntes vinculados con revueltas sociales, la guerra de Vietnam y la segregación de los afroamericanos, una subtrama que aporta poco y nada y que parece estar allí para, como nueve de cada diez películas de Hollywood actuales, congraciarse con la agenda contemporánea.

    Todo arranca con el regreso desde Italia del patriarca Aldo Moltisanti (Ray Liotta) junto a su flamante esposa, que no habla una palabra de inglés y tiene unas ganas bárbaras de “hacerse la América”. En casa lo espera uno de sus hijos, Dickie, que no tarda demasiado en ocupar el liderazgo, mientras funciona como referencia masculina para su sobrino Tony, quien lo ve como modelo debido a la zoncera absoluta de su padre y la pasividad de su madre. A medida que Dickie se adentre en las tinieblas de los negociados oscuros, Tony registra en segundo plano un arco dramático que va de la admiración y la candidez adolescente a la pérdida de la inocencia y la certeza del núcleo tóxico que anida al interior de su familia. Son, pues, aquellos traumas que el Tony adulto intentaba resolver en las inolvidables sesiones con su terapeuta, las mismas que lo ablandaban al punto de conmoverse con patitos bebés nadando en su pileta.


    https://www.pagina12.com.ar/371545-l...ntes-del-divan
    Última edición por Amadel; 01-10-2021 a las 17:28:05

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  53. #3387
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    Jueves 30 de septiembre de 2021

    La película 25 de la saga James Bond
    "Sin tiempo para morir", gran despedida de Daniel Craig

    El aporte del director Cary Fukunaga agrega lustre a un film que recupera la mejor expresión del agente 007, con rasgos de humor e inéditos picos emocionales.
    Juan Pablo Cinelli

    La película significa el fin de una era para un personaje clásico.

    SIN TIEMPO PARA MORIR - 8 puntos
    No Time to Die, Reino Unido/Estados Unidos, 2021
    Dirección: Cary Joji Fukunaga
    Guión: Neal Purvis, Phoebe Waller-Bridge, Robert Wade, Cory Joji Fukunaga
    Duración: 163 minutos
    Intérpretes: Daniel Craig, Rami Malek, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Lashana Lynch, Christoph Waltz, Ana de Armas, Ben Whishaw.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Tras dos años de posposiciones obligadas por la pandemia, llega a las salas Sin tiempo para morir, nueva película de James Bond, la número 25 nada menos, que además representa la última en el que el emblemático agente secreto será encarnado por Daniel Craig. Una despedida que representa el fin de una era para el personaje. El mérito no es poco, porque eso es algo que no ocurrió con todos los actores que interpretaron a 007 en el pasado. La marca que el actor inglés le deja a la saga es profunda y aunque su legado de 5 películas nunca estará a la altura del que dejaron Sean Connery (6 películas) y Roger Moore (7) -ambos fallecidos-, quizá le alcance para pelear el tercer puesto cabeza a cabeza con el irlandés Pierce Brosnan (4), ambos bien lejos de la fallida incursión de Timothy Dalton a finales de los ’80 (2) o la ambigua experiencia que representa la única que interpretó el australiano George Lazenby, Al servicio secreto de Su Majestad (1969). Curiosamente, el guión de Sin tiempo para morir tiene algunos puntos de contacto con aquella, por el modo en que algunos de los hechos que le dan forma a esta historia impactan en el personaje.
    Sin embargo, debe decirse que si Craig consigue ganarse un lugar respetable dentro del linaje Bond en gran medida es gracias a esta última película. Y es que hasta ahora el balance de su paso por la saga estaba bastante equilibrado entre aciertos y pifies, además de arrastrar la pesada carga de haber cambiado el perfil del personaje, haciéndolo más rudo y menos refinado que todas las versiones anteriores. Un detalle que fue tomado como una afrenta imperdonable por parte de algunos fanáticos, pero que para otros representó un aggiornamiento necesario.

    Por un lado, Sin tiempo para morir no retrocede en lo que respecta a la adaptación del personaje a las reglas del cine de acción del siglo XXI, convirtiendo a quien alguna vez fuera un dandy en los cuerpos de Connery, Moore y Brosnan, en una figurita de acción más bien convencional. Acá el Bond de Craig vuelve a realizar escenas acrobáticas, a participar de asaltos tipo comando y a usar técnicas de combate cuerpo a cuerpo que lo acercan más al prototipo del boina verde que al agente seductor de tiempos idos. Pero también recupera el humor, marca registrada del personaje en el cine, sumando una buena cantidad de diálogos ácidos y citas autorreferenciales que, por fin, logran entroncar al 007 de Craig dentro de la mejor tradición del espía creado por el escritor Ian Fleming, pero convertido en uno de los más grandes íconos de la historia del cine por el productor Albert Broccoli.

    Las secuencias iniciales son suficientes para apreciar la buena labor que realizó el director Cary Joji Fukunaga en su acercamiento al universo Bond. En la primera, utiliza una serie de planos en los que aprovechan toda la profundidad del campo y el montaje para presentar al villano de turno, interpretado con solvencia por Rami Malek, quien llega a través de la nieve hasta una cabaña apartada para vengarse del hombre que asesinó a su familia, matándole a la esposa y a la hija. El desenlace de la escena se convierte además en el mito de origen de Madelaine, la mujer con la que Bond se vinculó en la película anterior, Spectre (2015), y que sigue con él en esta. Al menos al comienzo, porque la acción deriva en una persecución espectacular de la que el espía responsabiliza a la mujer, marcando un quiebre. La secuencia de títulos completa un inmejorable primer acto.

    Sin tiempo para morir también se atreve a llevar a 007 a través de picos emotivos por los que (casi) no había transitado antes. Por un lado recupera la figura del agente de la CIA Félix Leiter, personaje clásico de la saga, aquí convertido en algo así como el Patroclo de Bond, con todo lo que implica. Pero además coloca al protagonista en una situación emocional inédita, que si bien lo vuelve más vulnerable, también lo provee de una potente excusa no solo para volverse aún más implacable, sino para, por fin, ponerle un precio a su propia vida. Una gran despedida.


    https://www.pagina12.com.ar/371570-s...e-daniel-craig

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  55. #3388
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    Jueves 30 de septiembre de 2021

    Dirigida por Kazik Radwanski

    "Anne at 13.000 ft": escenas de una vida

    En un ejercicio de observación que prescinde de explicaciones, la escritora y realizadora canadiense sigue durante dos semanas al personaje que Deragh Campbell compone de manera magistral.
    Horacio Bernades

    El espectador solo sabe de Anne lo mismo que la cámara.

    ANNE AT 13000 FT - 7 PUNTOS
    Canadá, 2019
    Dirección y guion: Kazik Radwanski
    Duración: 75 minutos
    Intérpretes: Deragh Campbell, Lawrene Denkers, Dorothe Paas, Matt Johnson

    Spoiler:
    SPOILER:
    Estudio de personaje antes que narración de peripecias, Anne at 13000 Ft. se focaliza de modo absorbente en el personaje protagónico, al cual escruta en detalle y desde el lugar de un observador. Los tiempos son comprimidos, a la medida de un enfoque acotado: una hora y cuarto de película y un par de semanas en la vida de la protagonista. Ese lapso, que no ofrece quiebres visuales o narrativos, se siente como un continuo en tiempo real. Hay, sí, quiebres anímicos, producto de una psiquis en estado de turbulencia. No por mínimos esos desbalances dejan de hacerse visibles, y reconocen una progresión asordinada pero persistente. Tras el clímax el relato -o el retrato, en este caso casi sinónimo- deja a la heroína en un estado de flotación literal y metafórico.
    En la escena inicial Anne (Deragh Campbell) entrega una mariposa a un grupo de niños. Se los ve en situación de paridad, se diría que ella es apenas su hermana mayor o su prima. Es su maestra. “Mantené tu lugar”, la reta más adelante una colega, y Anne se queda sin saber qué decir, como si aquélla fuera su superior y ella una niña a la que acaban de pescar en falta. Responderá a su manera unas escenas más adelante, provocando a la colega sargentona como una niña traviesa. Con sus alumnos juega como una más, sentándose significativamente en el piso para estar a su misma altura. Su madre, claro, está presente en su vida, de un modo tan transparente que no requiere interpretación. En la primera escena juntas, Anne le muestra el departamento que acaba de alquilar. En la siguiente escena entre ambas Anne duerme en casa de la madre, esperando supuestamente a terminar de pintar la suya para mudarse. Cuando conoce a un posible “candidato” en una fiesta ríe nerviosamente, como podría hacerlo una niña de once o doce años en la primera cita. Lo siguiente es emborracharse y vomitar.

    Aunque la descripción puede hacer pensar en un caso clínico, al dotar a la protagonista de una enorme variedad de matices la escritora y realizadora canadiense Kazik Radwanski la corre de ese lugar estigmatizado. Esto no sería del todo posible de no ser por la asombrosa Campbell, capaz de pasar, en un par de planos, de la risa al llanto y del llanto a la desolación. Capaz de disfrutar plenamente también, cuando nada en una piscina pública y, sobre todo, cuando toma sus primeras clases de paracaidismo. En ese momento se la ve en estado de éxtasis. Tanto como le cuesta encontrar su lugar en la tierra, en el agua y en el aire Anne muestra una disposición al abandono más propia de un niño que de un adulto.

    Radwanski sigue a la heroína cámara en mano, dejando que ésta tiemble tanto como ella lo hace internamente. Sólo sabemos de Anne lo que sabe la cámara: aquí no hay un pasado que “explique” su conducta ni un futuro que la espere. El plano inicial y el final la reciben y dejan in media res, capturando instantes que duran tanto como la vida de una mariposa.


    https://www.pagina12.com.ar/371546-a...as-de-una-vida

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    "Anne at 13.000 ft": escenas de una vida

    En un ejercicio de observación que prescinde de explicaciones, la escritora y realizadora canadiense sigue durante dos semanas al personaje que Deragh Campbell compone de manera magistral.
    Horacio Bernades

    El espectador solo sabe de Anne lo mismo que la cámara.

    ANNE AT 13000 FT - 7 PUNTOS
    Canadá, 2019
    Dirección y guion: Kazik Radwanski
    Duración: 75 minutos
    Intérpretes: Deragh Campbell, Lawrene Denkers, Dorothe Paas, Matt Johnson

    Spoiler:
    SPOILER:
    Estudio de personaje antes que narración de peripecias, Anne at 13000 Ft. se focaliza de modo absorbente en el personaje protagónico, al cual escruta en detalle y desde el lugar de un observador. Los tiempos son comprimidos, a la medida de un enfoque acotado: una hora y cuarto de película y un par de semanas en la vida de la protagonista. Ese lapso, que no ofrece quiebres visuales o narrativos, se siente como un continuo en tiempo real. Hay, sí, quiebres anímicos, producto de una psiquis en estado de turbulencia. No por mínimos esos desbalances dejan de hacerse visibles, y reconocen una progresión asordinada pero persistente. Tras el clímax el relato -o el retrato, en este caso casi sinónimo- deja a la heroína en un estado de flotación literal y metafórico.
    En la escena inicial Anne (Deragh Campbell) entrega una mariposa a un grupo de niños. Se los ve en situación de paridad, se diría que ella es apenas su hermana mayor o su prima. Es su maestra. “Mantené tu lugar”, la reta más adelante una colega, y Anne se queda sin saber qué decir, como si aquélla fuera su superior y ella una niña a la que acaban de pescar en falta. Responderá a su manera unas escenas más adelante, provocando a la colega sargentona como una niña traviesa. Con sus alumnos juega como una más, sentándose significativamente en el piso para estar a su misma altura. Su madre, claro, está presente en su vida, de un modo tan transparente que no requiere interpretación. En la primera escena juntas, Anne le muestra el departamento que acaba de alquilar. En la siguiente escena entre ambas Anne duerme en casa de la madre, esperando supuestamente a terminar de pintar la suya para mudarse. Cuando conoce a un posible “candidato” en una fiesta ríe nerviosamente, como podría hacerlo una niña de once o doce años en la primera cita. Lo siguiente es emborracharse y vomitar.

    Aunque la descripción puede hacer pensar en un caso clínico, al dotar a la protagonista de una enorme variedad de matices la escritora y realizadora canadiense Kazik Radwanski la corre de ese lugar estigmatizado. Esto no sería del todo posible de no ser por la asombrosa Campbell, capaz de pasar, en un par de planos, de la risa al llanto y del llanto a la desolación. Capaz de disfrutar plenamente también, cuando nada en una piscina pública y, sobre todo, cuando toma sus primeras clases de paracaidismo. En ese momento se la ve en estado de éxtasis. Tanto como le cuesta encontrar su lugar en la tierra, en el agua y en el aire Anne muestra una disposición al abandono más propia de un niño que de un adulto.

    Radwanski sigue a la heroína cámara en mano, dejando que ésta tiemble tanto como ella lo hace internamente. Sólo sabemos de Anne lo que sabe la cámara: aquí no hay un pasado que “explique” su conducta ni un futuro que la espere. El plano inicial y el final la reciben y dejan in media res, capturando instantes que duran tanto como la vida de una mariposa.


    https://www.pagina12.com.ar/371546-a...as-de-una-vida
    @Amadel parece interesante.

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     Amadel

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    Cita Iniciado por Amadel Ver mensaje
    Jueves 30 de septiembre de 2021

    Acertada precuela de la exitosa serie
    "Los santos de la mafia", los Soprano antes del diván

    Con el creador David Chase y un director avezado en la serie, los orígenes de la familia muestran la misma diversidad de matices, al punto de hacer escasas las dos horas de metraje.
    Ezequiel Boetti

    Más que protagonista, aquí Tony Soprano es testigo silencioso del ascenso de la famiglia.

    LOS SANTOS DE LA MAFIA - 7 PUNTOS
    (The Many Saints of Newark / Estados Unidos, 2021)
    Dirección: Alan Taylor
    Guion: David Chase y Lawrence Konner
    Duración: 120 minutos
    Elenco: Alessandro Nivola, Jon Bernthal, Vera Farmiga, John Magaro, Billy Magnussen, Ray Liotta, Michael Gandolfini y Corey Stoll

    Spoiler:
    SPOILER:
    ¿Cuándo empezó la era dorada de las series? ¿En qué momento asumieron el trono del consumo audiovisual del siglo XXI? Si con Lost el formato demostró ser muy gauchito para el consumo compulsivo, imponiendo con ella la idea de “maratonear” años antes de que se acuñara el concepto, Los Soprano marcó un hito apostando menos al impacto y a los ganchos narrativos que prometían resolverse en el capítulo siguiente (lo que en inglés se llama cliffhanger) que a la progresiva construcción de un universo complejo y poblado por personajes con matices, además de un desarrollo narrativo profundo y sin apremios –toda una subversión del frenetismo asociado a la pantalla chica– de las situaciones que enfrentaba el clan del mafioso Tony Soprano. Algo similar ocurre con Los santos de la mafia, la precuela filmada 22 años después del inicio de la serie creada por David Chase, quien aquí oficia como coguionista y productor.
    Como en la serie, hay hombres y mujeres corridos de lo arquetípico, criaturas atravesadas por una particular visión del progreso, las dinámicas sociales y los vínculos familiares, cuyos conflictos se esconden bajo una coraza impenetrable. Lo que no hay es tiempo: dos horas quedan cortísimas para una película que, antes que complementar lo previo, persigue el objetivo de abrir nuevos horizontes, como si se tratara de un extenso prólogo de una serie por venir. Una muy distinta a la que fue. Es cierto que hay guiños, referencias y relaciones directas entre Los Soprano y Los santos de la mafia. Tan cierto como que la película de Alan Taylor (director de nueve episodios de la serie, además de tanques del tamaño de Terminator Génesis y Thor: Un mundo oscuro) es autónoma y presenta un ideario mucho más cercano al universo de gánsteres ítalo-americanos de Martin Scorsese o El padrino, con las relaciones de poder de la famiglia como ejes centrales de conflicto, que al de la serie que sirve como origen.

    Incluso Tony –que en su etapa adolescente es interpretado por Michael Gandolfini, hijo del actor fallecido en 2013– ni siquiera es protagonista. Es, más bien, un testigo silencioso de los tejes y manejes del clan, además del dueño del punto de vista que adopta el relato. Desde allí observa cómo su tío Dickie (Alessandro Nivola) construye las bases de un imperio. Bases no exentas de sangre, en tanto las cosas se resuelven a los tiros o las trompadas. Casi todo, en realidad, se resuelve así en la zona de Nueva Jersey donde transcurre la acción. Que corran los últimos años de la agitada década de 1960 y primeros de la de 1970 sirve, además, para colar varios apuntes vinculados con revueltas sociales, la guerra de Vietnam y la segregación de los afroamericanos, una subtrama que aporta poco y nada y que parece estar allí para, como nueve de cada diez películas de Hollywood actuales, congraciarse con la agenda contemporánea.

    Todo arranca con el regreso desde Italia del patriarca Aldo Moltisanti (Ray Liotta) junto a su flamante esposa, que no habla una palabra de inglés y tiene unas ganas bárbaras de “hacerse la América”. En casa lo espera uno de sus hijos, Dickie, que no tarda demasiado en ocupar el liderazgo, mientras funciona como referencia masculina para su sobrino Tony, quien lo ve como modelo debido a la zoncera absoluta de su padre y la pasividad de su madre. A medida que Dickie se adentre en las tinieblas de los negociados oscuros, Tony registra en segundo plano un arco dramático que va de la admiración y la candidez adolescente a la pérdida de la inocencia y la certeza del núcleo tóxico que anida al interior de su familia. Son, pues, aquellos traumas que el Tony adulto intentaba resolver en las inolvidables sesiones con su terapeuta, las mismas que lo ablandaban al punto de conmoverse con patitos bebés nadando en su pileta.


    https://www.pagina12.com.ar/371545-l...ntes-del-divan
    @Amadel David Chase, hacía tiempo que no sabía nada de él.
    Última edición por macahe; 30-09-2021 a las 05:41:47

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