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Tema: Críticas de películas

  1. #3421
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    Jueves 14 de octubre de 2021

    Debut del director, guionista y actor Cooper Raiff

    "Shithouse": romance y tópicos del "college"
    Horacio Bernades



    SHITHOUSE 6 PUNTOS
    EE.UU., 2020
    Dirección y guion: Cooper Raiff
    Duración: 100 minutos
    Intérpretes: Cooper Raiff, Dylan Gelula, Logan Miller, Olivia Welch, Abby Quinn

    Spoiler:
    SPOILER:
    No sorprende que el actor de Shithouse, Cooper Raiff, sea también su guionista y director. Alex, un chico texano recién aterrizado en Los Angeles, se siente sapo de otro pozo en el college. Tiene 19 aunque parece varios más (Raiff tiene en verdad 23 y la diferencia se nota), sostiene videollamadas con su mamá y su hermana en busca de consuelo, usa una camisita bastante formal y, para citar el título de una vieja película, “no bebe, no fuma, no se droga”. Salvo su noviecita del high-school, nunca estuvo con ninguna chica. Con poca experiencia previa (éste es su primer largo), a Raiff, el director, se lo nota cinematográficamente tímido, tentativo. En proceso de formación. Bastante abstemio en términos de estilo, recatado, entre bueno y buenudo. Por momentos toma un poco de envión y se suelta. Pero en general no se saca su camisita estética, a la que dan ganas de desabrocharle los botoncitos del cuello.

    Shithouse revisita todos los tópicos del género-college, que se repiten de película en película como monolitos: el edificio donde están los dormitorios, las fiestas en las casas de las distintas fraternidades, el béisbol, el alcohol, el porrito, la promiscuidad. Hay, sin embargo,un espacio fundamental que, en la que tal vez sea la decisión más arriesgada de Raiff como guionista y director, queda fuera de campo de una punta a otra de la película: el de las clases, los profesores, el decano o decana, el estudio en general. Es como si la universidad consistiera sólo en la convivencia entre pares, sin que haya a la vista ni un maldito apunte. Alex tiene por compañero de cuarto al típico fumón, que en las fiestas se toma todo, y cuando llega al dorm vomita y se caga encima. Una de las cosas más graciosas de la película es, paradójicamente, la falta de gracia de Sam, que cree tener condiciones para cómico de standup y es tan divertido como López Murphy en un mal día.

    Un poco muy recontra too much, Alex tiene un osito de peluche que es como su amigo imaginario. Okey, mejor pasar a Maggie (Dylan Gelula), su “asistente de residentes”. Después de haber fracasado con un amante demasiado rápido, Maggie invita a Alex a su cuarto, y el dueño del peluche, sorprendido, objeta que ella ni siquiera sabe su nombre. Okey, mejor dejar también este punto. El romance de Alex y Maggie, obligado porque si no no habría película, tiene de distinto justamente eso: él se comporta como un virgencito y después de la primera noche quisiera quedarse a vivir con ella. Hubiera sido más divertido que Maggie no fuera también bastante moderada sino torrencial. Pero daría la impresión de que Raiff no pretendió ser divertido. Salvo lo mejor de la película, una persecución muy graciosa, de comedia muda, que es como si a la camisa de Alex se le hubiera desprendido un botón.


    https://www.pagina12.com.ar/374580-s...os-del-college
    Última edición por Amadel; 14-10-2021 a las 03:07:41

  2. #3422
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    Jueves 14 de octubre de 2021

    Con Matt Damon, Ben Affleck y Adam Driver
    "El último duelo", de Riddley Scott: más drama cortesano que espectáculo épico

    El director de Los duelistas y Blade Runner regresa a la idea del enfrentamiento de dos hombres a lo largo de los años, esta vez en 1386 y en suelo francés.
    Diego Brodersen

    Ridley Scott reutiliza la estructura básica de Rashomon, de Akira Kurosawa.

    EL ÚLTIMO DUELO 7 puntos
    The Last Duel; Estados Unidos/Reino Unido, 2021
    Dirección: Ridley Scott.
    Guion: Nicole Holofcener, Ben Affleck y Matt Damon.
    Duración: 152 minutos.
    Intérpretes: Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer, Harriet Walter, Ben Affleck, Alex Lawther.

    Spoiler:
    SPOILER:
    A punto de cumplir 84 años, el realizador británico Ridley Scott sigue en estado de hiperactividad, embarcado en proyectos de gran envergadura, como viene haciéndolo desde su debut, Los duelistas. Prolífico y ecléctico, el director de Blade Runner alternó durante los últimos años la realización de dramas realistas (Todo el dinero del mundo) con producciones sci-fi originales o deudoras de la famosa saga originada en 1979 (Misión rescate, Alien: Covenant), además de oficiar como productor ejecutivo de un par de series de alto perfil como Criado por lobos y la primera temporada de The Terror. El último duelo, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Venecia, regresa a algunas de las ideas presentes en su ópera prima –el enfrentamiento de dos hombres a lo largo de los años– reutilizando la estructura básica de Rashomon, la película de Akira Kurosawa basada en un par de cuentos de Ryunosuke Akutagawa.

    Aquí también hay tres versiones diferentes de los mismos hechos, claramente señalizadas por sendas placas en pantalla. Aunque, a diferencia del film japonés, que abordaba la complejidad inherente al concepto mismo de “verdad”, una de ellas es presentada sin rodeos como la verídica. Hay razones lógicas para que eso ocurra, todas ligadas al rol de la mujer en la sociedad europea del siglo XIV, y que hoy sólo pueden ser bautizadas como feministas. El año es 1386 y en suelo francés está a punto de tener lugar el último reto a muerte de origen judicial en ese país, siguiendo la descripción del libro El último duelo, del escritor y especialista en ese período histórico Eric Jager. El guion, escrito a seis manos por dos viejos amigos, los protagonistas y coguionistas de En busca del destino, Ben Affleck y Matt Damon, y la cineasta Nicole Holofcener, parten del texto de Jager y estructuran un relato que, más allá del duelo en sí mismo –abandonado en el prólogo y recuperado sobre el final– y un par de breves pero intensas escenas de batalla, está más cerca del drama cortesano que del gran espectáculo épico.
    Jean de Carrouges (Damon) salva la vida de Jacques Le Gris (Adam Driver) en el fragor de una cruenta batalla. Comienzo de una amistad de apariencia duradera que será horadada hasta la putrefacción luego de que Le Gris es elegido favorito por el conde Pierre d'Alençon (Affleck). Claro que esa es la versión de Carrouges; en la de Le Gris, es él quien empala con su lanza a un enemigo, evitando la muerte del compañero de armas. Lejos de los campos de batalla, El último duelo se ocupa en la descripción de los modos financieros entre nobles, vasallos y plebe: el cobro de impuestos, la lucha por territorios explotables, el matrimonio como alianza de poder y dinero (y la mujer como propiedad, desde luego), la guerra como mecanismo de supervivencia económica. Luego de desposar a la joven Marguerite (Jodie Comer), Carrouges patalea ante lo que considera una injusticia, transformándose en una suerte de paria en la sociedad francesa, todavía poderoso pero observado con recelo e incluso sorna.

    Hasta que un hecho despreciable, la aparente violación de Jodie a manos de Le Gris, dispone la alfombra roja para el enfrentamiento judicial y el posterior duelo a caballo, lanza, sable, hacha y cuchillo, entre otros elementos cortantes. Pero, ¿fue Marguerite realmente abusada o se trata de una mentira pergeñada por interés? Cada una de las versiones ofrece divergencias y variaciones sobre el hecho, aunque sólo el tercero es presentado como “la verdad” a partir de un pequeño truco visual. A partir de ese momento, el regreso del lance de honor y sus corolarios, que Scott filma a puro pulso violento y sangriento, en la tradición de Gladiador. Afortunadamente, El último duelo, pequeña gran sorpresa en la filmografía tardía del realizador, no se deja seducir por las ansiedades del gran espectáculo y propone un film que reflexiona no sin amargura sobre el poder (los pequeños y los grandes poderes) y el honor como espejo deforme de zonas inequívocamente erróneas del ser humano.


    https://www.pagina12.com.ar/374534-e...tesano-que-esp
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  4. #3423
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    Se estrenó sólo en cines, pero seguramente en un tiempito, también la tendremos por aqui

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  6. #3424
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    Jueves 14 de octubre de 2021

    El último duelo, Ridley Scott recobra las relaciones entre poder, moral y verdad


    El film, escrito por Matt Damon y Ben Affleck junto a Nicole Holofcerner, se centra en una violación durante de la Edad Media contada desde el punto de vista de los tres protagonistas
    Paula Vázquez Prieto



    El último duelo (The Last Duel, Reino Unido/Estados Unidos, 2021). Dirección: Ridley Scott. Guion: Matt Damon, Ben Affleck, Nicole Holofcener. Fotografía: Dariusz Wolski. Edición: Claire Simpson. Elenco: Matt Damon, Jodie Comer, Adam Driver, Ben Affleck, Harriet Walter, Tallulah Haddon, Nathaniel Parker. Distribuidora: Disney-Fox. Duración: 152 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Nuestra opinión: Muy buena.

    No demasiadas veces la Edad Media adquirió en el cine su verdadera dimensión económica. No solo en lo que se refiere a las batallas territoriales, la administración de justicia y la adquisición de títulos y honores, sino fundamentalmente en la concepción de sus alianzas matrimoniales como claves de expansión. Esa centralidad de Dios y de la divinidad del rey expone en este duelo final no solo la disputa entre dos egos que buscan su gracia, sino la demostración de cómo el poder de la fuerza alcanza el valor de verdad.La verdad es lo que está en juego en El último duelo. Por ello Ridley Scott y su tríada de guionistas –Matt Damon, Ben Affleck y Nicole Holofcener- deciden dividir la historia en sus tres versiones, tres miradas que aspiran a afirmar la última verdad de lo acontecido. La primera responde al punto de vista de Jean de Carrouges (Damon), escudero orgulloso y algo temerario, cuyas campañas militares en nombre del rey Carlos VI de Francia le granjean la fama de buen soldado y el desprecio del platinado señor feudal Pierre d’Alencon (Affleck); la segunda es la de Jacques Le Gris (Adam Driver), otro escudero pero arribista, que supo ser buen amigo en la guerra y contrincante feroz en las disputas por los bienes del condado; y por último Marguerite de Thibouville (Jodie Comer), hija de un traidor al reino convertida en la segunda esposa de Carrouges y en la voz que se niega a perpetuar el secreto de su ofensa.
    Más allá de su ímpetu clásico en el relato, y la constante exploración de las relaciones de poder en la época, lo que define a la película de Scott, espejo inverso de aquella épica de su ópera prima Los duelistas (1977), afirmada en el crepúsculo de la gran Armada Napoleónica, es la deconstrucción de los verdaderos intereses detrás de la retórica del honor mancillado. “La violación nunca es una ataque a la mujer sino un delito contra la propiedad”, afirma el clérigo defensor de Le Gris como síntesis del sustrato moral del mundo medieval. Aún a partir de los términos anacrónicos que los guionistas colocan en las voces de sus personajes –que de hecho opera como ejercicio de modernización del relato histórico, no desde la parodia como lo hiciera La favorita, sino desde su conciencia trágica-, El último duelo observa su época de cerca con la lupa de su ventaja histórica.
    Como era de esperar en la decisión de su abordaje, Scott empieza y termina su película con la imagen de Jodie Comer, cuya mezcla exquisita de fortaleza y fragilidad queda expuesta con grandeza en la escena del juicio. Una partida de caballeros que conserva a su dama para la última jugada.


    https://www.lanacion.com.ar/espectac...d-nid14102021/

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  8. #3425
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    Las críticas y notas puestas aquí me hacen dudar (desde ya agradezco a quienes las pusieron).
    Ridley Scott es una garantía. Pero ¿mejor que Kurosawa? (cuando digo mejor quiero decir "¿me gustará tanto o más?")
    En fin, habrá que verla para apreciarla, pero no tengo apuro ni me siento demasiado entusiasmado.

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  10. #3426
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    Jueves 14 de octubre de 2021

    Por la palabra y el honor

    Manuel Germano



    'El último duelo' ('The Last Duel', Estados Unidos, 2021) Dirección: Ridley Scott. Guion: Nicole Holofcener, Ben Affleck, Matt Damon. Actores: M. Damon, Adam Driver, Jodie Comer, B. Affleck. Duración: 152 minutos. Clasificación: apta para mayores de 16 años, con reservas.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Calificación: Excelente

    Tras su estreno en la Mostra de Venecia este año, llega a las salas de cine 'El último duelo', basada en la novela homonima Eric Jager, en la cual Ridley Scott lleva a la pantalla grande la historia de Jean de Carrouages, su esposa Marguerite y Jacques Le Gris.

    Francia, 1384. En los primeros planos de la película dos caballeros se preparan con sus armaduras, cascos y lanzas. Las escenas sucesivas dan a conocer que quienes están a punto de batirse a duelo son Matt Damon y Adam Driver, protagonistas de este filme junto a Nicole Holofcener. La escena con la que Scott ('Alien, el octavo pasajero', 'Blade Runner') decide comenzar la película atrapa al espectador y lo coloca frente al primer interrogante: ¿qué pasó para que esto terminara así?

    A lo largo de las siguientes dos horas y media, Scott nos traslada unos años atrás para contar la relación entre Jean de Carrouages (Damon) y Jaques Le Gris (Driver), entrañables camaradas que batallaron juntos en el marco de la Guerra de los Cien Años hasta que el destino y las elecciones personales (conveniencia de por medio) los separaron.

    El devenir de diferentes hechos ensanchó el vínculo entre ambos, y esas diferencias que los caracterizaban se volvieron irreconciliables. Scott se basa en la novela de Jager para construir con precisión no sólo el vínculo de los dos protagonistas sino también el contexto que los atraviesa, sus ideales y búsquedas (económicas, morales, sentimentales). Un hecho puntual funciona como detonante de la trama: la confesión de la tercera gran protagonista de esta historia, Marguerite de Carrouages (Jodie Comer), esposa de Jean y víctima de un acto salvaje cometido por Jacques Le Gris.

    VERSIONES

    Como en la vida misma, cuando un hecho grave ocurre lo más lógico es escuchar los diferentes testimonios sobre lo acontecido, las posibles verdades e impresiones. Scott, de manera precisa e inteligente, estructura la narración en tres para que el espectador pueda ver las versiones de los hechos de acuerdo a la voz y la cabeza de cada uno de los protagonistas: Jean, Jacques y Marguerite. Así, cada versión se tiñe con las valoraciones de cada uno de los personajes, ciertos detalles se harán presente en una versión y permanecerán ocultos en otra. Lo que funciona como una repetición se convierte en una versión similar -pero distinta- de lo que acontece.

    El desenlace nos lleva al comienzo del filme, a aquella primera escena, para exponer cómo el honor, el poder y la gloria frente a los otros se materializan en una batalla a muerte. Scott, experimentado y notable director, muestra su habilidad para narrar historias, dirigir actores y recrear épocas.

    RECREACION

    Todo en esta película funciona como un reloj y el espectador se adentra en la trama desde el comienzo. La recreación de Francia en el contexto de la Guerra de los Cien Años es impecable, así como las escenas de acción y batallas cuerpo a cuerpo, y las escenas rutinarias dentro de los castillos, donde los hombres poderosos y déspotas controlaban todo y disponían de lo que querían cuando querían.

    Jodie Comer interpreta un personaje sensible pero con una convicción y fuerza notable. Su rol le da sentido a la historia pues es su palabra, su verdad, la que altera el status quo y estalla el conflicto. El trabajo de la actriz de 'Killing Eve', junto al de Matt Damon, Adam Driver y en un rol más pequeño pero destacable Ben Affleck (Pierre d'Alençon en la ficción), hacen de `El último duelo' una película magistral desde el punto de vista actoral.

    Scott se apoya en los actores y en un sólido guion para dedicarse a narrar esta historia. Cuida los detalles, las formas y los momentos clave para generar en el espectador la angustia y la adrenalina constante que el filme ofrece.

    'El último duelo' es una película que retrata de forma notable un caso conocido en la historia de Francia en donde el valor de la palabra y la acción de la justicia resonaron. Una historia que pone el foco en la voz de la mujer, pero también en lo que los hombres son capaces de hacer para defender su palabra y su honorabilidad.


    https://www.laprensa.com.ar/507743-P...onor.note.aspx

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  12. #3427
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    Viernes 15 de octubre de 2021

    Primer largometraje del argentino Cristian Ponce
    "Historia de lo oculto": política, TV y magia negra

    La película es casi siempre más interesante en sus planteos que en la ejecución final, pero el de Ponce no deja de ser un bienvenido aporte de originalidad al universo del terror y el fantástico argentino.
    Diego Brodersen


    “60 minutos antes de la medianoche” remite a "Hora clave" y a su padre putativo, "Tiempo nuevo".

    Historia de lo oculto 6 puntos
    Argentina, 2020.
    Dirección y guion: Cristian Ponce.
    Duración: 82 minutos.
    Intérpretes: Germán Baudino, Nadia Lozano, Agustín Recondo, Casper Uncal, Héctor Ostrofsky.

    Spoiler:
    SPOILER:
    ¿Qué clase de escándalos pueden revelarse en un programa de televisión? ¿Qué relación existe entre la política del más alto nivel y las prácticas de la magia negra y las ciencias ocultas? ¿Es posible que todo lo que conocemos no sea otra cosa que una ilusión creada para apaciguarnos, adormecernos? Todas esas preguntas orbitan alrededor de la ópera prima en el largometraje de Cristian Ponce, el responsable de la web serie de animación La frecuencia Kirlian que, como Historia de lo oculto, también está disponible en Netflix. Si en la saga seriada era una emisión radial la que disparaba diversos relatos sobrenaturales, ahora es un ciclo televisivo dedicado a la actualidad política el que desata la posibilidad de que aquello que parecía imposible se haga realidad. En la pantalla dentro de la pantalla, que incluye los clásicos zócalos de la hora y la temperatura, comienza la última entrega de “60 minutos antes de la medianoche”. Ya desde la música de presentación, creada a semejanza de los acordes de Ennio Morricone para La misión, la emisión remite a Hora clave y a su padre putativo, Tiempo nuevo.

    No serán las únicas referencias y guiños del film: en la Argentina de los años 80 imaginada por Ponce –ucrónica pero afianzada en rasgos familiares, fácilmente reconocibles– El exorcista fue una película protagonizada por Andrea del Boca y la escritora Mariana Enríquez ya tenía publicada al menos una novela. En un blanco y negro atravesado por explosiones de tonos carmesíes y un formato de imagen cuadrado que, en determinadas ocasiones, se abre a una pantalla ancha, la historia incluye una crisis en el gobierno nacional y los primeros indicios de un cónclave de empresarios y políticos cuya adhesión a una oscura secta los ha hecho llegar hasta lo más alto del poder. Mientras el conductor del programa afirma que se trata de la despedida final, adelantando la presencia en los estudios de un invitado que podría destapar varias ollas con sus confesiones al aire, en una pequeña casa suburbana un equipo de periodistas espera ansioso la llamada de una colaboradora.

    Historia de lo oculto va de menor a mayor, desde un enigmático encuentro de tres hombres en medio de la noche –cuando el espectador desconoce por completo qué tipo de acontecimientos están a punto de ocurrir– a la revelación gradual de eventos y presencias que amagan con tajear la tela de aquello que suele llamarse realidad. Extraños rituales, hongos alucinógenos y seres que aparecen y desaparecen como por arte de magia forman parte de una película que es casi siempre más interesante en sus planteos que en la ejecución final. Sin embargo, a pesar de un puñado de actuaciones que no llegan al tono ambicionado y de un ligero empantanamiento narrativo en la segunda mitad (el film dura 82 minutos y transcurre casi “en tiempo real”, esa entelequia), el de Ponce no deja de ser un bienvenido aporte de originalidad en un universo audiovisual, el terror y el fantástico argentino, que insiste en girar alrededor de tópicos y estilos harto derivativos. En ese terreno, el de la originalidad, no le gana casi nadie.


    https://www.pagina12.com.ar/374867-h...-y-magia-negra

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  14. #3428
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    Viernes 15 de octubre de 2021

    Excelente opera prima del director romano Carlo Sironi
    "Sole": en la mejor tradición del cine italiano

    Es imposible no ver el film de Sironi sin reconocer de inmediato su legítimo lugar dentro de la genealogía del cine italiano, en particular en la rama que nace en el neorrealismo.
    Juan Pablo Cinelli


    Sandra Dryzmalska y Claudio Segaluscio, en un film tan emotivo como despojado.

    Sole 8 puntos
    Italia/Polonia, 2019.
    Dirección: Carlo Sironi.
    Guion: Antonio Manca, Giulia Moriggi y Carlo Sironi.
    Duración: 102 minutos.
    Intérpretes: Claudio Segaluscio, Sandra Dryzmalska, Bruno Buzzi, Marco Felli, Barbara Ronchi.

    Spoiler:
    SPOILER:
    Es imposible no ver Sole, opera prima del director romano Carlo Sironi, sin reconocer de inmediato su legítimo lugar dentro de la genealogía del cine italiano. En particular en la rama que nace en el neorrealismo, con el que comparte no solo su temática social, sino también algunos de sus presupuestos estéticos y formales. De hecho, son varias las coincidencias que pueden enumerarse con Ladrones de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, emblema neorrealista, algunas de ellas muy evidentes. Para empezar, ambas están protagonizadas por actores no profesionales que hacen su debut cinematográfico. En este caso, el joven Claudio Segaluscio también interpreta a un desocupado: que el chico se dedique a robar motos para ganarse la vida tampoco parece una elección casual. Quizás por ese lado se explique la decisión de filmar la película con un formato de pantalla casi cuadrado, que remite al que se usaba a fines de los ‘40.

    Estrenada en la edición 2019 del Festival de Venecia, Sole cuenta la historia de Ermanno, un chico que sin ser pobre lleva una vida marginal y a quien su tío Fabio le hace una propuesta para ganar algo de plata. Fabio y su esposa no pueden tener hijos y desean adoptar, pero como los trámites para conseguirlo son complejos, deciden comprarle el bebé a Lena, una chica polaca embarazada. Pero necesitan que Ermanno se haga pasar por el padre de la criatura y de ese modo completar la artimaña que les permitirá fraguar dentro de la ley aquello que se realiza fuera de ella.

    Sole retrata de manera despojada los hechos que la trama va hilvanando, evitando que sus imágenes y acciones se traduzcan en juicios de valor sobre las decisiones de sus personajes. Así registra los cambios que Lena y Ermanno van exhibiendo a medida que la convivencia forzada por un interés común (el dinero) los obliga a tomar contacto. No solo entre ellos, sino con la complicada situación que los enlaza. La naturaleza parca de los personajes, cuyos silencios parecen obedecer más a una forma de autodefensa que a un desprecio por el otro, no impide que Sole capte con sensibilidad la deriva emocional, haciendo que la aparición de sus sentimientos resulte tierna a pesar de la sordidez de la situación.

    La estilizada puesta en escena hace gala de una austeridad similar, trabajando a partir de planos cortos, cámaras fijas y desplazamientos clásicos que fluyen con suavidad. Con toda intención, Sironi evita utilizar la cámara en mano, recurso al que se suele recurrir como método infalible a la hora de ensuciar el realismo o de sumarle garra visual a la tensión dramática. El conjunto de estas decisiones redunda en un registro tan pormenorizado como aséptico de la vida de Lena y Ermanno, de las decisiones que deben tomar y de los conflictos que, sin necesidad de ser enunciados de forma burda, se les van interponiendo en el camino.

    La banda de sonido está trabajada (casi) con idéntico naturalismo. Sin embargo es ahí, en el terreno de lo sonoro, en donde el director se permite intervenir sobre la forma en que los espectadores percibirán los hechos. Aunque en líneas generales se limita a reproducir el paisaje sonoro en el que están inmersos los personajes, Sironi se permite tres intervenciones significativas. Lo hace a través de sonidos que por fuera de la diégesis cumplen con la finalidad de extrañar tres escenas puntuales, todas ellas fundamentales dentro de la trama.

    Con precisión matemática, las dos primeras tienen lugar al cumplirse la primera y la segunda media hora de película, y la última sobre el final. En todos los casos, distintas melodías son utilizadas como apoyatura de la partitura emotiva que la película va orquestando en torno a sus personajes. A pesar de que no parecen ir en línea con el resto de la propuesta estética, estas intervenciones nunca son disruptivas, sino que se acoplan de forma orgánica al relato, enriqueciendo el modo en que la película va presentando los hechos y los personajes.


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  16. #3429
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    Eres una chica fuerte
    Crítica ★★★☆☆ ½ de «Pleasure», de Ninja Thyberg.


    Suecia, 2021. Título original: «Pleasure». Directora: Ninja Thyberg. Guion: Ninja Thyberg y Peter Modestij. Productores: Pape Boye, Violaine Pichon, Anna Croneman, Frédéric Fiore, Erik Glijnis. Productoras: Plattform Produktion, Film i Väst, Sveriges Television, Lemming Film, Logical Pictures. Fotografía: Sophie Winqvist. Música: Karl Frid. Montaje: Olivia Neergaard-Holm y Amalie Westerlin Tjellesen. Reparto: Sofia Kappel, Revika Anne Reustle, Evelyn Claire, Chris Cock, Dana DeArmond, Kendra Spade, Jason Toler, Mark Spiegler.



    Spoiler:
    SPOILER:

    Raúl Álvarez

    Poco después del estreno de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I Learn to Stop Worrying and Love the Bomb, 1964, Stanley Kubrick), Terry Southern, uno de sus guionistas, le propuso a Kubrick la posibilidad de rodar una película porno de alto presupuesto. El escritor había empezado a esbozar una novela titulada Blue Movie, que se publicó finalmente en 1970, con dedicatoria a Kubrick incluida, y estaba convencido de que éste era la figura adecuada para reinventar o reformular dicho género. La historia sigue los pasos de Boris Adrian, un cineasta de culto, artie, que se propone rodar un filme pornográfico en medio de una crisis vital y de creatividad. Kubrick acabó rodando en su lugar 2001 (2001: A Space Odissey, 1968), convencido de que su sensibilidad no era la adecuada para “elevar” el material porno, según el testimonio recogido por John Baxter en su biografía dedicada a Kubrick. Hablando en plata, el director de Eyes Wide Shut (1999) no veía el modo de aportar una visión profunda, intelectual, al negocio del placer; en definitiva, la marca que imprimía a todas sus películas independientemente del registro.

    Es evidente que la directora sueca Ninja Thyberg no se ha parado a preguntarse lo mismo para dar forma a su ópera prima, Pleasure, en la que expone de un modo crudo y directo, explícito, para entendernos, los agujeros negros que rodean la industria del porno en Los Ángeles. Y no lo ha hecho probablemente porque se trata de un negocio que no precisa de una mirada artística, si por tal se entiende la ambición de justificarlo, explicarlo, darle un contexto o conectarlo con determinados impulsos primarios. Es un negocio que trafica abiertamente con el sexo, y ahí hay que entender primero la maliciosa esencia de su juego: la coacción. En el cuerpo y la mirada de Bella Cherry (Sofia Kappel, también en su debut), la protagonista de Pleasure, se concentran los esfuerzos de Thyberg por mostrar la distancia abismal que separa los hechos de las palabras en un rodaje porno; el gemido del dolor, el goce del sufrimiento, la caricia de la bofetada, el cuidado de la humillación.

    Nadie golpea a Bella ni la obliga por la fuerza a hacer lo que hace. Todos los implicados, hombres, le hablan con dulzura y alaban su belleza, parecen estar pendientes de ella y sus necesidades, pero esa es exactamente la estrategia vil del escorpión. «Notarás un pinchazo, y luego todo será mucho más fácil», le dice Bear (Chris Cock) en la escena del doble anal, acaso la más representativa de las intenciones de la película. En esa falsa dulzura que deviene en una violación tras otra, en una mentira tras otra radica la potencia discursiva de Pleasure, obra de incómodo visionado, sin duda, y precisamente por ello obligado para quienes entienden el consentimiento en términos de beneplácito formal: una firma y una sonrisa. Ese «eres una chica fuerte» que le repiten con insistencia a Bella cuantos directores porno pasan por sus manos verbaliza la violencia implícita en cada imagen. Particularmente difíciles de soportar en este sentido para el público desavisado son las escenas que recrean situaciones de sexo hardcore –el trío interracial, el bondage y el trío de sumisión–, mas son necesarias en la lógica de una narración que apuesta por explicar cómo, por qué y para qué se ruedan, y ante todo para quién se producen. Hay demanda, sí, porque existe una oferta.



    «Con sus matices, con sus excepciones, con su lado desprejuiciado e incluso erotizado, con todos los peros que se le quieran poner al porno para no caer en la generalización, Pleasure tiene el valor de llamar a las cosas por su nombre para devolverle a su protagonista el don que le habían arrebatado: la ilusión del libre albedrío».

    A estas alturas podría pensarse que Pleasure se articula como una película moralista que tira por el camino fácil de la demonización de un tema tabú, a diferencia de ejercicios tan desinhibidos como Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1970), en la cual, ojo, se abordaba otro tipo de porno y otra época. Es lo contrario: Bella y sus amigas son conscientes de sus acciones, o al menos hasta donde se lo permite su inocencia, muy bien representada en los momentos de intimidad que viven en el piso compartido. La cuestión es otra, y tiene que ver con señalar las miserias de un tiempo, nuestro presente, en que la palabra se ha convertido en una máscara y la manipulación en una falsa forma de verdad. Disfraces, en fin, para maquillar gestos violentos. La obsesión de Bella por el éxito en redes sociales es un síntoma significativo de este discurso, pero lo es aún más el tratamiento de la figura de Spiegler (Mark Spiegler, real y conocido representante de actrices porno), cuya verborrea tiñe de profesionalidad el trasfondo de un negocio esclavista. No, el porno no es una elección libre porque entraña un engaño. Bella lo comprende cuando toma por primera vez el mando –se convierte simbólicamente en el hombre, el falo y la cámara– en una escena de sexo, la que protagoniza junto con Ava (Evelyn Claire) en el clímax de la película. Cuando tiene que ordenar, cuando es ella quien golpea, fuerza y somete, entonces entiende la auténtica naturaleza de la industria del sexo; se trata de dominar, reducir y conquistar al otro por todos los medios imaginables. Con sus matices, con sus excepciones, con su lado desprejuiciado e incluso erotizado, con todos los peros que se le quieran poner al porno para no caer en la generalización, Pleasure tiene el valor de llamar a las cosas por su nombre para devolverle a su protagonista el don que le habían arrebatado: la ilusión del libre albedrío.


    https://www.elantepenultimomohicano.com/2021/10/critica-pleasure.html

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