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Tema: 69º FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN

  1. #91
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    La abuela’ y ‘Quién lo impide’: de la adolescencia a la vejez
    En la Sección Oficial a concurso coinciden dos películas españolas: la apuesta por el terror atmosférico de Paco Plaza, y el resultado de cinco años de convivencia de Jonás Trueba con un grupo de adolescentes


    Almudena Amor y Paco Plaza, en la presentación de 'La abuela' en San Sebastián.Javier Hernández

    En un terrible choque de trenes en el calendario del festival de San Sebastián, coinciden en una misma jornada dos apuestas absolutamente distintas pero igual de efervescentes. Por un lado, La abuela, de Paco Plaza, con guion de Carlos Vermut, un filme de terror que cimenta su éxito en la atmósfera que crea en un piso donde una chica con incipiente carrera de modelo se encierra a cuidar a su abuela enferma, que además es su único familiar vivo. Por otro, Quién lo impide, de Jonás Trueba, 220 minutos divididos en tres capítulos que nada tienen que ver en estilo y formato pero están protagonizados por los mismos quinceañeros madrileños, y que se convierten en un retrato pegado a sus rostros, el testimonio de cómo es la adolescencia actual.

    Paco Plaza (Valencia, 48 años) tenía una historia dándole vueltas en el cerebro. “Mi mayor miedo era que la película se pareciera demasiado a Verónica. Debía reconfigurar mi cabeza y buscar compañeros de viaje que no estuvieran relacionados con el terror”, apunta el cocreador de la saga [REC]. “Así elegí al director de foto, a la dirección de arte, a la compositora [Fatima Al Qadiri]...”, explica. Pero ha acabado en un piso encerrado, como en Verónica. “Bueno, es una casa que explica cómo ha ido atravesando los tiempos. El personaje de la abuela es como una matrioska: ves lo de afuera, pero en su interior habitan otras mujeres. Cuando tienes cierta edad dices cosas que decía tu padre, y así descubres que contienes a los que te precedieron. Todos tenemos esa carga cultural histórica, junto a la carga de ADN. Quise contar eso en la pantalla”. ¿Cómo trabajó con Vermut? “Somos íntimos, y yo llevaba dentro esta historia que no sabía cómo plasmar. En nuestras comidas semanales, y mientras esperaba la financiación de su nueva película, Mantícora, me dijo que si se ponía a ello, y lo hizo. La clave es que no es un guion suyo que yo dirijo, sino que escribe para mí y yo estoy pegado a él en el proceso. Ha escrito un guion que yo no hubiera hecho, hay una estilización en el hecho de vaciar de trama la peli que es muy de Carlos. Me ha empujado a llegar a sitios a los que yo solo nunca me hubiera atrevido”.

    El cineasta ha encontrado una manera muy Vermut de definir su película: “Es como esos pasatiempos infantiles en los que tienes los puntos y con un lápiz los unes para adivinar la figura. Los puntos, las pistas, están en la pantalla, y es en el viaje cuando comprendes lo narrado. Como público, debes participar activamente en el proceso, y hay cosas que ni explicamos”. Y que no se pueden desvelar. “Como quién es la auténtica protagonista de la película”. Otro acierto de La abuela estriba en su uso de la vejez. “Le dije a Carlos que iba a ser una película de posesiones en la que el demonio es la vejez. Vivimos en una sociedad que ha demonizado la vejez. Hemos peterpanizado todas las edades, solo queremos ver juventud y belleza. Y uniendo eso a experiencias personales en las que ves el desvanecimiento de familiares que han sido referentes en tu vida creamos un miedo que exploramos”. Plaza, uno de los mejores conversadores y analistas cinematográficos actuales, desgrana “la historia de amor a través del tiempo” que esconde La abuela. “Sin ancla en el mundo, ¿qué gracia tiene reencarnarse?”.


    Jonás Trueba, con sus adolescentes de 'Quién lo impide'. / JAVIER HERNÁNDEZ

    A esas reflexiones aún no han llegado los adolescentes de Quién lo impide, a los que Trueba conoció en octubre de 2016, a la vuelta de presentar en el certamen de San Sebastián La reconquista, cuyos títulos de crédito acababan con la canción de Rafael Berrio Quién lo impide. “Entonces no tuve claro que iba a hacer una película con ellos. No lo decidí hasta el año pasado, con la crisis de la pandemia. Fue más un proceso, una forma de estar trabajando... En realidad, me gustó mucho la idea de filmar por filmar, de no tener la obligación de que fuera una película. Fue un lujo avanzar sin ese peso. Al final, lo ha sido porque la realidad me lo ha dicho así”, reflexiona en el festival donostiarra. Entre los empujones para sacar adelante el proyecto, apunta, estuvo el flujo de noticias que acusaban a los jóvenes de propagar la covid. “Sentí que tenía que homenajearles y contradecir esa imagen”.

    En colaboración con la editora Marta Velasco, decidió que no se sacaría una película de la manga, sino que el resultado fílmico sería fiel a los años de rodaje, “que el resultado mostrase las dudas y las incertidumbres, una obra hecha a ratos, a golpes de intuición, que tuviera un poco de todo, documental, ficción, ensayo...”. De ahí sale el metraje de 220 minutos con dos intermedios integrados como en los clásicos, estilo Doctor Zhivago. “Mi padre [Fernando Trueba] me decía riendo: ‘Como en Novecento’. En fin, en cada reinicio cambia por completo el concepto. A mi padre esas paradas le recordaban a las películas que veía de joven, que tenían un cierto aliento épico, y mucha libertad. Hoy parece que el cine debe reflejar nuestro mundo sintético, de brevedad. Quién lo impide habla del mundo de hoy con una actitud de otra época”, cuenta como reivindicación. ”Es larga porque así ha sido el proceso, porque les han pasado muchas cosas”.

    ¿Y qué ha encontrado Jonás Trueba en estos adolescentes al final del viaje, en el que incluso les pregunta cómo les gustaría ser reflejados en pantalla? “Hice mucho un ‘dicho, hecho’. Ellos pedían algo y yo lo hacía a continuación, para que se mostrasen como querían. Los ves contar, dudar, incluso cómo les brotan las intuiciones que devienen en ideas. Al final, he descubierto que no son tan diferentes al joven que yo era, a mis amigos... Eso es tranquilizador”.

    https://elpais.com/cultura/2021-09-23/la-abuela-y-quien-lo-impide-de-la-adolescencia-a-la-vejez.html
    Última edición por macahe; 23-09-2021 a las 17:46:24

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    Carajita (Ulises Porra y Silvina Schnicer). San Sebastián 2021 – New Directors



    Cristina Aparicio

    Hay un momento al final de Carajita que parece apuntar a la idea de estar en un bucle, en un limbo en el que queda atrapada Yarisa cuando la tragedia golpea su vida. Sin recurrir a repeticiones ni reciclar escenas anteriores, la circularidad se consigue desde sutiles cambios en la planificación de los encuadres. Ulises Porra y Silvina Schnicer han creado una poética visual única que conjuga la fisicidad de las imágenes, de fuertes contrastes lumínicos y poderosas sinergias cromáticas, conscientes de la importancia de atender a la composición de cada plano. Tan solo en los primeros minutos se amontonan los hallazgos visuales de dos cineastas que utilizan la luz para desvelar estados emocionales, que se apoyan en el sonido para expresar el dolor a golpe de percusión y encuentran en elementos tan cotidianos como los cordones de un zapato la metáfora que materializa los vínculos cruzados que comparten sus protagonistas.

    Carajita trasluce una fuerte voluntad por encontrar la emoción dentro del plano: sin descuidar ninguna de las dimensiones que integran lo fílmico, las disonancias son la clave de este complejo ejercicio que delata las contradicciones o relaciones imposibles que viven sus personajes. Así, la clase social y el estatus económico terminan imponiendo los modos y modelos de relación posibles, determinando y condicionando conceptos como la amistad y la maternidad. Un discurso que se impone a lo simbólico de sus imágenes, o mejor, que convive con ello: como parte de una realidad construida desde la utopía o desde la capacidad siempre presente de fantasear con la posibilidad de respirar bajo el agua.

    https://www.caimanediciones.es/carajita-ulises-porra-y-silvina-schnicer-san-sebastian/

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  5. #93
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    Unclenching the Fists (Kira Kovalenko). San Sebastián 2021 – Zabaltegi



    Carlos Losilla

    Hay una escena escalofriante en esta película, de la que debería surgir todo el relato que le da forma: la protagonista, una adolescente que vive sojuzgada por su padre en Osetia, le enseña a un amigo unas cicatrices que le atraviesan el vientre, producto –dice– de cuando la hicieron saltar por los aires, en su escuela, tras ser apresada como rehén en un secuestro. He ahí la metáfora perfecta de una tierra maldita, inclemente, cuya violencia que no acaba parece manar incesantemente de sus tradiciones y de su dinámica sociopolítica: el machismo, la endogamia, la familia como estructura cerrada y asfixiante. No es de extrañar, en este sentido, que Ada, la protagonista, se esté acercando peligrosamente a la locura, prisionera tanto de un padre que supuestamente abusa de ella como de dos hermanos que no terminan de definirse al respecto.

    Unclenching the Fists parece inclinarse a veces por ese narrativa típicamente postsoviética, caótica y delirante, que ya hemos visto, en esta misma sección del festival, en películas como Bad Luck Banging or Loony Porn o Petrov’s Flu. En lugar de ello, por desgracia, la ópera prima de Kira Kovalenko oscila entre una atractiva estructura fragmentaria y una dramaturgia más convencional, sin acabar nunca de encontrar un tono que dé sentido a ninguna de ellas. Eso la lleva a utilizar trucos de guion indignos de sus pretensiones, como el asunto del pasaporte que el padre oculta a la hija, o escenas demasiado explícitas y evidentes: la parte final, por ejemplo, mezcla una disolución de la imagen de gran inventiva visual con una resolución narrativa más bien pedestre que deja en evidencia que el próximo envite de Kovakenko consistirá en elegir, algún día, entre el cine de fórmula festivalera y un mundo propio e intransferible que aquí se apunta en abundancia pero muy pocas veces toma forma.

    https://www.caimanediciones.es/unclenching-the-fists-kira-kovalenko-san-sebastian/

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  7. #94
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    El poder del perro (Jane Campion). San Sebastián 2021 – Perlas



    Elsa Tébar

    El poder del perro es la última reinvención del western estadounidense, a cargo esta vez de la directora Jane Campion. La historia, ambientada en los años veinte del siglo pasado, cuando el asfalto ya cubría el polvo de las calles y los salones vivían sus últimos días en favor de casas de comidas en las que se bailaba el charlestón, muestra cómo los límites de los contrarios se difuminan. Lo viejo y lo nuevo, lo sucio y lo limpio, lo masculino y lo femenino, el exterior y el interior. El hombre que se está quedando solo en un tiempo al que no puede dejar desaparecer, en la creencia de que ello implicaría su propia destrucción. Será por eso que los hombres caminan al principio formando una línea que ocupa todo el cuadro y sirve de barrera infranqueable para evolucionar hacia un meticuloso análisis de la masculinidad.

    De todos los recursos de la puesta en escena del film, probablemente el menos novedoso sea el que resulta más efectivo y acapara todo el mérito en la secuencia final. La utilización de las puertas y las ventanas para representar la división entre lo de fuera y lo de dentro proporciona algunas de las imágenes más hermosas y eficaces narrativamente. Las ventanas sirven para que el exterior se refleje en ellas sin atravesar un cristal cada vez más fino a punto de no resistir la presión que ejerce sobre el territorio interior. Un movimiento dentro del cobertizo que se encadena a otro que sale al exterior para sobrevolar las montañas. ¿Podría haber en la insistencia de Campion por filmar las ventanas una oferta de diálogo con el formato académico? Aunque no menos efectiva es la banda sonora de Jonny Greenwood, que narra la historia con una partitura que ni subraya, ni acompaña, ni se limita a ser el ‘audio’ del audiovisual, sino que consigue una fusión irrompible entre las dos partes que no son contrarias, sino complementarias. En un momento en el que todo está por cambiar, Campion arremete contra el inmovilismo de quienes se aferran a los antiguos rituales.

    https://www.caimanediciones.es/el-poder-del-perro-jane-campion-san-sebastian/
    Última edición por macahe; 24-09-2021 a las 09:55:54

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  9. #95
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    The Eyes of Tammy Faye (Michael Showalter). San Sebastián 2021 – Sección Oficial



    Carlos F. Heredero

    Crónica satírica en la frontera misma del esperpento, pero a la vez entrañable y hasta respetuosa con sus protagonistas reales, la nueva realización de Michael Showalter narra la ascensión, el triunfo mediático y la caída de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker y de su marido, Jim Bakker, en los Estados Unidos de los años setenta y ochenta, hasta desembocar en el escándalo (provocado por graves corrupciones económicas en su gestión de los fondos recaudados a través de su canal televisivo y por la hipocresía del comportamiento de su esposo) que acabó definitivamente con su trayectoria pública a comienzos de los noventa. Interpretada por una magnífica y prácticamente irreconocible Jessica Chastain (en lo que constituye una composición destinada directamente al Oscar de Hollywood), la película descansa casi en su totalidad sobre los hombros de Tammy Faye, sobre su desbordante y, a la vez, patética personalidad, y lo mejor del retrato que se nos propone de ella es que deja la puerta abierta para preguntarnos cuánto de fe sincera y de convicción íntima había en sus actuaciones y cuánto de representación y de puesta en escena había en toda su desaforada existencia. La radiografía deja también al descubierto los vínculos de las altas esferas de las sectas evangelistas con el Partido Republicano y con los grandes intereses políticos y económicos del país. En sus manos, o bajo sus intrigas, la figura de Tammy Faye (con sus ojos sobrepintados y con sus pestañas exageradas) acaba desvelándose una muñeca rota y finalmente triturada por la peligrosa maquinaria que ella misma contribuyó a poner en pie, una vez que su papel ya no resultaba útil o cuando su actitud ya les parecía poco manejable a los poderosos. Es una pena que tan jugoso retrato y tan vibrante telón de fondo se filme casi siempre de manera impersonal y más bien ecléctica, por mucho que la película destaque con fuerza, eso sí, en la reconstrucción de la estética kistch y hortera que acompañó siempre a la protagonista.

    https://www.caimanediciones.es/the-eyes-of-tammy-faye-michael-showalter-san-sebastian-2021-seccion-oficial/

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  11. #96
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    Aurora (Paz Fábrega). San Sebastián 2021 – Horizontes Latinos



    Elsa Tébar

    La joven Yuliana se ha quedado embarazada en uno de tantos países en los que el aborto no es una opción ni legal ni segura. El encuentro con Luisa, que decide acompañarla hasta el momento del parto, abre la posibilidad de otras alternativas, tratando de evitar todo lo que sucederá cuando la madre de la joven tenga noticia de lo sucedido. La película comienza con una larga secuencia en la que Luisa habla en su clase sobre lo efímero, la belleza de los andamios de las casas en construcción y la de las cosas a medias, las cosas ‘en camino’. Desde este inicio se puede ver la impecable realización del largometraje de Paz Fábrega. Todo está en su lugar, la luz es la adecuada y la selección de colores perfecta. Y esta belleza, tan difícil de encontrar, parece conseguida sin esfuerzo y es mostrada de manera tan natural como las interpretaciones de las dos protagonistas. La cámara se pasea por sus vidas con la dulzura del tacto de una cortina blanca mecida por el viento. Sin celebrar juicios y evitando profundizar en las razones que justifican la elección de una opción u otra, el film plantea las diferentes alternativas y muestra solo de manera fugaz las consecuencias de la elegida. Quizá cabría esperar algo más de posicionamiento al respecto, que se escabulle rápidamente cada vez que asoma. De lo efímero, de la identidad y de las capas que tapan el verdadero interior habla la directora costarricense. Y de la vida, que es una de esas cosas que siempre está en camino.

    Jonay Armas

    Tercer relato sobre el alumbramiento juvenil en el festival (lo cual hace pensar sobre el sentir general de una sociedad en plena crisis medioambiental), Aurora es un film especial porque concibe un estudio de personajes, una joven embarazada y una adulta que decide ayudarla, tratando de huir de las herramientas tradicionales que ayudan a construirlos. Esta renuncia a los arquetipos, este juego sutil con las elipsis, este manejo singular del tiempo, esta querencia por los instantes muertos del relato y este respeto por el espacio íntimo de ambas ayuda a generar una inusual tridimensionalidad en ambas protagonistas, les dota de una autenticidad sorprendente. El film respira y discurre a través de la luz. Por la sensación que desprende se diría un documental, por el estilo invisible con el que está filmado se diría una clase magistral de dirección cinematográfica. Habrá que regresar a ella para poder desentrañar el milagro. Es tal la naturalidad que pareciera que nada avanza, que nada pasa, cuando en realidad sucede el mundo mismo en toda su complejidad inabarcable e invisible a través del relato. En un estimable intento por escapar de los lugares comunes del drama y acercarse al vaivén anodino de la vida real, Paz Fábrega ha compuesto un cine de engañosa sobriedad que pende de un fino equilibrio, un ejercicio cinematográfico pleno de autenticidad.

    https://www.caimanediciones.es/aurora-paz-fabrega-san-sebastian-2021/

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  13. #97
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    Vortex (Gaspar Noé). San Sebastián 2021 – Zabaltegi



    Carlos Losilla

    Vortex no es tanto una película sobre la vejez como sobre la muerte. Seguimos el día a día de una pareja de ancianos, él enfermo del corazón y ella aquejada de Alzheimer, que sobreviven como pueden en su apartamento parisino. De vez en cuando, sin embargo, también aparece por allá su hijo, en pleno combate contra una adicción, que apenas es capaz de sobrellevar esa situación o compaginarla con su papel de padre divorciado de un niño de corta edad. No hay regodeo por parte de Gaspar Noé, ni tampoco el film se recrea en ese horror, pues se trata de algo más conceptual que realista, como siempre ocurre en el cine de su autor. Las imágenes son claustrofóbicas, agobiantes, más por efecto de una puesta en escena que sobrecarga y satura los interiores que porque Noé fuerce la dramaturgia, por otro lado fría y distante. La pantalla se parte en dos desde el principio, no para subrayar soledades y aislamientos, sino para dejar en evidencia el carácter vigilante y todopoderoso de la puesta en escena. Nada puede escapar al ojo clínico del cine, que observa sin inmutarse esa implacable mort au travail…

    ¿O sí? El anciano viene interpretado por Dario Argento, el viejo campeón del giallo, mientras que su mujer es Françoise Lebrun, la actriz que declamó el monólogo final de La Maman et la putain (1973). La muerte o su proximidad, pues, también afectan al cine, cuya presencia se concentra en habitaciones polvorientas, invadidas por los libros y afiches del protagonista, quizá un antiguo crítico o especialista, empeñado ahora en escribir un volumen sobre el cine y el sueño que, obviamente, nunca terminará. Por dos veces comparece una cita de Poe, sobre la vida como sueño dentro de otro sueño, que habla más del estilo del film, de su uso de la Polivisión, que de la filosofía vital de los personajes. En efecto, Noé no cede. Parece que Vortex sea su trabajo más ascético y lineal, pero su cámara sigue en tensión, nerviosa e inquieta por no poder abandonar a sus criaturas. Y lo que en otras de sus películas era movimiento desatado y crispación, como si siempre hubiera estado huyendo de la inmovilidad de la muerte, aquí es angustia que no cesa, que solo se resuelve al final, cuando por fin puede salir al exterior. Por todo ello Vortex quizá sea, por el momento, su mejor película.

    https://www.caimanediciones.es/vortex-gaspar-noe-san-sebastian-2021/

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    Amparo (Simón Mesa Soto). San Sebastián 2021 – Horizontes Latinos



    Elsa Tébar

    Amparo, la madre que intenta recuperar a su hijo, en manos del ejército. Elías, el hijo de Amparo. Medellín, Colombia, años noventa. Temporada de reclutamiento de críos para la guerra y de violaciones de madres solteras. El primer largometraje de Simón Mesa Soto compone un retrato del terror de la realidad social de Colombia, donde hay que pagar, y no precisamente con moneda de curso legal, por la vida de un hijo. La cámara sigue a Amparo, interpretada por Sandra Melissa Torres, y apenas abandona su espacio para visitar el de su hijo mientras se encuentran separados. Con un rostro impenetrable que apenas muestra un par de emociones a lo largo de la película, arrastra la resignación de una mujer que no vale nada y sabe que al final del camino solo hay una solución: la de las pobres que habitan un mundo de hombres sin escrúpulos. Y que el único control que tiene es elegir al verdugo. Amparo habla de maternidad, de la corrupción del ejército, de la situación de inseguridad en la que viven las mujeres pobres y de los tres grandes delitos de la mujer: estar sola, haberse divorciado y tener hijos de padres diferentes. El director colombiano se vale de la ausencia del juego del plano–contraplano para evidenciar la separación entre el mundo de los hombres (el del todo vale) y el de las mujeres (el del nada vale) y aumentar la claustrofobia y la percepción de la soledad en la que se encuentra la madre. Una puesta en escena fría y desnuda, sin melodramas, solo una lágrima que cae lentamente. Siempre.

    https://www.caimanediciones.es/amparo-simon-mesa-soto-san-sebastian/

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    Noche de fuego (Tatiana Huezo). San Sebastián 2021 – Horizontes Latinos



    Jonay Armas


    Noche de fuego (Tatiana Huezo). San Sebastián 2021 – Horizontes Latinos
    Jonay Armas, 23 septiembre, 2021
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    En una escena que muestra la cotidianidad de los trabajadores de Sierra Gorda, en el interior de Querétaro, una explosión controlada destruye el paisaje para que los mineros continúen su labor. Ellos observan impasibles a que la polvareda lo inunde todo y la nube los haga desaparecer por un instante. Sin ningún gesto grandilocuente, Tatiana Huezo resume con este momento el sentir de un pueblo hostigado por el cártel que opera en la región, una comunidad sitiada que siente que el mundo se derrumba a su alrededor y que ha perdido la capacidad siquiera de que sus rostros reaccionen a la barbarie. La realizadora ha encontrado una forma honda y directa de hablar de su país, desde una emoción profunda que nace de una puesta en escena que combina la naturalidad con una elegancia en el encuadre poco habitual para alguien que rueda cámara al hombro. El relato es articulado a través de una de las niñas del pueblo, y todo parece filmado con la mirada de quien no entiende lo que ocurre. Huezo busca en todo momento que quien contempla la película se sitúe también en ese mismo lugar de la infancia, en ese instante de la vida en el que todo es nuevo y las cosas solo se entienden a medias.

    Pero, al contrario que otras películas de corte social del presente a las que les basta la premisa de la denuncia parar justificarse a sí mismas, Noche de fuego plantea una segunda mitad en la que la niña ya es una adolescente y entonces los problemas de lo cotidiano ya son otros. La mirada sigue siendo la de la recién llegada al mundo que no entiende lo que pasa a su alrededor y su rostro empieza a acostumbrarse a no reaccionar ante las injusticias, como les ocurría a los mineros. En todo este proceso las dificultades de los maestros que intentan impartir clases en el pueblo se convierten en situaciones frecuentes , lo que pone el punto de mira en el origen del mal, en dónde se ha de situar el primer paso para dejar atrás la barbarie. La valentía de Huezo, alejada de todo dogmatismo (y ya es difícil cuando se trata de poner en escena el mundo educativo), huyendo de todo efectismo (y ya es difícil cuando la autora desborda esta sensibilidad por el universo infantil), no se limita únicamente a denunciar las injusticias de su entorno: por fin el cine demuestra que también es capaz de señalar cuál puede ser el primer paso para cambiar las cosas.

    https://www.caimanediciones.es/noche-de-fuego-tatiana-huezo-san-sebastian-2021/

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    Jessica Chastain se convierte en la telepredicadora más polémica de Estados Unidos
    La actriz presenta en el concurso ‘Los ojos de Tammy Faye’, la vida de una conocida evangelista: “No me gusta hacer películas cómodas, me interesa poner al público entre la espada y la pared”


    Jessica Chastain posa para los medios, este viernes por la mañana en San Sebastián. En el vídeo, tráiler de la película.FOTO: JAVIER HERNÁNDEZ

    Gregorio Belinchón

    Durante una década, Jessica Chastain (Sacramento, 44 años) ha llevado en sus entrañas el personaje de Tammy Faye Bakker. “Es curioso, porque, que yo recuerde, nunca he estado en un proyecto de largo recorrido del que me haya bajado”, recuerda Chastain. “Cuando me pongo en serio, soy muy leal”, concede. En 2012 vio el documental Los ojos de Tammy Faye y supo al momento que ahí había un filón. Fuera de Estados Unidos, casi nadie conoce a Tammy Faye Bakker, pero en su país su figura ha sido tan idolatrada como arrastrada por el fango. Reinó junto a su marido, Jim Bakker, en el mundo de los telepredicadores durante los años setenta y ochenta, juntos construyeron el parque de atracciones más grande de su país —destinado, obviamente, a sus seguidores, cristianos evangelistas—, levantaron un imperio cuyos cimientos eran puro barro. Cuando salió a la luz la ingeniería contable de Jim Bakker y sus infidelidades, aquel mundo se derrumbó. Alrededor de ellos saltaron como buitres los otros teleevangelistas, que nunca habían acabado de aceptar a la pareja, cuyos mensajes iban envueltos en música y risas, en unos colores pop opuestos al gris de los otros pastores. Además, Tammy Faye lanzaba sermones de amor a los homosexuales en plena pandemia del sida, cantaba en vez de pregonar y vivía obsesionada con su físico.

    Chastain ha llegado ahora al final de su camino. Los ojos de Tammy Faye (han repetido el título del documental para la ficción) se presenta en el concurso del festival de San Sebastián antes de su estreno comercial, que en España está previsto para febrero. En el filme, el guion va un paso más allá y entra en un debate de calado: la diferencia entre espiritualidad y religión. “Veo a Tammy como una mujer muy espiritual, que choca contra los grandes predicadores de los setenta, líderes con una clara visión de la religión como institución. Ella en cambio se ceñía al amor”. La actriz vive una especie de síndrome de Estocolmo con el personaje, tras siete años estudiando su voz (cercana a la de Betty Bop), sus gestos y su comportamiento. “La he analizado desde todos los puntos de vista posibles, con mi habitual radar para personajes llenos de claroscuros y grietas, y, de verdad, era como una niña, rebosante de inocencia. En su puridad creyó que todo era posible”.


    Los auténticos Jim y Tammy Faye Bakker.

    Entonces, ¿era una adelantada a su tiempo? “En realidad, las mujeres que han luchado por la igualdad de géneros siempre han parecido adelantadas a su tiempo”, aclara. “Es cierto que habitamos una sociedad que juzga por el aspecto, y que Tammy fue muy meticulosa y exagerada en ese sentido. A cambio, nunca siguió las reglas. Y desde luego, creó una enorme controversia a su alrededor, especialmente por su cariño a la comunidad LGTBI. En 1994 sonaba a radical, hoy los derechos de las minorías ya han sido aceptados en mi país, así que ese devenir le hubiera sido más fácil”. Siendo un personaje tan controvertido, ¿no le preocupa que parte del público estadounidense se oponga al filme incluso sin verlo? “Bueno, eso me ha pasado tantas veces en mi carrera [carcajada]. Los estrenos de varias de mis películas no fueron buen recibidos, probablemente porque sus protagonistas femeninas, vamos, la que suelo encarnar yo, chocaba con lo que esperaba el espectador. No me gusta hacer películas cómodas, me interesa poner al público entre la espada y la pared, generar conversaciones... Creo en hacer cine como un acto político, que provoque un debate en términos de racismo o identificación sexual. Así que el hecho de que alguien se oponga a mi trabajo suena hasta normal”.

    Y ahí entra a analizar lo que supone la figura de Tammy Faye en EE UU. “Es una historia muy americana. Aquellos predicadores impulsaron la llegada a la presidencia de Ronald Reagan. Ella misma creía fervientemente en esa idea de que vivimos en el mejor de los países, en el ‘Dios bendiga América’. Y la realidad no es así, como nos ha demostrado la presidencia de Donald Trump y la actual derecha alternativa”.

    Es cierto que en la carrera de Chastain no hay películas banales. Aunque empezó en 2004, el público no le puso cara hasta que se convirtió en estrella del teatro con Salomé, bajo el manto protector de Al Pacino, y después de los estrenos, en 2010 y 2011, de La deuda, Take Shelter, El árbol de la vida (que en realidad llegó a las salas años después de su rodaje) y Criadas y señoras. Con esta película obtuvo su primera candidatura al Oscar, y volvió a los premios de Hollywood con La noche más oscura. “Durante el confinamiento, mucha gente recuperó El caso Sloane, por ejemplo, que había tenido un mal recibimiento, y redescubrieron el filme. O fíjate en Interstellar, en la que de repente encontraron que se escondía una historia de amor. ¡Por supuesto! Por eso la hice”.


    Jessica Chastain , en una imagen de 'Los ojos de Tammy Faye'

    ¿Es Los ojos de Tammy Faye una metáfora de la industria cinematográfica? Si los grandes predicadores fueran los ejecutivos de los estudios de Hollywood, podrían entenderse sus movimientos primero de rechazo, después de absorción y finalmente de destrucción de Tammy Faye como reflejo de lo que ha pasado durante décadas con actrices y directoras, que han batallado por su propia voz. “Te diría que en el trasfondo puede que sí, pero Tammy nunca batalló, nunca se planteó su vida en términos de lucha. Hacía lo que quería, nunca reflexionó sobre sus movimientos y decisiones”. ¿Y cómo lleva la carga de protésicos que ha necesitado para parecerse físicamente a su personaje? “Ayudan y a la vez dificultan el trabajo. Solo podía usar mis ojos, porque hasta cambié mi voz y mis movimientos”. ¿No pensó en dirigir ella misma una historia en la que estaba tan implicada? “Había días en que entraba en maquillaje a las tres y media de la mañana... Era imposible con tanta prótesis, pero eso ocurrirá en algún momento, seguro. Solo necesito un guion del que yo sienta que mi mirada servirá para hacerlo crecer”.

    https://elpais.com/cultura/2021-09-24/jessica-chastain-se-convierte-en-la-telepredicadora-mas-polemica-de-estados-unidos.html

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    Gracias @macahe

  22. #102
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    @fanny soy uno de los que reparten mascarillas entre los invitados. Es broma
    Pues podías ser. Parece que estás ahí, qué de información

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     macahe

  24. #103
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    Quién lo impide’, adolescentes de verdad y un barco solo aceptable en ‘La Fortuna’
    No sé si es una propuesta radical, solo sé que yo la veo con notable interés, y que en algunos momentos me conmueve. Veo sin fatiga, pero exento de fascinación, la serie de Amenábar


    El director Jonás Trueba (cuarto por la izquierda) y los actores Candela Recio (tercero izquierda), Pablo Hoyos (en el centro), Silvio Aguilar (segunda izquierda), Pablo Gavira (segunda derecha), Claudia Navarro (tercero derecha), Rony-Michele Pinzaru (cuarto izquierda), Marta Casado (derecha) y Javier Sánchez (izquierda), en el Festival de Cine de San Sebastián.Javier Etxezarreta / EFE

    Carlos Boyero

    A estas alturas del festival, saturados por la visión de tanto cine prescindible (hay otro que no, poco), con las odiosas máscaras cubriéndote el careto y asfixiándote, podía inspirar inicial pereza ver una película cuyo metraje es de 220 minutos. Se titula Quién lo impide y se la ha inventado Jonás Trueba. No sé si es una propuesta radical, esa calificación tan de moda cuyo significado y trascendencia no he entendido nunca. Solo sé que yo la veo con notable interés, que me parece de verdad y que en algunos momentos y ante determinados personajes me conmueve. Habla de la adolescencia, que en el caso de cada espectador puede asociarla a un periodo grato de su existencia, o dificultoso, o no querer tener el menor recuerdo de ella. Y sé de muchos padres y madres llenos de temor o de falta de entendimiento ante lo que puede ocurrir en el corazón, en el cerebro, en la conducta de esos hijos que han dejado de ser niños, alborotados hormonalmente, que pueden estar conviviendo pegajosamente con algo doloroso, caótico o sombrío llamado incertidumbre. O intemperie emocional, o miedo al fracaso, a no ser aceptados, a no encontrar respuestas a las continuas preguntas que se hacen a sí mismos, al futuro.

    Jonás Trueba se ha propuesto a lo largo de varios años el reto, lleno de sentido de la observación y de generosidad, de dejarles hablar, de que expongan lo que sienten, de intentar comprenderles. Y en el microuniverso que filma y escucha lógicamente hay de todo. Confesiones perturbadoras, diversas formas de relacionarse, amores tempranos, sentimiento de acoso, confusión, aislamiento, risas, complicidades, botellones, viajes de fin de curso, interrogantes o protestas sobre la educación y las enseñanzas que están recibiendo, empatías y enfrentamientos, necesidad de querer y ser queridos. Jonás combina el documental, las situaciones reales con historias de ficción que interpretan esos chavales. Al entrevistarles, el director emplea en varias ocasiones un término tan demodé como “es bonito”. Yo lo frecuento desde que era pequeño. Y me parecen muy bonitas algunas de esas ficciones. La del chaval precozmente enamorado y asustado que se atreve a presentarse de improviso en el pueblo de ella, el paseo de ambos en kayak cruzando una frontera, sus miradas, sus silencios, sus risas, el apasionado morreo en la hierba. Esa cría desprende luz. O la chica rumana en el autocar vacacional descansando finalmente su cabeza en el hombro de un compañero con el que no había tenido trato, esas manos que se rozan, ese momento delicado, sutil, mágico. Y les deseo lo mejor al grupo de gente que me ha mostrado Jonás Trueba. Que disfruten de más de un esplendor en la hierba, que los demonios no se ceben con ellos, que puedan ganarse la vida con un curro vocacional, que lleguen a saber quiénes son y que se acepten.

    ‘La Fortuna’

    Tenía lógicas expectativas con La Fortuna, la primera serie que ha rodado Alejandro Amenábar, un director por el que siento mucho respeto. Y la veo sin fatiga, pero exento de fascinación. Algo que sí me provocaron las antiguas y míticas series de HBO (algo que ya solo pertenece al recuerdo) o series españolas como las excelentes Patria, Antidisturbios y La peste. Mi expectación ante ella a veces crece y en otras se difumina. En el primer caso, cuando aparecen modélicos actores estadounidenses como Stanley Tucci y Clarke Peters (compruébenlo viendo su actuación en series tan memorables como The Wire y Treme) y escenarios de ese país, incluidas secuencias nocturnas en un barco que tienen aroma a cine inquietante. Pero este interés me decae a niveles alarmantes en otros ambientes. Y mi opinión es absolutamente subjetiva. No soporto al personaje femenino que la protagoniza, funcionaria del Ministerio de Cultura español, señora agresiva, bocazas, conveniente y rabiosamente feminista, bisexual (o eso dice ella), con voz chillona y siempre quejándose de algo. Imagino que la actriz Ana Polvorosa hace y dice lo que le exige el guion y su director, pero es que no aguanto a ese tipo de persona. Manías mías.

    Amenábar se inspira en un cómic de Paco Roca que desconozco. Pero hace unos años seguí con mucha curiosidad en los medios el enfrentamiento entre el buscador de antiguos tesoros hundidos en el mar (un pirata para sus acusadores, un soñador según su propia opinión) y el Gobierno de España, para ver a quién le pertenecían legalmente las riquezas que albergaba el barco español Nuestra Señora de las Mercedes, hundido por una fragata inglesa hace un par de siglos. La descripción de ese conflicto está bien narrada por Amenábar, alternando situaciones de intriga y de comedia, pero tengo la sensación de que es una serie descompensada. Tal vez mi problema radique en que esperaba mucho más de ella. El constatado talento de su creador me hacía esperar otra cosa. La veo y la escucho bien, pero no me deja huella.

    https://elpais.com/cultura/2021-09-24/quien-lo-impide-adolescentes-de-verdad-y-un-barco-solo-aceptable-en-la-fortuna.html

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    Un palmarés político otorga la Concha de Oro de San Sebastián a la rumana ‘Blue Moon
    Jessica Chastain recibe el premio a mejor interpretación protagonista y los adolescentes de ‘Quién lo impide’, de Jonás Trueba, se llevan el galardón a interpretación de reparto en unos trofeos con abrumadora presencia femenina


    Imagen de 'Crai Nou (Blue Moon)'

    El drama social-familiar Crai Nou (Blue Moon), de la debutante rumana Alina Grigore, ha ganado la Concha de Oro de la 69ª edición del festival de San Sebastián. La película desarrolla su trama en una gran casona, donde se alquilan habitaciones para turistas, y en la que una gran familia disfuncional intenta arreglar sus problemas a voz en grito. De ese torbellino dos hermanas veinteañeras quieren infructuosamente huir e irse a estudiar a la universidad. De esta forma, la directora que ganó el año pasado, la georgiana Dea Kulumbegashvili, cuya Beginning se llevó hasta cuatro premios, y presidenta del jurado de la presente edición le ha pasado el testigo a otra joven cineasta. Es la quinta Concha de Oro para una película liderada por una mujer.

    En el resto del palmarés destaca la abrumadora presencia femenina. Aunque de las 16 películas a concurso, solo siete estaban dirigidas por mujeres, el certamen había programado filmes que sí albergan una paridad en el género de sus protagonistas: en cinco de ellas el rol principal es masculino, en otras cinco es femenino y en seis son parejas o grupos. En su primera edición sin premios de interpretación diferenciados por sexo, el jurado que, junto a Kulumbegashvili, reunía a la actriz española Susi Sánchez, a la cineasta francesa Audrey Diwan (que acaba de ganar el León de Oro en Venecia por El acontecimiento), la directora chilena Maite Alberdi (El agente topo) y el productor estadounidense Ted Hope ha otorgado la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista ex aequo a la danesa Flora Ofelia Hofmann LIndahl por As in Heaven y a Jessica Chastain por Los ojos de Tammy Faye. El viernes, Chastain respondía a EL PAÍS sobre esta cuestión de premios diferenciados por sexo: “Creo que en el pasado sí era importante la diferenciación porque las cineastas luchábamos por obtener historias que no fueran masculinas. Yo misma fui jurado en Cannes y recuerdo lo difícil que fue encontrar un trabajo protagonista femenino. Ahora bien, no podemos cerrar la puerta a historias y personajes transexuales, y puede que así podamos amplificar el foco sobre todos los seres humanos”.

    La nueva Concha de Plata a la mejor actuación de reparto recayó en el elenco de adolescentes de Quién lo impide, de Jonás Trueba. Nueve de ellos subieron emocionados al escenario, y a través de una de ellas, Candela, se lo dedicaron “a los más de 200 chicos que participaron en el proyecto; con este premio nos sentimos escuchados”. Y confesó: ¨No solo nos hemos interpretado, también nos hemos imaginado”.

    El premio especial del jurado, considerado el segundo en importancia, fue para Earwig, de la francesa Lucile Hadzihalilovic, una película que desde el inicio estaba llamada a aparecer en el palmarés. Hadzihalilovic no es una cualquiera y ya acumula una filmografía en la que ha ido experimentando con las atmósferas: Earwig parecía más cercana al gusto del jurado. Sin embargo, el triunfo de una película como la rumana, bastante inferior, hace de menos este reconocimiento a la creadora francesa. El galardón a la mejor dirección recayó en la danesa Tea Lindeburg, también debutante con As in Heaven, una historia opresiva que se desarrolla en una comunidad rural durante el siglo XIX. El premio a la mejor fotografía se lo llevó Claire Mathon, reputada camarógrafa francesa gracias a sus colaboraciones con autores como Céline Sciamma, pero que en el exiguo thriller político-periodístico Enquête sur un scandale d’état realiza una tarea de aliño a la altura de la película. Con ver Spencer, de Pablo Larraín, cualquiera sabrá que Mathon es capaz de mucho más.

    Finalmente, el palmarés al mejor guion lo obtuvo con justicia el más veterano de la sección oficial, el cineasta británico Terence Davies (Liverpool, 75 años) gracias al libreto de Benediction, regado de su humor cáustico y su labor de orfebrería habitual a la hora de recrear mundos pasados y amoldarlos a sus personajes. En esta ocasión su película es un canto de amor al poeta Siegfried Sassoon.

    El cine español, que contaba con cuatro películas a concurso, ha salido mal parado. Como se barruntaba desde el inicio, el jurado iba a optar por títulos alejados de una narrativa tradicional, y solo Quién lo impide, de Jonás Trueba, parecía poder acomodarse a esa línea, que además le ha reportado el premio Fipresci de la crítica internacional. La abuela, de Paco Plaza, y El buen patrón, de Fernando León, no han logrado ningún reconocimiento, y Maixabel, de Icíar Bollaín, ha obtenido —de parte de otro jurado— el de mejor película vasca. Esa misma narrativa clásica ha debido en contra de la mejor propuesta presente en la sección oficial: Arthur Rambo, otra demostración del desbordante talento del francés Laurent Cantet para contar historias sociales, políticas, actuales y frescas.

    El galardón que premió a la mejor película en la sección Horizontes, centrada en el cine latinoamericano, fue para la mexicana Noche de fuego, de Tatiana Huezo. En la sección Zabaltegi / Tabakalera, que recoge un cine más arriesgado, ganó Vortex, del francoargentino Gaspar Noé, en la que es probablemente su mejor película. El filme, que participó en el pasado certamen de Cannes, cuenta con pantalla partida el final de una pareja de ancianos, asolados por el alzhéimer y la mala salud. Finalmente, en la sección Nuevos directores, uno de los apartados clásicos del Zinemaldia, triunfó la rusa Nich’ya, de Lena Lanskih.

    Durante la presentación de su película el pasado lunes, la nueva Concha de Oro Alice Grigore (Bucarest, 37 años), que como actriz ha trabajado con Cristi Puiu, contaba que ella misma había salido de un pequeño pueblo: “La situación sigue igual, las chicas se ven forzadas a salir fuera y hay una manipulación por la que se ven obligadas a casarse, salir al extranjero para trabajar y tener hijos”. De ahí su inspiración para Crai Nou (Blue Moon). Y sobre los éxitos actuales de cineastas mujeres, aseguraba: “Me gusta lo que está sucediendo en este momento, con cineastas que están combinando con valentía historias muy realistas con una expresión estética muy diferente”. La cineasta avanza estos días en la preproducción de su segundo largo, Some Irrelevant Stories about Moms, que será en inglés y protagonizado por Melissa Leo.
    Palmarés de la 69ª edición del festival de San Sebastián

    Concha de Oro para ‘Crai Nou (Blue Moon)’, de Alina Grigore.

    Premio Especial del Jurado: ‘Earwig’, de Lucile Hadzihalilovic.

    Concha de Plata a la mejor dirección: Tea Lindeburg, por ‘As in Heaven’.

    Mejor interpretación protagonista: ex aequo para Flora Ofelia Hofmann LIndahl por ‘As in Heaven’ y Jessica Chastain por ‘Los ojos de Tammy Faye’.

    Mejor interpretación de reparto: el elenco de ‘Quién lo impide’.

    Mejor guion: Terence Davies, por ‘Benediction’.

    Mejor fotografía: Claire Mathon, por ‘Enquête sur un scandale d’état’.

    Premio FIPRESCI: ‘Quién lo impide’, de Jonás Trueba.

    Premio del público: 'Petit Maman', de Céline Sciamma.

    Premio Horizontes: 'Noche de fuego', de Tatiana Huezo.

    Premio Nuevos Directores: 'Nich'ya', de Lena Lanskih.

    Premio Zabaltegi / Tabakalera: 'Vortex', de Gaspar Noé.

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    Otro palmarés grotesco. ¿Y van cuántos?
    ‘Adiós a todo eso’, que así titulaba Robert Graves su biografía. Apuesto que mogollón de lectores me echarán de menos después de 40 años hablándoles de estas movidas


    La cineasta Alina Grigore y la productora Gabi Suciu posan con la Concha de Oro tras la entrega de premios.VINCENT WEST / Reuters

    La ventaja que tienen la inmensa mayoría de los espectadores, o sea, eso llamado público, esa comunidad que paga la entrada, tan despreciada por tantos idiotas previsibles, oportunistas o concienciados que escriben (mal), hablan (peor) o sueltan sus convicciones (las que convengan según la señal de los tiempos) en internet, individuos (perdón, he querido decir individuas, individues, o lo que me marquen los reivindicativos, justos y geniales ministerios de Igualdad y de otras cosas tan necesarias), con numeroso público entre su familia y sus amigos pero limitada patéticamente a ese entorno tan íntimo, es que las distribuidoras, tan humanas ellas, tan preocupadas lógicamente por su negocio, van a tener dudas filosóficas, o muy prácticas, para estrenar las películas que los jurados de los festivales (todo eran mujeres concienciadas en esta edición, y el rollo va para largo después de tanto machismo, de acuerdo, pero por favor, exijo mujeres inteligentes, profesionales, capaces, sin necesidad de carné, de militar en cuerpo, alma y nómina en el nuevo y como todos asqueroso poder) deciden que son imprescindibles, bendecidas por el arte, necesarias para que el personal que paga la entrada salga conmovido. No tienen futuro. Su gloria empieza y termina en los festivales, en estos sitios donde disfruté de tantos amigos y de algunas películas, pero que mi agotamiento físico, mental y existencial no quiere volver a pisar.

    ¿Y qué les cuento sobre los premios? Pues nada. Que la mayoría son ridículos, que responden a un clima ideológico, que su recorrido comercial no existe, que solo sirven para que las causas de moda se afiancen con productos impresentables, pero que pueden recibir convenientes subvenciones. Le han concedido la Concha de Oro a una película rumana, dirigida por Alina Grigore. Es una tontería chillona. Y vale, qué mal tratan las familias y el entorno en ese país a las mujeres con ansia de independencia.

    Que no hayan premiado a Javier Bardem por una interpretación genial en El buen patrón me provoca vergüenza ajena, algo que no debe de poseer el jurado. Nadie que ame el cine, o como yo lo hago, va a recordar los galardones de un festival, cuya sección oficial solo se ha salvado por el protagonismo de un aceptable cine español. Y Adiós a todo eso, que así titulaba Robert Graves su biografía. Apuesto que mogollón de lectores me echarán de menos después de 40 años hablándoles de estas movidas. Y si vuelvo, será obligado por la supervivencia. Que se vaya al infierno la patética supervivencia.

    https://elpais.com/cultura/2021-09-25/otro-palmares-grotesco-y-van-cuantos.html

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  30. #106
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    Muchísimas gracias @macahe por todas las muy buenas notas que has aportado acerca de este certamen de cine, tan famoso y prestigioso que es San Sebastian!!


    "La vida es demasiado corta, para tener enemigos" Ayrton Senna

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  32. #107
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    De nada @jmanuellopez76 lo he hecho con mucho gusto.

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  34. #108
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    Con mujeres como hilo conductor

    Cerró el Festival de San Sebastián destacando historias de emancipación. En un palmarés netamente femenino sobresalieron la Concha de Oro a la directora rumana Alina Grigore por 'Blue Moon', y la de Plata a la danesa Tea Lindeburg por la dirección de 'As in Heaven'.

    La directora Alina Grigore sostiene el premio que le otorgó el jurado de San Sebastián, mientras observa hablar a la productora del filme, Gabi Suciu.

    San Sebastián (EFE) - El deseo de emancipación femenina en contextos hostiles es el hilo conductor del palmarés más feminista de la historia del Festival de San Sebastián, que ayer entregó su Concha de Oro a la película rumana `Blue Moon', ópera prima de la también actriz Alina Grigore (Bucarest, 1984).

    El jurado presidido por Dea Kulumbegashvili -ganadora el año pasado con `Beginning'- reconoció su "compromiso con el lenguaje cinematográfico'', su valentía y su manera de plasmar "el fantasma de la libertad y el lado salvaje de la vida''. La Concha de Plata a la Mejor Dirección para la danesa Tea Lindeburg por `As in Heaven', y el Premio Especial del Jurado para la francesa Lucile Hadzihalilovic por `Earwig' completan el trío de los premios principales con nombre y temática femenina en el certamen. Además, el premio a la Mejor Actuación Protagónica, que se estrenaba en su modalidad única sin distinción de género, se concedió ex aequo a la estadounidense Jessica Chastain, por su papel de predicadora en `Los ojos de Tammy Faye', y a la danesa Flora Ofelia Hofmann por `As in Heaven'.

    El único premio hispano del palmarés oficial fue para el grupo de adolescentes españoles protagonistas de `Quién lo impide', de Jonás Trueba, Concha de Plata a la Mejor Actuación de Reparto en ese retrato generacional de sus vidas, a caballo entre el documental y la ficción y registrado durante más de cinco años.

    En la sección Horizontes latinos el premio fue también para otra mujer, la mexicana de origen salvadoreño Tatiana Huezo por `Noche de fuego', una historia sobre la infancia y la maternidad ante la violencia en un pueblo de México, que también conquistó el premio AECI Cooperación Española y el Otra Mirada de RTVE.

    TRAMAS

    Alina Grigore, quinta directora que gana la Concha de Oro en la historia, convenció al jurado con un filme de atmósfera opresiva e irritante ambientado en la Rumania rural, cuya trama sigue la evolución psicológica de una joven que sueña con escapar de su familia disfuncional y de un entorno violento. Admiradora de cineastas como Yorgos Lanthimos o el rumano Cristi Puiu, con quien ha trabajado como intérprete, Grigore opta por una narrativa arriesgada y ambivalente, con largos planos secuencia filmados cámara en mano y pegada a la protagonista.

    Con una temática similar pero algo más convencional en su narrativa, Lindeburg (Copenhague, 1977) conquistó la Concha de Plata a Dirección con otra ópera prima, en su caso un filme ambientado en la Dinamarca rural de finales del siglo XIX. Lindeburg aporta una mirada original al introducir elementos oníricos en un drama de época.

    El Premio Especial del Jurado fue para un perturbador cuento gótico, `Earwig', de la francesa hija de emigrantes bosnios Lucile Hadzihaililovic, quien se llevó el mismo galardón en este certamen en 2015 con `Evolution' por su especial forma de narrar.

    https://www.laprensa.com.ar/507066-C...ctor.note.aspx
    Última edición por Amadel; 26-09-2021 a las 18:22:39

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  36. #109
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    De nada @jmanuellopez76 lo he hecho con mucho gusto.
    Te digo, que disfruto mucho de estas notas @macahe

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  38. #110
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    Gracias por la info, @macahe @Amadel.

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    De nada @Anders solo deseo que haya sido de tu agrado.

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  42. #112
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    Gracias por la info, @macahe @Amadel.
    @Anders

    De nada , pero mi contribución fue mínima, todo el mérito es de @macahe.

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